71528

История отечественного и зарубежного театра

Конспект

Культурология и искусствоведение

Каждый вечер гостеприимно раскрываются двери театра и сотни зрителей приходят на радостную встречу с музыкой с прекрасным искусством оперы и балета. В сезоны же летних путешествий на залитой солнцем театральной площади в любое время дня вы можете увидеть автобусы Интуриста...

Русский

2014-11-08

399.5 KB

2 чел.

Министерство образования и науки республики Казахстан

                                         Лекции по предмету

                 «История отечественного и зарубежного театра»

                 Составила доцент Кремер Людмила Михайловна 

                                                             2003 год

   ИСТОРИЯ ОТЕЧЕСТВЕННОГО И ЗАРУБЕЖНОГО ТЕАТРА

  На фоне белоснежных вершин Алатау обрамлённое тенистой зеленью двух скверов и сверкающими на солнце фонтанами возвышается в центре Алматы одно из самых величественных зданий – Казахский государственный ордена Ленина академический театр оперы и балета имени Абая.

  Каждый вечер гостеприимно раскрываются двери театра, и сотни зрителей приходят на радостную встречу с музыкой, с прекрасным искусством оперы и балета.

  К жителям же отдалённых городов и районов театр приходит сам. Его ежегодные гастрольные поездки по республике стали традицией. Они обычно охватывают многотысячную аудиторию. Это труженики сельского хозяйства, хлеборобы целинных просторов, металлурги Чимкента и Усть – Каменогорска (Оскамен), нефтяники Мангышлака (Мангыстау), рыбаки Урала и Каспия и шахтёры Караганды, строители, воины, рабочая и учащаяся молодёжь, школьники.

  В сезоны же летних путешествий на залитой солнцем театральной площади в любое время дня вы можете увидеть автобусы «Интуриста» и оживлённые группы вооружённых фотоаппаратами зарубежных гостей, которым неутомимые гиды рассказывают историю нашей республики, нашего города, нашего театра.

  История эта поистине удивительна!

Судите сами – Казахстан, немногим более полувека тому назад был бывший далёкой окраиной на карте Российской империи, сегодня, равный среди равных народов, стал цветущей республикой с высокоразвитой экономикой, промышленностью, наукой и культурой. А южная столица Казахстана – ещё недавно одноэтажная и провинциально – патриархальная Алматы, превратилась в современный, красивый и благоустроенный город, с концертными залами, дворцами культуры, театрами, из которых – оперный театр завоевал широкое признание.

  Об этом убедительно говорят победы казахского оперного и балетного искусства на отечественных и зарубежных форумах: Мурат Мусабаев – лауреат Всесоюзного конкурса вокалистов; Раушан Байсеитова – лауреат Всесоюзного конкурса артистов балета; Алибек Днишев – лауреат Всесоюзного и международных конкурсов вокалистов в Цвиккау и в Рио – де – Жанейро; Гафиз Есимов – лауреат Всесоюзного конкурса и дипломант Международного конкурса вокалистов в Барселоне; Рамазан Бапов – лауреат Международного конкурса артистов балета в Варне; Толепберген Абдрашев – дипломант Международного конкурса дирижёров «Фонда Герберта фон Караяна»; Евгений Исаков – лауреат Международного конкурса вокалистов в Цвиккау.

  В каких же благодатных пластах национальной культуры искать нам корни казахской музыки, неповторимо самобытных мелодий, которые Максим Горький назвал в начале века богатым материалом для Моцартов, Бетховенов, Шопенов, Мусоргских и Григов будущего, казахского оперного искусства?

  Это искусство родилось у истоков народной мудрости, у вечных родников народной поэзии, народного инструментального и песенного творчества..

  Веками звучали над необъятной казахской степью струны домбры – неизменной спутницы народа в его радостях и печалях, звучали слова поэтических легенд и сказов.

                                                                          -2-

Звучали тысячи песен – лирических, бытовых, обрядовых, исторических. «Мне чудится: вся казахская степь поёт»! – патетически воскликнул, услышав их, русский путешественник и исследователь Центральной Азии Григорий Потанин.

  Жанровое и сюжетное многообразие казахских народных песен говорило не только о мелодическом даре их авторов, но и об их удивительной способности импровизировать, отзываться на любую тему, на самые разнообразные события жизни.

  Первостепенная роль в развитии инструментально – песенного искусства принадлежала народным музыкантам, достигавшим в своём творчестве высот подлинного артистизма и виртуозного мастерства. Большинство из них были одновременно и поэтами, и композиторами, и певцами, и домбристами.

  Благодарная память поколений хранит имена самородков – Курмангазы Сагырбаева, Даулеткерея Шигаева, Таттимбета, Биржана Кожагулова, Жаяу Мусы Байжанова, Ахана – серэ Карамсина.

