4420

Пейзаж в текстильном коллаже художников Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века.

Диссертация

Культурология и искусствоведение

Введение. Диссертация посвящена истории возникновения текстильного коллажа, изучению творчества художников-текстильщиков Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века, анализу методов и способов создания текстильных коллажей, а также выявлению ху...

Русский

2012-11-18

252 KB

72 чел.

Введение.

Диссертация посвящена истории возникновения текстильного коллажа, изучению творчества художников-текстильщиков Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века, анализу методов и способов создания текстильных коллажей, а также выявлению художественных особенностей жанра «пейзаж» в текстильном коллаже.

     АКТУАЛЬНОСТЬ. Сегодня вопрос об исследовании текстильного коллажа становится все более актуальным в связи с популярностью данной художественной практики. Данная работа актуальна еще и потому, что есть острая необходимость в изучении и выявлении художественных особенностей текстильного коллажа для дальнейшего создания учебных и справочных пособий. Выявление методов и способов создания текстильных произведений в технике коллаж на примере  творчества художников Санкт-Петербурга будет способствовать дальнейшему применению этих знаний на практике в специализированных учебных заведениях, а также будут полезны и интересны художникам профессионалам.

     СТЕПЕНЬ РАЗРАБОТАННОСТИ ПРОБЛЕМЫ. При изучении особенностей жанра пейзаж в текстильном коллаже художников Санкт-Петербурга ХХ-ХХI века были выделены три основные темы исследования – коллаж как техника и самостоятельное  произведение, жанр пейзаж в текстильном коллаже и творчество художников текстильщиков Санкт-Петербурга ХХ-ХХI века.  Изученную литературу можно подразделить на несколько типов:  учебная литература, каталоги выставок, кандидатская работа, статьи в журналах и научных сборниках. В современном развивающемся мире источниками информации являются не только печатные издания, но и глобальная сеть, где размещены официальные сайты художников Санкт-Петербурга с интервью и статьями художников и о художниках.

     Одной из проблем исследования, технике коллажа с использованием текстильных материалов, посвящено много книг по рукоделию российских (Андреева Роза, Лариса Денисова, Ксения Митителло, Мазурик Татьяна, Марина Кузьмина и Маргарита Максимова) и зарубежных авторов (Джоан Колвин,  Дилис Фронкс,   Джудит Бейкер Монтано,  Джен Кренц , Кэти Паскуини и Бретт Баркер, Памела Мостек, Ники Тинклер, МакКормик Гордон М.).

     В частности важный вклад в изучение техники коллажа как метода творческой работы внесла кандидат педагогических наук Векслер Анна Кирилловна, старший преподаватель кафедры декоративно-прикладного искусства Российского государственного педагогического университета им. А.И. Герцена. Свою диссертацию «Коллаж в системе профессиональной подготовки художника-педагога» она посвятила исследованию проблемы обучения коллажу как методу творческой работы и как самостоятельному художественному произведению в специфических условиях образовательной деятельности художественных и педагогических вузов. Также этой проблеме посветили свои труды искусствовед Безменова  К. В., и  культурологи Котович Т. В., Лалетин Д. А., Коваленко Г., в которых писали об истории возникновения и развитие техники коллажа.

     Проблема создания жанра пейзаж в текстильном коллаже рассматривается в учебной литературе для ВУЗов и средних художественных учебных заведений (Даглдиян Калуст, Логвиненко Галина), а также в книгах по рукоделию зарубежных авторов (Джоан Колвин, Фронкс А. Дилис, Джен Кренц).

     Не мало работ посвящено и творчеству художников-текстильщиков Санкт-Петербурга на рубеже ХХ-ХХI века. Искусствоведческий аспект данной проблемы освещен в книгах художественного критика, кандидата искусствоведения, доктора философских наук Андреевой Екатерины Юрьевны «Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ – начала ХХI века» и «Тимур. Врать только правду!». Однако анализ литературы показал, что информационный приоритет по данной теме остается за интернет-источниками. На официальных сайтах художников можно найти их лекции, статьи, интервью с ними, искусствоведческие статьи о творчестве художников. В глобальной сети  можно посетить  виртуальные галереи Русского Музея, «ДЕКарт», «Matiss Club», где представлены произведения художественного текстиля.  

    Анализ литературы показал, что наряду с глубокой проработанностью многих проблем, косвенно касающихся данной темы, пейзаж в текстильном коллаже художников Санкт-Петербурга ХХ-ХХI века не был раньше предметом развёрнутого исследования и в настоящей диссертации рассматривается впервые.

    ПРОТИВОРЕЧИЯ. На сегодняшний день техника коллаж с использованием текстильных материалов становится модным увлечением, как для домашних рукодельниц, так и для профессиональных художников, однако, анализ литературных источников показал недостаточную изученность данной темы. Отсутствуют теоретические разработки посвященные особенностям создания текстильных панно в технике коллаж.

    Жанр «пейзаж» является очень актуальной темой в текстильном коллаже, в то время как в литературе отсутствуют практические рекомендации для художников, необходимые для создания произведений декоративно-прикладного искусства.

    В Санкт-Петербурге есть много художников которые работают в технике текстильный коллаж, но до сих пор не было проведено полноценного изучения их авторских методов и способов работы. Также отсутствуют и биографические данные о художниках.

    ПРОБЛЕМА ИССЛЕДОВАНИЯ. В чем заключаются особенности пейзажей в технике текстильный коллаж художников-текстильщиков Санкт-Петербурга, которые работали на рубеже ХХ – начала ХХI века?

    ОБЪЕКТОМ ИССЛЕДОВАНИЯ в данной работе является текстильный коллаж художников Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века.

    ПРЕДМЕТОМ ИССЛЕДОВАНИЯ настоящей работы является  жанр «пейзаж» в произведениях петербургских художников-текстильщиков.

    ЦЕЛЬЮ исследования является изучение творчества художников-текстильщиков Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века, с целью выявления особенностей их художественной деятельности, на примере жанра «пейзаж», способствующих развитию техники текстильный коллаж в целом.

    Для реализации поставленной цели были сформулированы следующие ЗАДАЧИ исследования:

  1.   осуществить сбор и анализ литературы по теме диссертации;
  2.   изучить историю возникновения текстильного коллажа;
  3.  – рассмотреть коллаж как технику и как самостоятельное произведение декоративно-прикладного искусства;
  4.  – выявить художественно-выразительные особенности текстиля;
  5.  определить круг петербургских художников, работавших/ющих в области текстильного коллажа на рубеже ХХ – ХХI века, и на примере их творчества проанализировать художественные особенности жанра пейзаж;
  6.  – проанализировать собственный творческий опыт работы над серией текстильных коллажей
  7.  разработать методику преподавания текстильного коллажа для студентов художественного факультета.

    МЕТОДОЛОГИЯ  ИССЛЕДОВАНИЯ обусловлена выбором темы и основывается главным образом на историческом и искусствоведческом подходах. В работе применялись следующие методы исследования:

- источниковедческий анализ позволил определить степень разработанности проблемы;

- метод историко-культурного анализа позволил проследить развитие коллажа как вида творческой деятельности разных стран;

- типологический метод применялся при классификации художественно-выразительных особенностей текстиля;

- искусствоведческий анализ применялся при изучении авторских текстильных коллажей художников Санкт-Петербурга;

- иконографический метод применялся в сравнивание пейзажей текстильного коллажа разных авторов.

    НАУЧНАЯ НОВИЗНА ДИССЕРТАЦИИ заключается в том, что впервые:

    - данная тема была заявлена на исследование;

    - обоснована необходимость теоретической разработки посвященной особенностям создания текстильного панно в технике коллаж;

    -выявлены практические рекомендации  необходимые для создания произведений декоративно-прикладного искусства в жанре «пейзаж».

    - прослежен исторический путь развития текстильного коллажа в творчестве  петербургских художников на рубеже ХХ-ХХI века;

    - проведена классификация художественно-выразительных средств текстиля.

    ТЕОРЕТИЧЕСКАЯ ЗНАЧИМОСТЬ исследования состоит в том, что:

- выявлены специфические художественно-выразительные особенности текстиля;

- материалы диссертации и методическая разработка курса могут служить основой для дальнейших научно-педагогических исследований  в художественном образовании.

    ПРАКТИЧЕСКАЯ ЗНАЧИМОСТЬ исследования заключается в том, что его результаты могут быть применены:

- на занятиях по дисциплине художественно-практического цикла по специальности  «композиция в ДПИ» в художественных и  педагогических высших или средних специальных учебных заведениях;

- в организации педагогической деятельности детских творческих коллективов (художественных школ, домов творчества, студий, кружков);

- в качестве методических рекомендаций для профессионального  художественного творчества, повышения квалификации.


ГЛАВА 1. ТЕКСТИЛЬНЫЙ КОЛЛАЖ КАК ФЕНОМЕН ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОГО ИСКУССТВА.

  1.  История возникновения текстильного коллажа

   Текстильный коллаж — это одно из трех направлений, помимо гобелена и батика, в особом виде декоративно-прикладного искусства, в художественном текстиле. Расцвет текстильного коллажа приходится на конец  ХХ века. Текстильный коллаж – это разновидность осовремененной техники шитья из лоскутов ткани.