  Современник Курмангазы – народного композитора середины прошлого века, автора программных пьес для домбры – кюев, журналист Николай Савичев писал о нём на страницах газеты «Уральские войсковые ведомости»: «Я назвал бы его игру вольной песнью жаворонка или соловья, но это сравнение слишком узко. Сагырбаев – редкая музыкальная душа и, получи он музыкальное образование, то был бы в музыкальном мире звездой первой величины».

  Исполнение многих обрядовых песен включало обязательные элементы театрального действия. Ярко выраженный зрелищный характер имели также и айтысы – традиционные соревнования акынов – певцов – импровизаторов. Они часто служили своеобразной общественной трибуной, которую наиболее смелые их участники использовали для обличения царившего вокруг произвола и бесправия.

  Более двух тысяч народных песен дошло до наших дней в нотных записях благодаря русскому музыканту и этнографу Александру Затаевичу.

  Познакомившись с трудом этого увлечённого собирателя казахского фольклора, Ромен Ролан писал ему: «Я, как и Вы, был поражён этим цветением прекрасных и здоровых мелодий, которые украшают степь. Я так же был удивлён тем, что они перестали быть для меня далёкими. Я нахожу их как бы то ни было родственными нашей европейской музыкальной флоре, если не той, какою она является ныне, то той, каковою она была, пока учёная музыка не заглушила в ней элемент народности».

  Записанные Александром Затаевичем мелодии и сегодня звучат во многих оперных произведениях композиторов Казахстана.

  Свою работу Александр Затаевич завещал поколениям казахских музыкантов: «Храните же, изучайте и приумножайте Ваши национальные духовные богатства, развивайте и украшайте их достижениями высшей общечеловеческой культуры, к которой стремитесь, и да возрастёт из народных недр обновлённая и расцветшая казахская национальная культура».

  И ещё – родоначальником казахской музыки старинное предание называет легендарного Коркута. В надежде обрести бессмертие в единстве с природой Коркут

                                                                          - 3-

уходит от людей в степи, в леса, в горы. Но, увы, и здесь всё не вечно. И здесь всё тленно. Солнце сжигало своими огненными лучами травы, подточенные годами рушатся от ветхости некогда могучие деревья. Даже камни время не щадит и рассыпает их в прах.

 Устав от бесплодного созерцания, Коркут выдолбил из куска дерева кобыз, коснулся смычком его струн и, услышав рождённую ими мелодию, наконец, понял, что истинное бессмертие человека лишь в его добрых свершениях, в его творчестве.

Кого же с чувством глубокой признательности мы можем назвать в числе основоположников национального оперного искусства? Кто пятьдесят лет тому назад стоял у его колыбели?

Это была группа энтузиастов, увлечённых идеей театра и во имя этой идеи сумевших преодолеть неимоверные трудности, совершить беспримерный подвиг.

  Вот имена: народная артистка СССР, певица Куляш Байсеитова, народные артисты Казахской ССР – режиссёр Жумат Шанин, певец и режиссёр, впоследствии профессор, заведующий кафедрой оперной подготовки Алма – Атинской государственной консерватории имени Курмангазы Курманбек Джандарбеков, певец, режиссёр и драматург Канабек Байсеитов, танцовщица Шара Жиенкулова, певец Манарбек Ержанов, художник, заслуженный деятель искусств республики Анатолий Ненашев, получивший в 1938 году золотую медаль на Всемирной выставке в Париже, писатели – академики АН Казахской ССР Мухтар Ауэзов, Габит Мусрепов и Сабит Муканов, Беимбет Майлин, композитор, народный артист Казахской ССР Евгений Брусиловский.

  По свидетельству современников, первое место в плеяде артистов принадлежало Куляш Байсеитовой.

  «Я должна сознаться, что изумительный облик этой молодой певицы, - писала о ней солистка Большого театра народная артистка СССР Валерия Барсова, - произвёл на меня потрясающее впечатление. Я не могла бы назвать певицу, с которой можно было бы её сравнить, до такой степени индивидуален и своеобразен высокий, лёгкий и прозрачный голос казахской певицы. Серебристый тембр этого голоса, действительно, напоминает пение птицы, и Куляш Байсеитова подлинная гордость не только казахского народа, но и всего нашего советского искусства».

  Сегодня нашему театру исполнилось шестьдесят восемь лет. Он прошёл нелёгкий и славный путь становления, поисков, утверждения.

  13 января 1934 года – это его день рождения. Он был отмечен постановкой музыкальной комедии по пьесе Мухтара Ауэзова «Айман – Шолпан», поставленной силами музыкальной студии, созданной по решению коллегии Народного Комиссариата просвещения от 29 сентября 1933 года.

  В этом решении говорилось: «Организовать в Алма – Ате государственную музыкальную студию – основу казахского музыкального театра оперы и балета в будущем, в составе пятьдесят человек актёров – студийцев, двадцать человек симфонического оркестра и двенадцать человек национального оркестра в составе инструментов: кобыз, домбра, сыбызгы… Поручить музыкальной студии немедленно

                                                                     

                                                                  -4-

приступить к организации первой постановки музыкальной пьесы «Айман – Шолпан»…Оркестровку этой пьесы организовать на базе широкого и всестороннего использования существующих казахских классических мелодий».

В новообразованную студию перешла группа актёров казахского драматического театра – Куляш и Канабек Байсеитовы, Курманбек Джандарбеков, Елюбай Умурзаков, Сералы Кожамкулов, Калибек Куанышпаев, Манарбек Ержанов, Шара Жиенкулова и другие. В студию пришёл молодой художник Анатолий Ненашев. За дирежёрский пульт встал трубач Фёдор Кузьмич. Многим из них было суждено стать корифеями будущего профессионального оперного театра.

«Трудно описать, каких усилий и труда, каких невероятных затрат энергии стоили нам

первые спектакли, - вспоминает в своей книге «На всю жизнь» Канабек Байсеитов. – Выступали каждый день, без перерыва, без отдыха. До 15 мая мы поставили «Айман – Шолпан» сто раз. Вряд ли был ещё спектакль в то время, который за такой короткий срок выдержал бы столько постановок. В городе повсюду только и говорили, что о спектакле «Айман – Шолпан». Днём ли, ночью ли, в магазине, в общественном транспорте, в разных концах города люди обсуждали содержание пьесы, или спорили об игре артистов, или распевали песни из этого спектакля. Куляш, исполнявшая роль Айман, показала неисчерпаемые возможности своего голоса, большие музыкальные способности, неожиданно для всех раскрывшись новой гранью данного ей природой таланта. В первую музыкальную роль Куляш вложила всю свою страсть, вдохновение и актёрское мастерство. В этом образе проявились её удивительный артистизм и музыкальность, дополняя друг друга и гармонично сочетаясь, они слились воедино. Именно с роли Айман Куляш начала расти как певица, и нашла своё место в искусстве и в жизни».

  Музыка к спектаклю «Айман – Шолпан была написана на основе казахских народных песен композиторами – заслуженным деятелем искусств Казахской ССР Сергеем Шабельским и Иваном Коцыком.

  Через четыре дня после премьеры студия была переименована в Казахский государственный музыкальный театр.

  Так открылась первая страница в его истории.

  Прошло менее полугода, и на сцене театра состоялась премьера второго музыкального спектакля по пьесе Беимбета Майлина «Шуга». Она была посвящена первому казахстанскому слёту деятелей народного искусства. В своём постановлении Президиум Казахского Центрального Исполнительного Комитета отмечал: «Слёт деятелей народного искусства Казахстана показал огромную мощь и потенциальные возможности казахского народного творчества, являющиеся основой для дальнейшего всестороннего развития национального по форме и социалистического по содержанию искусства казахских трудящихся масс».

  Окрылённый успехом «Айман – Шолпан» и «Шуги», театр приступил к постановке оперы Евгения Брусиловского «Кыз – Жибек».

  Творчество народного артиста Казахской ССР, лауреата Государственных премий СССР и Казахской ССР, автора девяти опер и одного балета – Евгения Брусиловского

                                                                    

                                                                   -5-

неразрывно связано с развитием казахского национального оперного искусства, профессиональной музыкальной культуры республики.

  В основу оперы «Кыз – Жибек» композитором и автором либретто – писателем Габитом Мусреповым положена одна из самых поэтичных народных легенд.

  В работе над этим спектаклем выросла и возмужала труппа молодого театра, ярко раскрылись во всей своей красоте драгоценный певческий талант Куляш Байсеитовой, её сценическое обаяние.

  Вот несколько строк из воспоминаний участника спектакля Курманбека Джандарбекова: «Имя «Кыз – Жибек» означает в переводе «Шелковая девушка». Куляш Байсеитова, исполнявшая эту роль, вполне оправдала это поэтическое сравнение. Она придала образу исключительное изящество, лиризм. Голос Куляш звучал легко и звонко, выявляя всю прелесть народных мелодий».

  Благодаря таланту Куляш лирико – драматическая опера – поэма о трагической судьбе красавицы Жибек, тщетно боровшейся за своё счастье, наполнилось жизненной правдой, глубоким внутренним содержанием.

  Спектаклю «Кыз – Жибек» выпала счастливая судьба. Он первым прозвучал на Декаде казахского искусства в Москве, первым приобщил столичных жителей к национальной музыке, поэзии, танцам.

  17 мая 1936 года в Большом Театре торжественно открылась декада казахского искусства оперой Евгения Брусиловского «Кыз – Жибек».

  Декада превратилась в ликующий праздник дружбы. Это был акт восторженного признания молодого национального искусства. Вся страна вдруг открыла неведомые ей ранее несметные запасы творческих созидательных сил казахского народа, его бесценные духовные богатства.