   Лоскутная техника – это один из традиционных видов народного творчества, у которого давняя история и  глубокие корни. Одной из причин появления техники лоскутного шитья была бедность. Она вынуждала женщин из остатков старой одежды шить новую, а также создавать изделия для домашнего быта. Россия до середины XVIII века была домотканой, и долгие зимние вечера женщины коротали за прялкой, ткацким станком и пяльцами. Сырьем для ручного изготовления ткани у славян служили лен, конопля и шерсть. Процесс выращивания этих культур, обработки сырья был очень длительным и трудоемким, поэтому ткани ткали шириной 40 см, соответственно крою рубахи или полотенца, чтобы при шитье практически не оставалось отходов. Одежда из домотканого полотна была крепкой и передавалась от старшего поколения к младшему. В России самодельные ткани использовались для убранства жилища в основном крестьянами, а до второй половины XIX века и горожанами. Но в конце XVIII начале XIX века, благодаря развитию машинного производства в России, все больше начали входить в домашний обиход недорогие, пестрые, яркие хлопчатобумажные ткани. Ширина ситцевого полотна составляла 75-80 см, то есть была шире кроя одежды, и смекалистые хозяйки оставшимися лоскутками стали украшать и чинить одежду. А из самых мелких лоскутков и из сохранившихся частей изношенной одежды сшивали  единое разноцветное полотно. Так появилось искусство лоскутного шитья.  

  Лоскутная техника известна многим народам мира, хоть и имеет разные названия: пэчворк («patch»  англ.  яз.  – заплатка,  лоскут и «work»  англ.  яз.  – работа)  и квилт («quilt» англ. яз. – стёганое одеяло) – в Англии, Азии и Америке; сашико  (яп.  яз. –  маленький прокол)  –  национальное искусство вышивки,  в Японии. В каждой стране мира лоскутное шитье имеет свои характерные особенности, и каждый народ внес свой вклад в обогащение этой технике. На Руси лоскутное шитье всегда было ярким и сочным, а так же имело свои традиционные особенности.  В каждом лоскутном одеяле обязательно присутствовал традиционный красный цвет, который добавлял радости, света, тепла в крестьянский быт. «Зимняя тоска по теплу и цветению бескрайних лугов выплескивалась в разноцветье лоскутных одеял.  Русское лоскутное шитье также отличается точной выверенностью геометрических композиций, простыми по форме деталями (полосы, квадраты, треугольники), ограниченным количеством технических приемов».  [10; с.6]

   В создании текстильного коллажа также используются в основном уже готовые кусочки тканей разного цвета и фактуры, которые надо объединить и сшить вместе для создания гармоничной композиции. Изделие из лоскутов несут в себе особое настроение и эмоции, присущие традиционным произведениям народного искусства. Как и любой другой художественный текстиль, коллаж сохраняет в себе художественные традиции, но также он открыт и для творчества. Эта техника становится модным увлечением, как для домашних рукодельниц, так и для профессиональных художников, создающих панно, предметы декора интерьера, модели одежды.

 

  1.  Коллаж как техника и самостоятельное произведение.

     Коллаж (фр. «collage», букв. «наклеивание») ─ технический прием в изобразительном искусстве, наклеивание на какую-либо основу материалов, отличающихся от неё по цвету и фактуре, а также самостоятельное художественное произведение, выполненное этим приемом. «Коллаж ─ это сочетание материалов, которые гармонично дополняют друг друга, располагаясь не только в плоскости, но и в объеме, образуют композиционное единство, выражающее эмоционально-образную идею художественного произведения». [6; с.128]

      Коллаж, как техника известен давно, но в начале,  он существовал в виде прикладного технического приема в рекламе, в открытках, журнальных иллюстрациях, плакатах или в качестве украшения домашних альбомов. Однако, во время игры с формой, построения произведения по принципу свободной или случайной организации художественных элементов, возникли условия для расцвета коллажа. Коллаж оказался очень удобным языком для полноты высказывания художников  ХХ века. Общепринятой датой возникновения коллажной техники в европейском и русском искусстве  считается -  1912 год, год рождения «Натюрморта с плетёным стулом» (ил.1) Пабло Пикассо, где овальная картина вместо багетной рамы оплетена вокруг золотым кантом, а поверхность мебели изображена куском вклеенной клеёнки. Еще одним примером работы Пабло Пикассо с использованием техники коллажа стала  «Композиция с гроздью винограда и разрезанной грушей» 1914 года (цветная бумага, картон, гуашь, клеевая краска, графит, карандаш, опилки. 67.6x52.2 см.). Но в практике кубистов коллаж был, как правило, дополнительным элементом живописных или графических произведений и не обретал самостоятельного значения. Кубистический коллаж является классическим воплощением метода. Художники акцентировали внимание на разнородных фактурах, на принципе сопоставления живописной иллюзии и реального предмета (карты, этикетки, обои). Футуристы использовали текст (газетные полосы) в виде символа действительности. Эти коллажи беспредметны: цветная бумага наделяется значением простейших символов. Идеи коллажа на следующем этапе воплощаются в реди-мейд Марсель Дюшана и  в дадаистические коллажы 1915 года. Дадаист Жан Арп создает новый тип коллажа, разрывая куски цветной бумаги и располагая их в случайном порядке.  Макс Эрнст и Курт Швиттерс  также широко использовали технику коллаж в живописи.  «Первыми произведениями поп-арта тоже стали коллажи, то есть самыми неожиданными сочетаниями различных объектов, взятых из самой обыденной жизни. Художники создавали гибриды человека и кресла, телевизора и газовой плиты; к холсту прикрепляли рядом постельное бельё, металлический лом типа помятых автомобильных крыльев, вёдра, страницы комиксов и т.п. Объявлялось, что таким образом раскрывается «эстетическая ценность» вещей, созданных индустриальным способом». [17; с.118]

      В русском же искусстве первым, кто стал использовать технический прием коллаж, принято считать Аристарха Лентулова. В панно «Москва»  художник использовал наклейки из бумаги, а в панно «Василий блаженный»  наклейки из фольги. В те же годы Иван Ефимов тоже использовал золотую фольгу и цветную бумагу в своих графических произведениях. Также с помощью коллажа живописцы Александр Куприн и Любовь Попова, графики Вера Ермолаева, Лев Юдин, Владимир Лебедев и Петр Митурич экспериментировали с формой и средствами выразительности художественного произведения, искали новые цветовые и фактурные решений. Владимир Татлин создавал коллажные композиции из разных материалов, которые являлись беспредметными произведениями из дерева, металла, картона и т.д.  

       В эпоху русского авангарда эта техника применялась и в печатной графике: её использовали Давид Бурлюк,  Наталья Гончарова, Ольга Розанова, Алексей Крученых. Осенью 1915 года Ольга Розанова создает коллаж из прозрачной цветной бумаги. Здесь появляются геометрические абстракции цветоформ еще до появления супрематизма в конце 1915 года: фактура бумаги или ткань используется для характеристики цвета, пространство создается цветовыми плоскостями. Алексей Крученых, поэт, один из самых радикальных авангардистов,  разрабатывает технику коллажа в книге «Вселенская война»: синтез клеек и типографского шрифта. Алексей Елисеевич пришел в поэзию через живопись, экспериментируя в создании беспредметных коллажей. В конце   1910-х.гг. создает альбомы-летописи: случайные надписи, уникальные автографы, фрагменты писем, стихи, фотографии, вырезки из газет, документы, рисунки, соединенные по закономерностям, выработанным самим А. Крученых, для которого становится игра событий и времени.  В конце 1918 году техника коллажа входит в творчество Александр Родченко (конструктивист, основоположник дизайна, искусства фотомонтажа, художник книги, мастер рекламы и фотограф) и художника Варвары Степановой, которые создают  книгу «Глы-глы» с фрагментами фотографий, газет и цветной бумагой.

      Принцип коллажа становится актуальным для всего искусства ХХ столетия. Коллаж  становится реакцией «на эстетику пластических искусств, произведений из одного материала и гармонично слитых внутри определенной формы элементов. Коллаж – игра материальной формой. Коллаж – технология, ключевая техника, механизм абсурда». [14, с.172] В то же время коллаж можно рассматривать и как способ сближения разнородных элементов. На протяжении  века коллаж обрётал самостоятельный художественный язык, который, как всякий живой язык, обладал способностью саморазвития. Коллажная техника стала точкой отсчёта для рождения целого ряда новых видов художественного творчества: фотомонтаж, ассамбляж, декупаж, искусство объекта, компьютерный коллаж.

       С момента первого использования техники наклеивания, коллаж из метода работы и способа выражения, превращается в самостоятельный вид художественного творчества. То есть коллаж становится способом  эскизирования  для дальнейшего переложения композиции в другой материал. Коллаж, как эскиз помогает добиться цветовой, колористической, а так композиционной гармонии. Материалом, для создания коллажа как самостоятельного произведения может быть не только бумага и картон, но и ткани, нити, шнуры, сетки, синтетические материалы (пленки, пластик), акрил и даже дерево.