  Общие впечатления зрителей от встреч с казахскими артистами выразил поэт Демьян Бедный: «Я с напряжённым волнением смотрел волшебное зрелище, каким мне представился спектакль молодого казахского театра. Актёры так даровиты, чудесная певица Куляш Байсеитова так чарующе трогательна в созданном ею образе. Я не нахожу слов для выражения моей радости. Радость эта проистекает из моего убеждения, что в недалёком будущем мы увидим казахское искусство в первых рядах искусства народов нашего счастливого, создающего новую социалистическую культуру, великого Союза».

  В сентябре 1936 года за выдающиеся заслуги в развитии театрального искусства Куляш Байсеитова была удостоена высокого, впервые утверждённого в нашей стране, звания народной артистки СССР.

  Первый период формирования театра завершился постановкой оперы Евгения Брусиловского «Ер – Таргын». Это был в буквальном смысле слова оперный спектакль, без разговорных диалогов, целиком построенный только на музыке и вокале, с соблюдением всех принципов музыкальной драматургии.

  Совокупность всех этих качеств и определила его значение в истории национального оперного искусства.

                                                                 

                                                                     -6-

  В апреле 1937 году театр приехал на гастроли в Ленинград. Теперь он уже назывался Казахским государственным театром оперы и балета. На афишах значились три оперы Евгения Брусиловского – «Ер – Таргын», «Кыз – Жибек» и «Жалбыр».

  В дни гастролей «Ленинградская правда» напечатала стихи девяностолетнего акына Джамбула Джабаева – «Привет из Казахстана»:

                             Вокруг меня степи в весеннем наряде.

                             А сердце и мысли мои в Ленинграде,

                             Где песни степей вдохновенно поёт

                             Устами певцов возрождённый народ.

                             Где наше искусство волнует со сцены

                             Красой Кыз – Жибек и огнём Тулегена,

                             Геройством Таргына, гореньем души

                             Прекрасной казашки – родной Хадиши.

                             Желаю, чтоб чище ручьёв прозвенели

                             Куляш соловьиные нежные трели,

                             Чтоб песня на битву за счастье вела

                             Чтоб дружба народов росла и цвела.

                             Джамбул Ленинграду желает побед

                             И шлёт от горячего сердца привет.

  Ленинградские гастроли, как и московские, прошли триумфально. Классическим стал отзыв о них Алексея Толстого: «Передо мной и театр, и что – то большее, чем театр. Раскрываются глаза. Доверчиво, с благодарностью, с восторгом. Раскрывается то, с чем мы воспринимаем подлинно редкое, золотое искусство. Движения актёров, их пляски, их мимика – с неизъяснимой грацией какой – то вековой гордости. Веришь, веришь. Здесь присутствует красота, здесь сила и молодость убеждения, здесь то, что города Европы давно растратили и растеряли, о чём так тоскуют лучшие люди – об этой золотой, юной, кипящей крови искусства. Это ответ всему по ту сторону СССР лежащему миру о решении задачи человеческого счастья. Это наша национальная гордость».

  На сцене молодого казахского музыкального театра параллельно с оперным искусством развивалось и национальное балетное искусство.

  Уже в первых оперных постановках вставные танцевальные номера, такие, как «Каражорга», «Коян – Би», «Келиншек», «Ак – Суек», «Таттимбет», «Айжан – кыз», «Шашу» и другие, завоевали право на жизнь, стали полноценными компонентами спектаклей.

  Эти театрализованные танцы и танцевальные сцены создавались на основе старинных плясок, отображавших характерные особенности народного быта, обычаев, ритуалов.

  Открывшееся в Алма – Ате хореографическое училище, руководителем которого за долгие годы стал воспитанник и убеждённый приверженец русской балетной школы народный артист Казахской ССР Александр Владимирович Селезнёв, обеспечило театру постоянный приток молодых сил.

                                                                

                                                                  -7-

  Год 1938 мы можем считать годом казахской Терпсихоры, годом первого казахского балета «Калкаман и Мамыр». Газета «Социалистическая Алма – Ата» откликнулась на это радостное событие приподнятой, оптимистической рецензией: «Балет «Калкаман и Мамыр» - крупная серьёзная победа композитора Василия Великанова и либреттиста Мухтара Ауэзова, победа балетмейстера заслуженного артиста РСФСР Леонида Жукова и первой танцовщицы казахского балета народной артистки Шары Жиенкуловой. Это победа всего коллектива, который в этом спектакле показал свою волю и стремление к овладению сложной танцевальной техникой танца».

  В числе первых балетных постановок тех лет – «Коппелия» Делиба, «Конёк – Горбунок» Цезаря Пуньи, «Лебединое озеро» Петра Ильича Чайковского, «Раймонда» Глазунова, «Весна» Надирова, «Лауренсия» Крейна, «Бахчисарайский фонтан» Бориса Асафьева.