      Коллаж из текстильных материалов представляет собой художественное произведение,  созданное из лоскутов ткани различной конфигурации, сшитых между собой или пришитых к единой основе и дополненных вышивкой,  аппликацией или различной текстильной фурнитурой. Декоративное панно на основе коллажа можно использовать практически в любом помещении, оно придает уникальность и в тоже время завершенность интерьеру. Основное требование к панно в технике коллаж – это наличие свободного пространства для его восприятия. Зритель, стоящий перед панно, должен иметь возможность рассмотреть его, созерцать  издалека. В идеале работа  в интерьере должна восприниматься, как  цветное пятно, гармоничное с интерьером в котором оно находится.  Предметами декора интерьера, выполненными в технике текстильного коллажа, помимо панно, могут быть подушки, покрывала и даже шторы. Однако, эту технику выбирают лишь единицы художников и мастериц. Причина в необычайной сложности и трудоемкости процесса, а также в том, что для безупречного совмещения бессчетного количества деталей коллажа необходимо столь же безупречное чувство вкуса и техническое мастерство. Сегодня текстильные коллажи становятся не просто предметами для украшения или создания неповторимости интерьеров, но и, прежде всего, уникальными произведениями декоративно-прикладного искусства.


ГЛАВА 2. ХУДОЖЕСТВЕННО-ВЫРАЗИТЕЛЬНЫЕ ОСОБЕННОСТИ ТЕКСТИЛЯ В СОЗДАНИИ ПЕЙЗАЖНОЙ КОМПОЗИЦИИ ТЕКСТИЛЬНОГО КОЛЛАЖА.

2.1 Художественно-выразительные особенности текстиля.

 «Текстиль — изделия, выработанные из волокон и нитей (ткани, трикотаж, нетканые материалы, сети, нитки и др.)». [24; с.791]

             Художественный текстильэто особый вид декоративно-прикладного искусства, к которому относятся такие направления художественного творчества, как:  гобелен, батик и текстильный коллаж. Имея древнюю историю, они остаются востребованными и по сей день, благодаря удивительным эффектам, позволяющим выткать, сшить и изобразить на ткани различные сюжеты.

            Линия — одно из самых старых и фундаментальных изобразительных средств. «Линия — это отметка, полученная с помощью непрерывного движения точки по поверхности картинной плоскости в определенном направлении». [9; с.144] Однако линия может рассматриваться и как серия точек на плоскости. Линию, как средство художественной выразительности, в произведениях художественного текстиля можно использовать для обрисовки формы объектов композиции и их внутренних деталей, для направления взгляда зрителя в нужном направлении или к нужному месту в композиции (к доминанте), для создания визуального ритма и движения, для создания неглубокого пространства (перспективы), а также определенных эмоций и настроений у зрителей.

             Так в работе молодого петербургского художника Н. Бисеровой «Дворцовая площадь» (холодный батик, свободная роспись), чья работа была представлены на осенней выставке в Союзе Художников в 2011 году, художетсвенно-выразительное средство «линия» сыграло большую роль. Батик «Дворцовая площадь» решен в черно-белых тонах с использованием свободной росписи для неба и контурным рисунком в архитектуре. С помощью резерва и свободно растекающейся краски, художник рисует плиты Дворцовой площади, создавая  легкий намек на перспективу. Площадь написана тоновой растяжкой от темно серого к бледно серому, что позволяет избежать перегруженности композиции из-за многочисленных линий рисунка. Главный штаб написан благородным серым цветом и подчеркнут белой графикой. Силуэт города, за счет тональной разработки цвета, находится, словно в дымке, однако в ней можно узнать очертания Казанского собора. Черным пятном, автор делает акцент на Александрийской колонне и скульптурной композиции над аркой Главного Штаба. Очень красиво написано небо с величественными облаками. В своей работе автор сумел передать суровый, дождливый, пасмурный, но в тоже время прекрасный образ города на Неве.

             Всякая правильно построенная композиция является уравновешенной. Равновесие – это размещение элементов композиции, при котором каждый предмет находится в устойчивом положении. В художественном текстиле равновесие необходимо, прежде всего, колористическое, ритм цветовых пятен. Местонахождение каждого объекта изображения не должно вызывать сомнения и желания передвинуть его на плоскости. Количественное соотношение тональных и цветовых контрастов левой и правой частей композиции должно быть равным. К примеру, если в одной части число контрастных пятен больше, необходимо усилить контрастные отношения в другой части, либо ослабить в первой.

             Как уже было отмечено ранее, композиционное решение работы предусматривает равновесие, где каждая форма находится в состоянии устойчивого равновесия по отношению друг к другу и ко всему формату изображения, но это равновесие может быть статичный или динамичным. Борис Мигаль в гобелене «Железная дорога» создал сложную, но точно выстроенную композицию, где есть  место и статичным лесам, и динамичному железнодорожному полотну, которое уводит взгляд зрителя вдаль, словно бы за горизонт, но при этом не возникает желания ни передвинуть рельсы, ни изменить ракурс обзора.                                           

   Цвет – одна из основных форм художественной выразительности. На рубеже ХIХ-ХХ веков цвет становится мощным фактором культуры, его выразительные особенности в построении пространственной реальности получают теоретическое обоснование в качестве важнейшей категории формы, обладающей самостоятельностью и независимостью в пространственных искусствах (теории цвета В.Кандинского, К. Малевича, М. Матюшина). У кубистов цвет отступает перед моделированием пространства. У конструктивистов – перед законами конструкции. В декоративно-прикладном же искусстве всегда допускалась условность в трактовке цвета. Цвет в текстильных композициях иногда используют с привязкой к натуре, а иногда решают и условно. В произведениях художественного текстиля  цветовая условность связана с мерой насыщенности, яркости, интенсивности красок, или же, напротив, блеклости. Так, например многие текстильные произведения художников квилтеров отличаются сочетанием насыщенных цветов.  Естественно декоративность цвета влияют на характер композиции.

             Художественный текстиль позволяет говорить не только с помощью силуэта и цвета, не только использовать линии и пятно, но и «даёт возможность работы с фактурой (ткани, шерстяные, хлопковые и синтетические нитки, кружева, шнуры, бисер, бусины, сетки, одноцветные и рисуночные лоскуты, нашивки из тесьмы и шнуров), с помощью чего автор может ярко выразить свою мысль и индивидуальный  образ». [6; с.129]  Сочетание разнофактурных тканей и нитей, шнуров, лент, дополнение в виде бисера и бус, тесьмы, кружева, контура по ткани – это только часть диапазона художественного текстиля, возможности которого практически безграничны. Тепло и богатство фактуры — вот, что, прежде всего, отличает изделия из текстиля от других произведений искусства. Фактура обуславливается выбором материала. Например, в текстильном коллаже ткани могут быть  гладкие, плотные, прозрачные, в сетку;  в гобелене можно использовать тонкие и гладкие нитки, а можно ворсистые и синтетические нити.  В искусстве батика часто в качестве украшения и разнообразия фактуры  используют бисер, бусины, шнуры, нашивки и объемные контуры. Художественный текстиль также  позволяет сочетать сразу несколько техник: коллаж и батик.

   Фактура и текстура представляют собой активные средства художественной выразительности. Эффект фактуры и текстуры используется прежде всего для того, чтобы передать естественные качества материала, раскрыть его эстетическое своеобразие. Если фактура или текстура материала очень выразительны, то их воздействие на наблюдателя может быть даже сильнее, чем воздействие самой формы изделия. Однако чрезмерная броскость фактуры или текстуры может быть неприятна, поэтому  художественные материалы должны подбираться в гармонии с учетом размеров изделия и величины пространства, в котором оно будет функционировать. 

             Также, художники выбирают наиболее выразительные в декоративном отношении художественные приемы и техники, с помощью которых делают акцент на главных предметах изображения, подчеркивают тем самым характер изображаемого объекта. Анна Векслер в гобелене «Венеция» (ручное ткачество; 100х170см) использует технический прием «летящая спаржа», с помощью которого внимание зрителей концентрируется на воде, которая окружает город со всех сторон. Архитектура здесь как бы обрамляет величественную стихию.

   В работах другого молодого художника А. Хохловой «Городской пейзаж» и «Прогулка», чьи работы тоже были представлены  на осенней выставке в Союзе Художников в 2011 году, пейзаж изображен условно и максимально упрощенно. Автор изображает деревья, фрагменты ограды и каменной мостовой. Но, благодаря эффектам горячего батика, различные цветовые пятно можно «прочитать» как воду в канале, дребезжащую листву деревьев, мокрый асфальт. В работе «Прогулка» есть силуэт фигуры человека с зонтиком и темные параллельные линии от основания деревьев, которые помогают нам воспринять изображение как вечернюю прогулку в парке в осенний дождливый день. В текстиле преобразование художественных форм происходит, как правило, за счет упрощения очертания объектов: из изображаемой композиции отбрасываются мелкие, второстепенные или часто повторяющиеся элементы, упрощается сама форма этих объектов.

      Подведем итог, составим классификацию художественно-выразительных свойств текстиля (гобелен, батик и текстильный коллаж). Специфика гобелена как техники ручного ткачества заключается в том, что он выявляет красоту материала, показывает богатство цветовых переходов, создает особую тканую фактуру, которая может быть гладкой, мелкофактурной, крупнофактурной, рельефной. В процессе ткачества художник рисует не кистью, а нитью. Гобелен как техника  ручного ткачества содержит в себе колористические. Фактурные, структурно-пластические возможности. К основным выразительным свойствам гобелена можно отнести следующее:

• работа с основой: полное или частичное заполнение основы

• фактурность: качество поверхности, создаваемая различными переплетениями

• живописность: цветовые переходы и нюансы, цветовые пятна

• выразительные средства материала: использование классических (лен, шелк, шерсть, хлопок и т.п.) и новых материалов (металлическая нить, сизаль, шпагат, полиэтилен, синтетические шнуры и т.д.)