  Создание этих спектаклей – заслуга балетмейстеров Александра Александрова, Леонида Жукова, заслуженного артиста Казахской ССР Юрия Ковалёва, заслуженного деятеля искусств РСФСР Александра Чекрыгина, солистов балета – заслуженных артистов республики Екатерины Лифановой, Зои Плужниковой, Камыш Карабалиновой, Нурсулу Тапаловой, Алмаса Бекбасынова и других.

  Прошло четыре года после ленинградских гастролей, и окружённый кольцом блокады город – герой вновь услышал строки стихов Джамбула:

                                   Ленинградцы, дети мои!

                                   Ленинградцы, гордость моя!

  В годы Великой Отечественной войны коллектив театра вносил свой посильный вклад в общее дело борьбы с врагом.

Ты                 Многие работники театра доблестно сражались в рядах Советской Армии. В числе легендарных двадцати восьми гвардейцев – панфиловцев смертью храбрых пал художник – бутафор Николай Максимов.

                   Голоса казахских певцов звучали в землянках и на передовой. Их песни согревали солдатские сердца, шли с бойцами по фронтовым дорогам.

                   Традиционными стали в те дни так называемые «ночные концерты». Они привлекали обычно большое количество зрителей. В музее театра хранится уникальная афиша одного из этих концертов, сбор с которого поступил на сооружение танковой колонны «Искусство Казахстана».

  Б               В первый год войны было завершено строительство здания театра по проекту Николая Простакова и Тулеу Басенова.

                   Вопреки бедам и лишениям военного времени театр продолжал жить насыщенной, полнокровной жизнью. Он первым среди всех музыкальных театров страны поставил оперу на военно – патриотическую тему. Это была опера Евгения Брусиловского на либреттот Габита Мусрепова «Гвардия, алга!»

                   Премьера состоялась в 1942 году, в канун XXV годовщины Октября. Спектакль завершался боевой песней гвардейцев – панфиловцев. Торжественной клятвой звучали её слова: «Мы, как поток, обрушимся на врага и с победой вернёмся домой!»

                                                                                    -8-

                   За пять военных сезонов театр осуществил постановки таких масштабных полотен, как «Абай» Ахмета Жубанова и Латифа Хамиди, «Иван Сусанин» Михаила Глинки,

«               «Мазепа» Петра Ильича Чайковского, «Отелло» Джузеппе Верди. Глубокий след в его творческой жизни оставили также «Жизель» Адана, «Чио – Чио – сан» Пуччини, «Даиси» Захария Палиашвили. Каждый из этих спектаклей примечателен.

                   Особое место в летописях театра принадлежит опере «Абай». Она посвящена родоначальнику письменной казахской литературы, великому поэту и просветителю Абаю Кунанбаеву. Чрезвычайно широк был круг знаний и интересов Абая. Он хорошо был знаком с сочинениями древних философов – Сократа, Платона, Аристотеля, с произведениями Белинского, Салтыкова – Щедрина, переводил поэзию Пушкина и Лермонтова. Стихи Абая заучивались наизусть, передавались из уст в уста. Многие из них поэт положил на музыку. Проникнутое глубокой верой в светлое будущее своего народа поэтическое и музыкальное наследие Абая Кунанбаева вошло в сокровищницу многонациональной культуры страны.

                   Либретто оперы принадлежит перу выдающегося казахского писателя и учёного, основоположника абаеведения Мухтара Ауэзова – автора романа – эпопеи «Путь Абая». В нём нашла своё художественное, необычайно масштабное отображение жизнь казахского общества второй половины XIX века, со всеми её противоречиями, с феодально – родовой и классовой борьбой. Тема поэта – «духовного ока», наставника и защитника обездоленных и тема народа – истинного творца национальной культуры, освещённые с поэзией социалистического реализма, обогатили всю советскую литературу.

                   Опера «Абай» написана старейшими композиторами республики Ахметом Жубановым и Латифом Хамиди. Деятельность академика АН Казахской ССР, доктора искусствоведения, профессора, народного артиста республики, композитора, дирижёра, педагога и публициста Ахмета Жубанова составила эпоху в культурной жизни Казахстана.

                   Используя мелодии Абая, сочетая их со своей оригинальной музыкой, композиторы создали произведение, положившее начало казахской оперной классики.

                   В 1945 году – в год столетия со дня рождения Абая, театру было присвоено его имя.

                   Постановка балета Адана «Жизель» связана с именем великой советской балерины – народной артистки СССР и Казахской ССР Галины Улановой. Спектакль был поставлен ею совместно с дирижёром – народным артистом Казахской ССР Владимиром Пирадовым.

                   Спустя много лет она писала: «В годы Великой Отечественной войны я танцевала на сцене Театра оперы и балета имени Абая. До сих пор я прекрасно помню искристые и поэтичные танцы казахского народа и внимательно слежу за развитием хореографического искусства вашей республики».

                   Достопримечательность опер «Чио – Чио – сан» и «Даиси» заключалось в том, что оба эти спектакля, а вслед за ними и «Евгений Онегин» Петра Ильича Чайковского, впервые в истории мирового оперного искусства прозвучали на казахском языке в переводе поэта Нигмета Баймухамедова.