  Художественные особенности батика как техники ручной росписи заключается в четком понимание приемов работы, которые определяют характер композиции: условный графический или более живописный. Художественные особенности определяются основными приемами работы:

• резервирование контуров всего рисунка – в пределах этих контуров рисунка фон окрашивается в определенные цвета.

• работа от пятна: наносится пятно свободной формы, фиксируется резервом, затем оставшиеся участки композиции перекрываются другим цветом (прием многослойной живописи).

   Изобразительный язык холодного батика строится на сочетании цветового пятна и линий. При помощи разной формы пятен можно достигнуть ощущения воздушности и глубины. Линия используется для разработки деталей внутри цветового пятна, а так же может являться контуром заливки цветом изображенной фигуры и придать изображению четкий графический характер.

    Изобразительный язык горячего батика в основном строится на использовании цветового пятна и его разработке по структуре, оттенкам, цветосочетаниям, фактуре. В технике горячего батика содержатся огромные возможности по работе с цветом, получению интересных живописных эффектов, созданию фактур.

    В коллаже из текстильных материалов художнику открывается возможность по работе с фактурой, так как обилие современных текстильных материалов предоставляют огромные ресурсы по передаче необходимых образных характеристик изображения, тактильных ощущений, эмоциональных переживаний: грубость холста, ворсистость меха, блеск шелка. К выразительным средствам текстильного коллажа можно отнести:

• стежка: стежки, выполненные ручным или машинным способом для закрепления слоев вместе;

• ткань и ее характеристики: цвет, фактура, состав (хлопок, лен, шелк, синтетика, вискоза и т.д.), рисунок;

• пропорциональность, ритмичность частей: сборка – подбор лоскутов для блоков (единица композиции, которая состоит из лоскута определенной формы);

• использование дополнительного декора: шнуры, атласные ленты, тесемки, нитки, бисер;

• материал выступает носителем формы и цвета.

             Таким образом, можно сделать вывод, что при помощи технических приемов и художественно-выразительных средств текстиля художники могут выражать замысел собственных уникальных авторских работ.

.

                                                                                                                                           

2.2 Пейзаж в текстильном коллаже художников Санкт-Петербурга конца ХХ — начала ХХI века.

             Пейзаж — это жанр изобразительного искусства, в котором главным предметом изображения является природа. Пейзаж, также как и другие жанры, занимает в декоративно-прикладном искусстве одно из ведущих мест и несет в себе определенные сложности изображения. Пейзаж в текстиле будет выразителен и интересен только тогда, когда будет выстроен по законам декоративной композиции.                                                                                               

       Композиция (лат. compositio — составление) построение художественного произведения, обусловленное его содержанием и способом создания. В отличие от станковой живописи, в декоративном пейзаже, в первую очередь, отсутствует свето-воздушная и линейная перспектива, композиция выстраивается на  плоскости поверхности, где все объекты, как переднего плана, так и заднего плана, изображаются с одинаковой четкостью. 

              Тема пейзажа в декоративно-прикладном искусстве имеет свои особенности и специфические черты. Необходимо разобраться какими художественно-выразительными средствами художнику удается создать образ того или иного уголка природы. Художественный образ в искусстве — выражение эстетически-творческого отношения автора к действительности через выбор изобразительно выразительных средств, через конкретно чувственные и идейно-смысловые характеристики форм и содержания предмета.  В декоративно-прикладном искусстве способ создания художественного образа, основан на  принципе — форма зависит от назначения, характера материала и технологии. Это связано с тем, что произведения декоративно-прикладного искусства выполняют две функции - эстетическую и утилитарную. Утилитарное назначение у предмета одно и тоже, меняется только художественная функция, которую вкладывает художник в свое произведение.

              Выбор материалов и технологии связан с характером и содержанием художественного образа произведения. Каждый материал обладает своими уникальными свойствами (хрупкость, шелковистость, упругость, прочность, грубость), которые необходимо учитывать при создании произведения. Прием в работе определяется способом выражения авторских идей. Критерий удачно решенного художественного произведения — соответствие внутренней логики техники и задуманной композиции.

              В России в технике текстильный коллаж работают многие прославленные художники-прикладники. В Санкт-Петербурге есть целая плеяда выдающихся мастеров, и так как в современном декоративном искусстве пейзаж до сих пор остается актуальной темой, то в творчестве этих художников можно найти картины, посвященные этому жанру.

             Одним из первых кто обратился в своем творчестве к текстильному коллажу был Новиков Тимур Петрович (24 сентября 1958г. – 23 мая 2002г.). Ленинградский художник авангардист и неоакадемист, Тимур Петрович, прежде всего, выступал как живописец, однако в его творчестве также много работ, выполненных в технике коллаж (текстильный, фотоколлаж, печать на ткани). Тимур  Новиков явился ключевой фигурой в искусстве Северной столицы, он основатель Новой Академии Изящных Искусств. Работы Новикова представляют собой «символы-иконки» – новую универсальную картину мира. Художественный язык Новикова доступен любому зрителю и говорит об экологическом минимуме бытия: о доме, о пространстве вокруг, о красоте как необходимой связи всего со всем в мире.

             С середины 80-х гг. Новиков занимался текстильным коллажом и изучал проблемы пространственных отношений в композиции, а с 1990-х начал работать в технике фотоколлажа. Его текстильные коллажи и коллажи из различных материалов стали ноу-хау того времени. Тимур Новиков  создал новую форму картины – пейзаж или портрет на ткани, при помощи наклеек и трафаретных отпечатков. Коллаж и трафареты  он использовал для экономии художественных средств. В 1987 – 1989 годах в Ленинграде Тимур Новиков создал серию текстильных панно с символичным названием «Горизонты».  Художник в своей беседе с Иосифом Бродским в 1993 году  по поводу этой выставки говорил следующие: «Мои работы просты – они не загружены информацией, - отдых - вот, что я стараюсь дать зрителю. В реальности человек отдыхает при созерцании пейзажа…  Желание сделать приятное зрителю заставляет меня снова и снова обращаться к пейзажу, преимущественно морскому». [30]

             Художник сшивал два разных по фактуре и орнаменту полотнища, используя соединительный шов как линию горизонта. По отношению к этому горизонту художник располагал  свои изображения – рисунки, чаще всего аппликации или трафаретные фигурки. Все эти рисунки являлись некими символами земного, водного или воздушного миров. Изобретенный Новиковым канон позволяет строить пейзажи любой композиционной сложности.

             В процессе создания пейзажной композиции возможны количественные изменения в изображении объектов, если этого требует замысел художника.  Так, например, в работах Тимура Новикова, где объекты изображения представляют собой «символы-иконки», изобразительность в пейзаже была доведена до крайней условности. Тимур Петрович пользовался иконописным пейзажным каноном, что позволило ему при минимальных средствах создать прекрасные символичные пейзажи. В картине «Белая ночь» (ил.3) 1989 года (ткань, акрил, золотая парча. 222,5х180 см) на линии горизонта, на белом полотнище располагается силуэт города Санкт-Петербурга (в силуэте распознаются  разводные мосты, Исаакиевский собор, шпиль Адмиралтейства, стрелка Васильевского острова), а на черной полотне  — значки кораблей, расположение которых помогает понять, что один плывет по направлению к Большой Невке, а другой выплывает из Малой Невки. В своей системе изображения он отбрасывает все лишнее, располагая знак определенного размера в определенном месте на плоскости, тем самым обозначая пространство. Поднимая в панно «Белая ночь» линию горизонта вверх, Тимур Новиков направляет взгляд зрителя вниз, к Неве.

             Цвет в текстильных композициях иногда используют с привязкой к натуре, а иногда решают и условно. В пейзажах Тимура Новикова цвет освобожден от определяющей функции, что дает  художнику неограниченную колористическую свободу. «Цветовая плоскость обозначает пространство определенного качества – земля, вода, воздух, космос… Например, помещение на зеленом фоне знака «корабль» позволяет прочитывать нам его как «море», знак «ель» превращает это же пространство в лес, «солнце» - в небо». [30]  То есть вне зависимости от цвета, плоскость меняла свое назначение при помощи наложенного на неё знака-символа. В текстильном панно «Кукурузники» (ил.4) 1989г. символ летательного аппарата расположен в верхнем правом углу полотнища, которое практически пополам делит «линия горизонта» с символом восходящего солнца. Не обращая внимания на цвет тканей, мы понимаем, что верхняя желтая ткань является небом, а нижняя черная ткань в тонкую белую полоску землей. Художник всегда подчеркивал, что свою теорию знаковой перспективы он создавал и совершенствовал годами, во многом благодаря наблюдениям за тем, как действует его знак на людей.