                                                                                      -9-

                   Послевоенное десятилетие вошло в историю театра как период его стремительного роста. Он блестяще начался сценическим претворением жемчужины казахской музыки – оперы народного артиста СССР Мукана Тулебаева «Биржан и Сара». Автор либретто – писатель, заслуженный деятель науки Казахской ССР Кажим Джумалиев использовал два подлинных события: айтыс – соревнование в мастерстве поэтической и певческой импровизации между известным народным поэтом Биржаном Кожагуловым и талантливой поэтессой Сарой и чреватое губительными последствиями драматическое столкновение свободолюбивого певца со степным феодалом, волостным управителем Жанботой. Конфликт оперы построен на переплетении двух сюжетных линий: лирико – драматической и социальной. Мотивы борьбы за свободу творческой личности, за право на любовь и счастье перекликаются с мотивами общественно – обличительного характера, финал оперы трагичен. Биржан погибает. Но остаются вечно живыми его вдохновенные песни, проникнутые горячей любовью к народу и мечтами о его светлом будущем. В 1949 году Мукану Тулебаеву, режиссёру – постановщику спектакля Курманбеку Джандарбекову, художнику Анатолию Ненашеву и исполнителям главных партий – народной артистке СССР Куляш Байсеитовой и народным артистам республики Шабал Бейсековой, Анварбеку Умбетбаеву и Байгали Досымжанову были присуждены Государственные премии СССР. Спектакль «Биржан и Сара» стал центром внимания музыкальной общественности страны во время второй Декады казахского искусства в Москве в декабре 1958 года. Обращаясь к москвичам, Мукан Тулебаев писал: «В опере «Биржан и Сара» я стремился передать благородные романтические чувства героев, высокие патриотические мечты народа. Многообразие казахских песен то задумчиво – грустных, то ликующе – радостных, то спокойных и светлых, то гневных и драматических – служило мне серьёзным подспорьем при создании оперы. Народное творчество – неиссякаемый источник вдохновения для каждого из нас. В нём мы черпаем силы, без него нельзя стать выразителем дум и чаяний нашего современника». После показа «Биржана и Сары» на сцене Большого театра газета «Правда» в статье «Талантливая опера, яркий спектакль» писала: «Счастливая мысль создать оперу о народном певце, воспевавшем правду и красоту! Казахский народ чтит память поэта и певца Биржана Кожагулова… Композитор Мукан Тулебаев почувствовал в себе силу стать наследником Биржана: войдя в высоко поэтическую атмосферу его мелодий, проникнув в сущность его стихов, он сумел создать полное национальное обаяние оперное произведение».

  Во всеоружии мастерства и опыта предстала на Декаде и балетная труппа театра, показавшая спектакли «Бахчисарайский фонтан» Асафьего и «Дорогой дружбы» Тлендиева, Степанова и Манаева. В рецензии «Искусство благоухающей свежести», опубликованной в газете «Известия», выдающаяся советская балерина народная артистка СССР Ольга Лепешинская дала объективно высокую оценку этим двум постановкам: «Казахский балет действительно очень молод и годами своей жизни, и тем беспокойным духом исканий, которым овеяны его работы, и дерзостным вызовом трудностям. Ведь каких – нибудь сорок лет назад казахский народ не имел своего национального танца. А

                                                                  -10-

сейчас на Декаде казахского искусства и литературы мы с восхищением, радостью и удивлением видим, как казахские артисты берутся и успешно решают самые сложные задачи балетного театра».

  В день закрытия декады на страницах «Литературной газеты» с большой итоговой статьёй «Заря вдохновения» выступил Мухтар Ауэзов. «Две декады казахского искусства и литературы – 1936 года и нынешняя, - писал он, - представляются мне важными этапами в нашей национальной истории, в истории нашей духовной культуры. Первая декада – это было начало, уже тогда мы взяли определённо вершину. Вторая декада – взлёт, колоссальный подъём искусства и литературы казахского народа. Пик сегодняшних наших достижений несравненно более высок, чем раньше. Широк и радостен фронт искусства и литературы. Он позволяет смело сказать, что наш народ, наша культура переживает свой золотой век».

  Для периода, о котором идёт речь, характерно интенсивное освоение театром русской и зарубежной оперной и балетной классики, произведений братских республик, и, конечно же, как мы видим, расширение национального репертуара. На основах русской реалистической школы, обогащая её сплавом национальных традиций, коллектив успешно решает постановки лучших образцов мировой классики. На сцене театра идут «Руслан и Людмила» Глинки, «Борис Годунов» Мусоргского, «Пиковая дама», «Спящая красавица» Петра Ильича Чайковского, «Снегурочка», «Майская ночь»

Римского – Корсакого, «Демон» Рубенштейна, «Гугеноты» Мейербера, «Лакме» и «Коппелия» Делиба, «Трубадур» Верди, «Ромео и Джульетта» Прокофьева, «Сказки Гофмана» Оффенбаха, «Проданная невеста» Сметаны, «Виндзорские проказницы» Николаи, «Дон Паскуале» Доницетти, «Медный всадник» Глиэра.