            Марина Принцева еще один известный художник-текстильщик Санкт-Петбурга. Она родилась в городе Пскове, закончила Санкт-Петербургскую художественно-промышленную Академию им. В.И. Мухиной,  с 1989 года является членом Союза Художников России, с 1993 года  Международной Ассоциации дизайна и текстиля, и с 2010 года членом-корреспондентом Международной Академии Творчества. Ее работы хранятся в коллекциях целого ряда музеев (Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства в Москве, Государственный музей-заповедник «Петергоф», музеи Москвы, США, Финляндии, Швеции и других стран). Марина Принцева работает в смешанной технике, её работы - это смесь вышивки, росписи по ткани и аппликации. Подобных аналогов нет ни в России, ни за рубежом. За особую выразительность ее работы называют «тканой живописью или акварельным шитьем». В работах автора современные пейзажи пронизаны романтизмом Серебряного века. Яркий, выразительный и самобытный художественный стиль Марии Принцевой позволяет создавать сказочный мир грез. Многие картины художника населены удивительными героями, которые являются историческими символами Санкт-Петербурга — ожившим сфинксом и ангелом, чьи крылья блистают всеми цветами перламутровой радуги.

           В своих текстильных коллажах  автор использует большое разнообразие материалом: прекрасные разнофактурные ткани, хлопок, шелк, парчу, бархат, металлизированные нитки, мулине и шерсть, кружева, ракушки, бусы, бисер, тесьму, перья, различную фурнитуру и отсканированные на ткани старые фотографии, письма, газеты и стихи. Мария Принцева в своем творчестве не боится сочетать  эти неожиданные материалы. Каждая её работа несет в себе свою идею, эмоцию и настроение.

           4 декабря 2009 года в Елагиноостровском дворце-музее состоялось открытие выставки Марины Принцевой, посвященное творчеству ее любимого русского зодчего Карлу Ивановичу Росси, который имеет непосредственное отношение к дворцово-парковому ансамблю Елагина острова. На выставке было представлено 16 работ («Елагин остров. Павильон в английском парке» 2009 год 50х40 см, «Елагин остров. Конюшенный корпус» 2009 год 60х50 см, «Павильон в Михайловском саду» 2009 см 65х70 см, «Елагин остров. Домик садовника» 2009 год 60х50 см, «Вид на Елагин Дворец» 2009 год 90х85 см, «Елагин остров. Кухонный корпус» 2009 год 70х60 см, «Елагин остров. Музыкальный павильон» 2009 г. 60х50 см, «Улица зодчего Росси» 2009 г. 60х50 см, «Русский музей» 2009 год 60х73 см, «Лебяжья канавка» 2006 г. 50х60см, «Зимняя канавка» 2009 г. 60х60 см, «Набережная. Сенат и Синод» 2009 г. 50х40 см, «Невский проспект» 2006 г. 40х50см, «Дворцовая площадь» 2006 г. 70х45см, «Библотека» 2009 г. 100х90 см, «Карл Росси" 2009 г. 65х80 см). Открытие данной выставки было приурочено к празднованию 234-летию архитектора «Дворцовой площади». На каждом полотне изображено какое-то архитектурное сооружение зодчего — павильоны исторического Елагиноостровского дворца, фрагмент набережная реки Мойки, Дворцовая площадь, Русский музей, улица великого зодчего, чертежи и даже портрет архитектора. Одна из построек острова — домик садовника — сохранилась только в эскизах Росси, но Марина Принцева возродила его из  ситцевого разноцветья. Все её работы объединяет мягкий, тонкий колорит – серый, охра, розовый, лиловый, синий и фиолетовый цвета всегда перемешаны между собой, но в разных пропорциях. Как уже упоминалось ранее Марина Принцева постоянно экспериментирует с художественными материалами. Так, например, в текстильном панно «Карл Росси» (ил.5) она использовала отсканированный портрет русского зодчего напечатанный на ткани. Портрет, который находится в верхней части композиции, обрамляет золотая рама, созданная при помощи длинных косых плотно расположенных друг к другу стежков. В нижней части по средствам такого же приема изображены чертежи и проекты Елагинского острова с павильонами, спроектированные Карлом  Росси. В центре композиции находиться  Елагинский дворец. Изумрудно-зеленые с золотым отливом крыши, белоснежные колонны, и каменные ступени дворца вышиты вручную по такому же принципу, как была создана золотая рама портрета. Манера простегивания плотными косыми стежками является одной их отличительных черт текстильных картин Марины Принцевой. Еще одной отличительной особенностью является прорисовка мелких деталей по ткани густым клееобразным резервом, что придает работам определенную степень живописности. В работе «Карл Росси» окна, капители, ограды и основные графические линии дворца изображены светлым серо-лиловым резервом. Надо отметить, что практически все архитектурные сооружения, представленные в работах художника, прописаны резервом.    

           Очень красивой и интересной работой является панно «Домик садовника», которое тоже было представлено на этой выставке. Главным героем изображения помимо домика садовника, являются цветы. Чтобы создать многообразие цветущего сада, Марина Принцева использовала готовые набивные ткани разных цветов с крупными и мелкими изображениями цветов, отдельные элементы кружев с растительными мотивами и вышевку. При помощи вышивки на фоне цветных принтов появились силуэты отдельные травинок и листочков. А также автор использовала плотные узелки из ниток, похожие по форме на шарики, для создания разнообразия фактуры в клумбах с цветами. Листочки и цветы так же были изображены и при помощи клееобразного контура.

             Рассуждая о живописной стороне работ Марины Принцевой стоит упомянуть, что автор использует не только фабричные ткани, но и рукотворные, созданные благодаря умению работать в технике холодного батика и свободной росписи, так как художественный текстиль позволяет сочетать сразу несколько техник. Например, в серии работ, посвященной реке Мойке, таких как «Мойка» (ил.6) (вышивка, аппликация, роспись; 2009 г. 80х70 см), «Львиный мост» (ил.7) (вышивка, аппликация, роспись; 78х86 см), «Волшебные сказки. Мойка» (вышивка, аппликация, роспись) Мария Принцева  использует свободную роспись по ткани для создания отражения городского пейзажа в воде. В панно «Лебяжья канавка» (вышивка, аппликация, роспись; 2010 г. 50х40см) в технике свободная роспись изображено отражение деревьев Летнего сада и белая гладь воды, которую рассекает белоснежный лебедь. А в картине «Набрежная. Сенат и сенод» (ил.8) (вышивка, аппликация, роспись; 2009 г. 50х40см) в технике батик создано черное грозовое небо, которое надвигается на Главный штаб.

         Излюбленным композиционным приемом Марины Принцевой является изображение раскрытых штор или занавеса, которые являются дополнительным обрамлением работы. В картине «Вид на Елагин дворец» она использовала театральный занавес только с одной стороны, тем самым композиция поделилась на две не симметричные части, где с права  изображено озеро и сам дворец, а слева на переднем плане по отношению к занавесу прогуливающаяся пара. Кавалер с дамой  как бы стремятся покинуть картинную плоскость, зрителю же наоборот хочется отодвинуть полог и посмотреть на продолжение пейзажа, скрывающийся за ним. С помощью этого композиционного приема Принцева интригует своих зрителей, пробуждает интерес.

           Некоторые произведения в жанре пейзаж приобретают образ окна, с учетом их размера и композиции. Текстильное панно «Лето в городе» размером 100х90 см, действительно напоминает собой распахнутое окно. С левой стороны изображена штора, собранная лентой, которая перекрывает вазу с цветами, стоящую на подоконнике. Кроме цветов там стоит бокал с вином и яблоко. Фоном для этого романтического натюрморта является городская набережная. На третьем плане изображены хорошо узнаваемые петербургские дома с глухими стенами. «Мойка» (80х70 см) и «Снег» (2011 г. 100х90см) тоже созданы в виде картины-окна, только это окно каюты корабля, так вид на петербургский пейзаж изображен со стороны воды.

          К творчеству Марии Принцевой так же относится серия «Времена года» и «Дни недели». В 1904 году знаменитый живописец Константин Сомов нарисовал семь открыток  по количеству дней недели. Сто лет спустя, художниц решила ответить великому модернисту. Эти серии выполнены в той же собственной неповторимой технике художницы, но главное это удивительная поэтичность образов, которая покоряет зрителей. Текстильный коллаж «Вторник» превращается в изящный натюрморт с цветами в интерьере, а «Суббота» в уличное театральное представление. «Серия текстильных коллажей «Дни недели» выполнена преимущественно в песочных тонах, однако любимый сиреневый цвет художница сохранила в работах.

           2 марта 1012 года в городе Краснодаре была открыта  выставка Марины Принцевой «Будущее воспоминание» (ил.9),  на которой было представлено несколько новых текстильных пейзажей с изображение родного города Санкт-Петербурга. На двух полотнах была изображена Нева, по которой плывут маленькие суда и величественные корабли, все это изображено на фоне шпиля Адмиралтейства и, привычной взгляду жителя Петербурга,  архитектуре барокко и классицизма. На обоих панно присутствовал ангел (белоснежный и золотой), как один из символов города Санкт-Петербурга. Коллажи Принцевой поражают насколько тонко художник чувствует выразительные свойства материала: орнамент ткани, сочетание гладких шелковыстых с более фактурными. В этих работах присутствует изобилие и роскошь, но в то же время ощущается и легкость.