  Идя в ногу со временем театр ставит спектакли на современные темы. Это: «Семья Тараса» Кабалевского, «Молодая гвардия» Мейтуса. «Судьба человека» Джержинского, балет «Берег счастья» Спадавеккиа. Из национальных опер «Дударай» Евгения Брусиловского на либретто Айтпая Хангельдина. Многократное возвращение театра к этому спектаклю о подлинных человеческих судьбах, о расцветшей в трудовых буднях рыбацкого посёлка любви русской девушки Марии к казахскому джигиту Думану, о закалённой в революционной борьбе дружбе русского и казахского народов оправдано актуальностью его содержания.

  Высокий уровень музыкального, режиссёрского, балетмейстерского, художественного решения спектаклей, их вокально – сценического исполнения был обусловлен солидным творческим потенциалом всей труппы. В её составе выделялись своим дарованием дирижёры – народные артисты Казахской ССР Газиз Дугашев, Нургиса Тлендиев, Фуат Мансуров, Тургут Османов, заслуженные деятели искусств республики – режиссёр Юрий Рутковский, балетмейстер Даурен Абиров, художники Владимир Колоденко, Кулахмет Ходжиков и Владимир Семизоров, солисты оперы и балета – народные артисты Казахской ССР – Сергали Абжанов, Урия Тутдукулова, Гарифулла Курмангалиев, Муслим Абдулин, Каукен Кенжетаев, Евгений Иванов, Антонина Круглыхина, Нина Куклина, Александр Казакевич, Зиновий Колтон,

                                                                 -11-

Надежда Самышина, Эра Епонешникова, Сара Кушербаева, Булат Аюханов, Инесса Манская, заслуженные артисты республики Рахима и Абитай Мусабековы, Виталий Орленин, Маргарита Худовердова, Борис Бухаров, Юрий Якунин, Ольга Симонова, Виктор Харитонов, Мария Черкашина, Гайни Акжанов, Наталья Викентьева, Леонид Таганов, Ракуль Тажиева, Абдуахим Асылмуратов, Анварбек Джалилов, Сания Тулусанова, заслуженный артист Бурятской АССР Дмитрий Кириченко.

  Так через годы мы пришли в день сегодняшний. Анализируя прошлое и настоящее театра, мы можем сделать вывод, что он всегда обладал неутомимостью в поисках, смелостью в дерзаниях, последовательностью в своей репертуарной политике. Всё чаще и чаще на афишах нашего театра можно прочесть многообещающую строчку – «Первая постановка в СССР». С этим лаконичным комментарием увидели свет рампы опера английского композитора XVII века Генри Пёрселла «Дидона и Эней», драматическая оратория «Жанна д’Арк на костре», балет «Мужчина и женщина» Артура Онеггера, и балет Игоря Стравинского «Игра в карты». Таким образом, со всей очевидностью выявляется новое для театра направление, а именно – обращение к оперным и балетным произведениям, ранее не шедшим на советской сцене.

  Лицо любого театра – это его спектакли. Они создают ему имя, популярность, завоёвывают симпатии зрителей. Свидетельством непрестанного роста национальной композиторской школы, объединяющей разные музыкальные жанры и стили, стали оперы «Алпамыс» народного артиста СССР, лауреата Государственной премии Казахской ССР, профессора Еркегали Рахмадиева и «Енлик – Кебек» народной артистки СССР, лауреата Государственной премии Казахской ССР и премии Ленинского комсомола Казахстана, профессора Газизы Жубановой, «Садыр – палван» народного артиста Казахской ССР, лауреата Государственной премии СССР, профессора Куддуса Кужамьярова, «Жумбак – кыз» народного артиста Казахской ССР, лауреата Государственной премии Казахской ССР Сыдыка Мухамеджанова, «Голый король» заслуженного деятеля искусств Казахской ССР, профессора Анатолия Бычкова, балеты «Фрески» заслуженного деятеля искусств республики, лауреата премии Ленинского комсомола Казахстана Тимура Мынбаева и «Аксак кулан» Алмаса Серкебаева.

  Балет «Фрески». Музыка балета современна по манере письма и в то же время в ней ясно ощутима национальная природа языка. Либретто балета построено его автором Заурбеком Райбаевым на основе поэмы Олжаса Сулейменова «Глиняная книга». И это придаёт спектаклю, внешне впечатляюще зрелищному и оригинальному по своему пластическому рисунку, глубокое философское содержание…Прошли столетия. Исчезла с лица земли память о Джучи – хане, сыне повелителя монгольских полчищ Чингиза. Но и по сей день жива мудрая, глубоко поэтичная легенда о раненном стрелой  старом кулане, о бесстрашном и смелом акыне Кербуге, о залитой свинцом домбре, о девушке Баршагуль, любовь которой вернула жизнь её смолкнувшим струнам.