             Изабелла Байкова еще один петербургский художник, мастер лоскутного шитья. Она окончила Высшее художественно-промышленное училище имени В.И. Мухиной в 1993 году, и является  членом союза художников России. Занималась монументальными росписями для общественных зданий города, а с 1996 года работает над коврами в технике «инновационный квилт». Квилт ( англ. patchwork «пэчворк» – по-европейски; от англ. «квилт» – «стеганное одеяло» – по-американски) —  уникальные произведения текстильного искусства,  которое изготавливались из одного или нескольких кусков ткани или мелких лоскутков, сшиваемых либо беспорядочно, либо в виде узора и соединяемых со слоем подкладки и подкладочным материалом. Слои прошивались простым швом, получившим название стежки, которая прокладывалась в виде различных узоров или узнаваемых рисунков. Настоящий квилт простегивается вручную. Квилт возник на основе простых мотивов аппликаций в середине ХIХ века в Америке. (Пример: «Альбомный квилт миссис Уотербери» Нью-Джерси, 1853 г.) Однако, квилт Изабеллы Байкрвой  не стеганное одеяло, а самостоятельное лирическое  произведение декоративного искусства. «Инновационным» квилт стал называться, когда из утилитарного ремесла, родившегося по необходимости, он превратился в вид высокого декоративного искусства; когда покрывала и панно, изготовленные в технике квилтинга, становятся  объектами для выставок и коллекционирования. Эта техника более тонкая и сложная. Работы Изабеллы Бойковой совмещают в себе квилт, аппликацию, коллаж, вышивку, рисование по ткани (батик), поэтому их называют «инновационными». Художница использует самые различные материалы: прозрачные ткани, шелк, шан-жан, жакард, парчу, вискозу, накладывая их друг на друга. Но особенность её работ прежде всего в том, что панно собранные из кусочков ткани, с использованием аппликаций, но не простегиваются, как в традиционном квилте, а сшиваются на машинке, и только после этого начинается кропотливая ручная работа (вышивка и рисование по ткани).

           Впервые, свои картины в технике «инновационный квилт» Изабелла Байкова представила на открытие II-го Всероссийского фестиваля с международным участием традиционного и современного лоскутного шитья «Лоскутный стиль 2002» в городе Санкт-Петербурге. И как результат, ей был присужден "гран-при" фестиваля. Эта победа положила начало творчеству Байковой в этой технике.

          29 ноября 2007 года в галерее искусств "Э" в Санкт-Петербурге состоялась персональная выставка Изабеллы Бойковой «Влажность воздуха 100%». Название выставки полностью соответствовала представленным работам. На текстильных панно изображен город в разных состояниях: «Морозное утро» (ил.10) 2003г., «Улетающие сны» 2002г., «Мокрый снег» (ил.11) 2003г., «Влажный воздух 100%" 2003г. Разное состояние природы было в точности отображено. Также как и серия работ, представленная на выставке, была подчинена единому морозно-свежему колориту. Работы этого художника настолько тонки по колориту и умиротворены, что многие сравнивают их с сновидениями. «Спят люди в темном, заснеженном городе, светятся лишь немногие теплые окна и улетают по звездной дорожке сны видения – прекрасные птицы и единороги, постепенно истаивая в переливающемся небе». [36]  Тонкие переливы шанжановых тканей являются основой цветового решения в панно "Мокрый снег", где над вечерней улицей нависает темное мрачное небо,  и ветер рвет зонтик из рук одинокой женской фигуры. Выразительные средства тканей позволяют передать нюансы воздуха, эффект снега, уличного освещения, теней за окнами. Таким образом, воздушные ткани, полупрозрачные лоскутки, сетки помогают передавать любое атмосферное состояние природы..  .
           Актуальная тема города звучит в её работах  особенно и неожиданно. В текстильном панно "Белая ночь. Мойка" (ил.12), (2002г. 1000х1230 см) река изображена совершенно безлюдной в теплую летнюю ночь, и тема ее бледных гармоний мягким аккордом повторяется в правой, абстрактной части панно. Вся композиция подчинена музыкальному ритму дуг и вертикалей архитектуры, моста и шпилей. Работы Изабеллы Байковой покоряют культурой рисунка, композицией цветового решения и нежностью, тонкостью оригинального мироощущения. В работе «Сирень. Белая ночь" (ил.13), (2003 г. 1260х1080) белая ночь уже другая, более холодная и туманная. Яркий  голубой контур обрамляющий цветы сирени и листья создает ощущение замершей зелени, словно это цветной хрусталь. С помощью тонких струящихся тканей автор добивается изображения  тумана, плотного и осязаемого, а на крышах домой будто бы лежит снег. В другом текстильном коллаже «Париж весной» (2001 г. 1010х147см)  (ил.14) схожем по колориту с «Белая ночь. Мойка» Изабелла Байкова создала трехплановый пейзаж (каменный мост,  деревья и архитектура города) изобразив его с одинаковой четкостью без учета перспективы. Коллаж, выполненный в пастельных тонах, поэтому получился  нежным и поэтичным.

            Воронина Ирина Юрьевна  — известный питерский мастер лоскутного шитья. Она является единомышленником Изабеллы Байковой. Ирина Воронина родилась 19 мая 1964 года в Ленинграде. С 1981 по 1987 год училась в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (Академии Художеств) на архитектурном факультете. Ирина Юрьевна занималась созданием общественных интерьеров с использованием живописи и графики в качестве основных декоративных элементов интерьера, а также проектировала интерьеры музея Н.Дуровой в Елабуге, и музея С.Ковалевской в Ленинградской области. С 1992 года работала в нескольких творческих архитектурных мастерских и издательствах, где занималась проектированием интерьеров, созданием текстильных панно, книжной и журнальной графикой, а с 1989 года начала принимала участие в различных выставках, конкурсах и фестивалях с интерьерами и текстильными панно.

          Декоративные квилты Ирины Ворониной это работы, выполненные на высокопрофессиональном уровне, автор превосходно чувствует  цвет и композицию. Также как и Изабелла Байкова Ирина Юрьевна в текстильных панно использует вышивку, элементы аппликации и традиционного пэчворка (квилта). Что касается содержания, то каждая ее работа это отдельный сюжет, отдельная история, в котором все подчинено замыслу автора.

В 2001 году Ирина Воронина создает прекрасный триптих «Санкт-Петербург» (ил.15), который состоит из трех пейзажей вписанных в круг: «Собор Спаса на крови» (85х85 см),  «Петропавловская крепость» (85х85 см), «Стрелка Васильевского острова» (85х85 см). В каждом полотне присутствует архитектурные памятники, фрагменты оград и в двух крайних работах ажурные фонари. Все эти детали создают яркий и хорошо узнаваемый образ Северной столицы. Композиционно автор располагает ограду набережной на одной линии, создавая иллюзию продолжения ограды, но со сменой  рисунка. Со стороны зрителя может показаться, что мы идем вдоль водоема и перед нами просто сменяется архитектура. Триптих выполнен в песочно-лиловой гамме. При помощи наложения друг на друга многочисленных полупрозрачных тканей возникает иллюзия движения облаков и ветка, который подхватил листву и несет её вдоль набережной. По колориту можно определить, что время года осень. В каждой части триптиха памятники архитектуры хорошо прочитываются, не смотря на определенную условность в их изображении. Все лишние второстепенные детали удалены, остался четкий силуэт, подчеркнутый необходимыми графическими элементами. Не смотря на многоплановость композиции, оба плана удачно гармонируют, переплетаясь и дополняя друг друга.

          Подобно Изабелле Байковой сюжетами  картин Ирины Юрьевны становятся не только реальные места, но и таинственные «нарисованные» сны. Картина «Белая ночь» (2010 г. 105х165 см) (ил.16) представляет собой соединение реальности и фантазии. Городской пейзаж здесь вполне реален, а вот персонажи  фантастические. Город будто полон призраками-снами, которые исчезают с появлением рассвета. Наверху в небе по центру композиции летит ангел,  который и приносит на своих крыльях рассвет. В этой работе художник не боится использовать сильный контраст светлых и темных тонов. Вся композиция построена на игре светлых и темных пятен. Каждый лоскуток полон цвета и эмоций, своей мелодией и у каждого, свое настроение.  

          Еще один сказочный пейзаж Ирины Ворониной носит название «Прогулка» (2008 г. 124х102) (ил.17). Сюжет картины – фантастический пейзаж с фонтаном в  парке, где прогуливается дама в розовой шляпе на коне, на фоне дворцовой архитектуры и гор. Все объекты изображения просты и условны. Интерес к этой работе возникает благодаря ритму вертикальных линий: стволы деревьев, струи фонтана, архитектурные элементы. Композиция за счет этого вытягивается и становится напряженнее.

Преобразование художественных форм происходит, как правило, за счет упрощения очертания объектов: из изображаемого пейзажа отбрасываются все мелкие, второстепенные или часто повторяющиеся элементы, упрощается сама форма этих объектов. Иногда это приводить к абстрактному изображения в текстиле, как например в работе Ирины Ворониной «Водопад» (2006 г. 100х100см) (ил.18). Здесь изображением являются цветные линии разного характера, формы, толщины и длинны. Но при помощи движения и  ритма этих линий создается ощущение струящего водопада.

В текстильном коллаже «Весна» (2006г. 100х65) большое значение отдается разноцветной раме, которая обрамляет миниатюру на тему весеннего половодья. Рама собрана из разных по цвету и фактуре полосок ткани, чьи цвета и фактура ассоциируются с пробуждением природы.

 В заключении можно сделать вывод, что текстиль — это широкое поле возможностей для творчества, а пейзаж одна из интереснейших тем в искусстве, поэтому петербургские художники стремятся избежать шаблонности и однообразия в своих произведениях, каждый находит свой прием, технику, цветовую гамму, любимые материалы и сюжеты изображения, при этом все соблюдают композиционную целостность работы,  как в графическом, так и в колористическом плане.

              Сегодня текстильный коллаж  привлекает многих профессиональных художников и каждый из них вносит свои особенности в развитие и формирование этой техники. Новиков Т. П. создал собственный пейзажный канон, что позволяло ему при минимальных средствах создавать прекрасные, глубокие, символичные пейзажи. Марина Принцева, соединившая коллаж, вышивку, роспись и аппликацию, создавая удивительной красоты разнофактурные  текстильные коллажи, доказала тем самым, что в декоративно-прикладном искусстве имеет право существовать «тканая живопись и акварельное шитье».  Изабелла Бойкова  и Ирина Воронина сумели усовершенствовать технику пэчворка, где ткань не просто простегивается, как в традиционном квилте, а прошивается на швейной машинке и украшается вышивкой, аппликацией, прозрачными тканями, а также расписывается краской. Каждый из этих художников в своем творчестве использует традиционные приемы, но в тоже время вносит и что-то свое новое, тем самые продвигая технику текстильного коллажа вперед, способствуя её развитию.


ГЛАВА 3. МЕТОДИКА ОРГАНИЗАЦИИ ЗАНЯТИЙ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ТЕКСТИЛЯ В ТЕХНИКЕ КОЛЛАЖ.

3.1 Анализ собственного творческого опыта работы над текстильным коллажем под руководством А.К.Векслер.

Создание авторской серии из пяти пейзажных композиций в технике текстильный коллаж осуществлялась в следующей последовательности:

  1.  Формулировка идеи, осознание образа
  2.  Сбор материалов (книги, фотографии, краеведческие музеи)
  3.  Выполнение эскизов (графические и в технике коллаж)
  4.  Подбор текстильных материалов
  5.  Работа в материале (подбор технических приемов, синтез различных материалов)

Выбором темы послужили пейзажи родного поселка и его окрестностей. Серия текстильных коллажей представляет собой пять памятных и всем жителям поселка Сиверская хорошо узвестных мест. Все эти места являются памятниками культура  и истории родного края. Слева на право: « Усадьба Елесеева в селе Белогорка», « Храм Рождества Пресвятой Богородицы в селе Рождествено», « Усадьба семьи Набоковых в селе Рождествено», «Храм Воскресения Христова в Суйде», «Церковь Святых Петра и Павла на улице Красная в поселке Сиверская». Часто эти памятные места становятся сюжетами живописных полотен местных и приезжающих на пленер художников. Сиверская дачная местность во все времена привлекала художников и поэтов. Здесь жили  известный пейзажист  И. Н. Крамской, замечательный русский поэт А. Н. Майков, а на летние пленэры приезжал И. Шишкин и К. Петров-Водкин.  Сегодня в поселке проживает также большое количество профессиональных художников и их учеников. Поэтому при работе над композицией на данную тему стояла задача, создать собственные образы, не идти по пути иллюзорного изображения достопримечательностей, а найти свое композиционно построение пространства.

Серия текстильных коллажей предназначалась для украшения интерьера учебного заведения Сиверской гимназии, где учатся ребята не только из самого поселка, но и из близь лежащих деревень и сел. Во время работы над композицией стояла сложная задача — создать узнаваемый образ конкретных существующих мест, и в тоже время наделить эти образы своим отношением, отразить в них свои эмоции, воспоминания и переживания.

В самых первых эскизах велись поиски формата композиции, составных частей серии, определялся цент серийной композиции. В работе над композицией важен отбор главного, обобщенность, поэтому в первоначальных черно-белых эскизах была найдена основная структура композиции: центр композиции, правая и левая часть, которые её замыкают. В результате была создана серия пейзажей горизонтального формата.

Далее велась работа в технике коллаж из бумаги, которая позволила определить цветовую гамму, выявить фактуру, объедение с помощью цветного пятно композицию. Цветовое решение композиции было обусловлено созданием серии пейзажных работ разного времени года: зима, ранняя и поздняя осень, весна, лето.

На последнем этапе, работа в материале, был проведен анализ технических приемов (вышивка, аппликация), отбор различных текстильных материалов. В композиции используются различные сетки (черные, серебристые,  серые, золотые и коричневые, белый и зеленый хлопок), лен, хлопок, бязь, фланель, декоративные ткани, атлас. Шнуры, тесемки, ленты, бисер, шерстяные и хлопковые нитки применяются в качестве дополнительного декора и фактуры.

2.2 Методическая разработка элективного курса. Тематическое

планирование.

Пояснительная записка.

Данный элективный курс рассчитан на учащихся 7-8 классов общеобразовательной школы объемом 24 часа для обеспечения предпрофильной подготовки к обучению по направлению изобразительное искусство.

Данная программа выходит за рамки базового материала и способствует приобретению новых знаний в области создания коллажа из текстильных материалов, развитию практических навыков работы в технике коллаж. Предполагается, что учащиеся имеют опыт художественно-творческой деятельности. Концепция данной программы заключается в попытке познакомить учащихся с коллажем, видом художественого текстиля и его художественно-выразительными свойствами. Данная программа носит художественно-эстетическую направленность.

Целью программы является обучение учащихся технике коллаж из текстильных материалов. В процессе реализации элективного курса решаются следующие задачи:

  1.  Формирование знаний в области видов художественного текстиля и их выразительных средств;
  2.  Формирование навыков работы в технике коллаж из текстильных материалов с использованием вышивки и аппликации.

Развивающие и воспитательные задачи элективного курса:

- расширить кругозор учащихся.

- развить воображение, конструктивное мышление, мелкую моторику рук.

-воспитать аккуратность, чувство вкуса, терпение.

- научить шить, подбирать материал, гармонично сочетать цвета и фактуры.

Данный курс будет способствовать интеллектуальному развитию учащихся, приобщению к эстетической культуре выполнения художественного панно, овладению умения сосредотачивать внимание на логике построения творческого процесса (от приема работы в данной технике к выбору определенных средств выражения). Завершает элективный курс выставка работ учащихся, выполненных в технике коллаж из текстильных материалов (панно) с использованием вышивки и аппликации.

Основное (тематическое) содержание программы:

  1.  Виды художественного текстиля. Знакомство с гобеленом, искусством батика и текстильным коллажем. (1час)
  2.   Текстильный коллаж. Знакомство с историей текстильного коллажа, его видами, жанрами, материалами, приёмами создания. Коллаж как техника эскезирования ( 2час)
  3.  Пэчворк/ квилт. Знакомство с техникой пэчворк/ квилт. Создание коврика из лоскутов 30х30. (Коллективное панно из фрагментов).  (3 часа)
  4.  Аппликация. Знакомство с техникой аппликация. Создание коллективной работы «Подводный мир». (5 часа)
  5.  Вышивка. Создание абстрактной картины из цветных лент, украшенной  вышивкой и различной фурнитурой. (3 часа)
  6.   Посещение выставок. Знакомство с творчеством современных художников, работающих в технике текстильный коллаж. (1час)
  7.  Создание эскизов и картона на выбранную тему итоговой работы. (Натурные зарисовки, отбор фотоматериала). (2 часа)
  8.  Начало работы. (Подбор тканей и других материалов для итогового текстильного коллажа). (4 часа)
  9.  Окончание работы. Проработка мелких деталей и оформление работы. (3 часа)

Оборудование: разнофактурные ткани, ленты, нити, шнуры, бисер, бусины, иголки, ножницы, бумага, акварель, простой карандаш, ластик.                        Формы и режим занятий: занятия проводятся 1 раз в неделю по 2часа. Форма проведения занятий комбинированная (теория + практическая часть).

Критерии оценки работ учащихся: грамотная композиция, гармоничное цветовое решение, гармоничное сочетание фактур тканей, наличие разнообразных приёмов при создании работы.                                                                   Об успешной реализации данной программы можно судить по итоговой творческой работе, по активности учащихся в процессе освоения программы.

Тематическое планирование

Название темы

Количество часов

теория

практика

1

Знакомство с видам художественного текстиля.

1

1

2

Текстильный коллаж.

2

1

1

3

Пэчворк/ квилт.

3

1

2

4

Аппликация

5

0.5

4.5

5

Вышивка

3

0.5

2.5

6

Посещение выставок

1

1

7

Создание эскизов и картона.

2

1

1

8

9

Начало работы и окончание.

4

3

4

3

Итого:

24

6

18

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

        Целью данного исследования являлось изучение творчества художников-текстильщиков Санкт-Петербурга конца ХХ – начала ХХI века, с целью выявления особенностей их художественной деятельности, на примере жанра «пейзаж», способствующих развитию техники текстильный коллаж в целом.

По средствам изучения данной темы была создана теоретическая разработка посвященная особенностям создания текстильного панно в технике коллаж, предложены  практические рекомендации по созданию текстильного коллажа в жанре пейзаж, а так же создана классификация художественно-выразительных средств текстиля. В диссертационной работе представлен исторический путь развития текстильного коллажа с конца ХХ века по настоящее время.

 Материалы диссертации и методическая разработка курса могут послужить основой для дальнейших научно-педагогических исследований  в художественном образовании, могут быть применены на занятиях в качестве теоретических  и практических знаний по дисциплине художественно-практического цикла по специальности  «композиция в ДПИ» в художественных и  педагогических высших или средних специальных учебных заведениях;  на практических занятиях в  детских творческих коллективах (художественных школ, домов творчества, студий, кружков). Также результаты можно применять в качестве методических рекомендаций для профессионального  художественного творчества, повышения квалификации.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ.

1. Андреева Е. Ю. Постмодернизм:  Искусство второй половины ХХ – начала ХХI века. — СПб.: Азбука — классика, 2007. — 488 с.

2. Андреева Е.Ю. Тимур. Врать только правду! — СПб.: Амфора, 2007. — 527 с.

3. Андреева Р. П. Лоскутное шитье. — СПб.: Издательский дом «Литера», 2004. — 96 с. (Серия «Ступени мастерства»).

4. Баркер Б. и Паскуини К. Цвет и композиция в квилте. — М.: Ниола-пресс, 2007. — 80 с. (Серия «Секреты мастерства»).

5. Безменова К.В. Коллаж творческий метод художников XX в. // Русский Авангард 1910-1920х годов, проблема коллажа. М.: Наука, 2005.

С. 332-344.

6. Векслер А.К. Коллаж как метод творческой работы в системе вузовской подготовки художника-педагога. / Научно-теоретический журнал «Среда. Общество. Развитие». № 4 (17). — СПб: ЦНИТ «Астерион», 2010. —  С. 128-131.

7. Векслер А.К. Лоскутная мозаика искусство народов мира. Искусство и диалог культур. II международная научно-практическая конференция. Сборник научных трудов. Вып. 2.Научн. ред. Доктор пед. наук, профессор С. В. Анчуков.  — СПб.: РГПУ им А.И. Герцена, 2009.  — С. 130-138.

8. Векслер А.К.  Фактура как одно из средств выразительности художественного коллажа. Традиции художественной школы и педагогика искусства. Вып. X: Сборник трудов / Рос. Гос. пед. ун-т им. А.И. Герцена; [Научн. ред. канд. искусствовед., проф. Н.Н. Громов]. – СПб, 2008. С. 24-31.

9. Далгдиян К.Т. Декоративная композиция: учебн. пособие/ К.Т. Далгдиян. Изд. 2-е, перераб.  и доп. — Ростов н/ Д : Феникс, 2010. — 312 с.

10. Денисова Л. Ф. Лоскутное шитье и аппликация. — М.: Культура и традиции, 2009. — 112 с.

11.  Коваленко Г. Амазонки авангарда. Искусство авангарда 1910 - 1920-х годов.  — М.: Наука, 2004. — 339 с.

12. Колвин Дж. Мотивы природы в квилте: Практическое руководство/ Пер. с англ. — М.: Ниола-пресс, 2007. — 80 с.

13. Косьянковская Н. Ю. Альбом квилт-студии «Гатчина». — СПб.: н/и, 2006. – 38 с.

14. Котович Т. В. Энциклопедия русского авангарда. – Мн.: Экономпресс, 2003. – 416 с.

15. Кренц Джен. Мотивы ромбов в квилте. — М.: Ниола-пресс, 2007. —  128 с.

16. Кузьмина М., Максимова, М. Азбука лоскутного шитья. — М.: Эксмо, 2008. – 204с.

17. Лалетин Д.А. Культурология : учебное пособие / Д.А. Лалетин. - Воронеж: ВГПУ, 2008. - 264 с.

18. Логвиненко Г. М. Декоративная композиция: учеб. Пособие для студентов ВУЗов, обучающихся по специальности «Изобразительное искусство» /Г. М. Логвиненко. — М.: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2008. — 144 с.

19. Мазурик Т.А. Лоскутный практикум. От ремесла к искусству. — СПб.: Паритет, 2010. — 256 с.

20. МакКормик Гордон М. Лоскутное шитье: мотивы, узоры, техники. Как повысить свое мастерство / Пер. с англ. — М.: Издательский дом «Ниола 21-й век», 2001. — 128 с.

21. Митителло К. Аппликация: техника и искусство. — М.: Эксмо, 2005. — 192 с.

22. Монтано Джудит Бейкер. Crazy квилт или «сумасшедший лоскуток». — М.: Ниола-пресс, 2007. — 80 с.

23. Мостек П. Ослепительный квилт. Расшитые картины из лоскутков. — М.: Ниола-пресс, 2008. — 96 с.

24. Ожегов С. И., Шведова Н.Ю. Толковый словарь русского языка. — М.: Азбуковник, 1999. – 944 с.

25. Панкова А.И. Текстильный коллаж в творчестве художников Санкт-Петербурга.. Искусство и диалог культур. V международная научно-практическая конференция. Сборник научных трудов. Вып. 5.Научн. ред. Доктор пед. наук, профессор С. В. Анчуков.  — СПб.: РГПУ им А.И. Герцена, 2011.  — С. 171-174.

26. Тинклер Н. Квилтинг. Энциклопедия. — М.: Арт-родник, 2007. — 256 с.

27. Фал Энн. Расшиваем нитками квилт. — М.: Ниола-пресс, 2008. — 96 с.

28. Фронкс Дилис А. Новое в пэчворке и квилте. — М.: Ниола-пресс, 2007. — 96 с.

29. Экман С. Из книги «Коллаж и ассамбляж как новые виды искусства дадаизма». // Русский авангард 1910-1920х годов, проблема коллажа. М.: «Наука», 2005.  С. 224-254


 

А также другие работы, которые могут Вас заинтересовать

35670. Виготовлення спідниці. Творчий проект 586.77 KB
  Іспанія епохи Відродження була в той момент законодавцем мод і вводить в гардероб каркасний костюм. Спідниці шиються на спеціальному щільному чохлі з металевими або деревяними обручами різних розмірів. Вузька в талії, підігнана до корсета, спідниця розширюється донизу, облягаючи конусоподібний каркас (вертюгаден) без єдиної складкиитки 5 грн –1 моток 1 моток 5 грн Прикраси 3 грн –1 шт...
35671. Дерево з бісеру. Творчий проект 233.62 KB
  Виріб: Фіалкове дерево з бісеру 1.3 Після опитування яке стосується мого проекту я зробила висновок: Виконаний проект матиме свого споживача тому що вироби з бісеру – це завжди вишукано незвичайно і дуже гарно. Найбільша кількість кольорів бісеру була створена в Завхідній Європі в XIX ст.
35672. Виготовлення вишитої картини. Творчий проект 1.19 MB
  Також наприклад у Древньому Єгипті певна вишивка означала соціальне становище людини: найкрасивіша різнобарвна багата вишивка робилася на одязі тільки у осіб царського роду фараонів; у нижчих шарів суспільства вона була набагато скромніше або взагалі відсутня. Зрозуміло вишивка була поширена не тільки в Єгипті а й наприклад у Стародавній Греції де була знайдена домашнє начиння на якій зображені жінки вишивали на пяльцях. У словянських народів спочатку вишивка мала релігійний характер була так званим оберегом від зла.
35673. Годівничка для пташок 1.03 MB
  Я вирішив робити саме годівничку тому що вона допоможе птахам не померти з голоду. Свою годівничку я повішу біля школи і щодня буду насипати туди різноманітні зернятка. І цим самим допоможу птахам пережити холодні та голодні зимові дні.
35674. Тихий Океан. Творчий проект 3.55 MB
  2 Донні осідання 5 Клімат 6 Гідрологічний режим 7 Крига 8 Флора і фауна 9 Економіка 10 Дослідження океану 10. Раніше акваторія Тихого океану частіше підрозділялася на три частини: північну центральну і південну межами між якими служили Північний і Південний тропіки. Окремі ділянки океану розташовані між островами або виступами суші мають свої назви. У західній і південнозахідній частинах Тихого океану численні крупні острови відокремлюють від основної акваторії безліч міжострівних морів таких як Тасманове море на південний схід...
35676. Скринька для ключів. Творчий проект 2.29 MB
  Мотивація вибору форми виробу. Мотивація вибору форми виробу Людина щоб облаштувати своє житло здавна навчилася виготовляти різні речі з каменю дерева а пізніше – з металу. Через те коли виникла необхідність виготовити річ для зберігання ключів я й вибрав деревину як матеріал для свого майбутнього виробу. Чому Вважаю що майстер не завжди повинен дотримуватися якихось обмежених рамок у виготовленні того чи іншого виробу.
35678. Изучение аппаратного и программного обеспечения персонального компьютера 477.9 KB
  Запоминающее устройство - носитель информации, предназначенный для записи и хранения данных. В основе работы запоминающего устройства может лежать любой физический эффект, обеспечивающий приведение системы к двум или более устойчивым состояниям.