  В балете Алмаса Серкебаева «Аксак кулан» («Хромой кулан») ожили образы древней легенды. Композитор и автор либретто заслуженный артист Казахской ССР Тургаш Ибраев создали произведение, этапное в истории национальной хореографии. Драматургическая насыщенность балета – тема нашествия и тема непокорённого

                                                                          -12-

народа, тема трагического возмездия и победившей любви – раскрыты в музыке с подлинным мастерством, рельефно, ярко, убедительно.

  Что же касается рок – балета Алмаса Серкебаева «Брат мой, Маугли», либретто Дюсенбека Накипова по мотивам «Книги джунглей» Редьярда Киплинга, балетмейстер Минтай Тлеубаев. То постановка этого произведения вполне отвечает стремлению театра к смелым экспериментам, к жанровому обновлению репертуара.

  Нельзя не подчеркнуть ещё одно качество театра – присущее ему чувство высокой гражданственности, способность всегда быть на гребне времени, живо откликаться на все важнейшие события в жизни страны. Примеров этому множество.

  В феврале 1964 года – в год 10 – летия освоения целины – «Казахстанская правда» писала: «В музыкально – театральной жизни нашей республики произошло знаменательное событие. На сцене Казахского академического театра оперы и балета имени Абая осуществлена постановка новой оперы Евгения Брусиловского «Наследники». 100 – летие со дня рождения В. И. Ленина театр встретил постановкой оперы народного артиста Украинской ССР Юлия Мейтуса «Братья Ульяновы». 20 – летие целины нашло своё отражение в первой казахской лирико – комической опере Садыха Мухамеджанова «Айсулу». 60 – летию Великой Октябрьской социалистической революции заслуженный деятель искусств Казахской ССР, лауреат премии Ленинского комсомола Казахстана композитор Мансур Сагатов посвятил балет «Алия». 60 – летие Казахской ССР и Компартии Казахстана театр отметил премьерой оперы Еркегали Рахмадиева «Песнь о целине». В канун 40 – летия победы под Москвой алмаатинцы услышали оперу Газизы Жубанолвой «Двадцать восемь», посвящённую подвигу гвардейцев – панфиловцев. Спектакль исполняется на четырёх языках (случай беспрецедентный) – русском, казахском, украинском и киргизском. Под названием «Москва за нами» опера поставлена на сцене Московского музыкального театра имени народных артистов СССР К. С. Станиславского и В. И. Немировича – Данченко. «Князь Игорь» Бородина и «Оптимистическая трагедия» Холминова вошли в репертуар театра в связи с двумя юбилеями: 250 – летнем добровольного присоединения Казахстана к России и 60 – летием образования СССР.

  Летом 1981 года опера Бородина «Князь Игорь» прозвучала в «живых декорациях», на площади Ярославского историко – архитектурного музея – заповедника, бывшего Спасо – Преображенского монастыря, в котором был обнаружен замечательный памятник древней русской поэзии «Слово о полку Игореве».

  К своему 50 – летнему юбилею театр поставил оперу Римского – Корсакова «Царская невеста» и возобновил два спектакля из заветного золотого фонда. Это всё те же бесконечно дорогие нам оперы «Биржан и Сара» и «Кыз – Жибек».

  Коллектив Казахского оперного театра связан большой дружбой с коллективом Большого театра Союза ССР. Основы этой дружбы были заложены в 1936 году, в дни первой Декады казахского искусства в Москве. Большой театр - символ величия и расцвета советской музыкальной культуры, глашатай искусства – прогрессивного, гуманного, насыщенного новым содержанием, построенного на новых эстетических принципах. Неоценим его вклад в развитие оперного и балетного искусства.

                                                                -13-

                   На его опыте учатся, совершенствуют своё исполнительское мастерство все национальные театры страны.

                   Благотворно повлияло на творческую жизнь нашего театра пребывание в Алма – Ате в годы Великой Отечественной войны ведущих солистов Большого театра. Одним из постановщиков оперы «Руслан и Людмила» на нашей сцене был художник Большого театра Василий Лужецкий. Балет «Бахчисарайский фонтан» и «Половецкие пляски» в опере «Князь Игорь» были поставлены народным артистом СССР и Казахской ССР, профессором Ростиславом Захаровым и заслуженным артистом РСФСР Василием Вайноненом. В течение двух сезонов должность главного режиссёра нашего театра занимал режиссёр Большого театра заслуженный деятель искусств РСФСР Николай Домбровский. Постановку оперы Газизы Жубановой «Двадцать восемь» осуществил дирижёр Большого театра, воспитанник Алма – Атинской консерватории, народный артист Казахской ССР и Татарской АССР, профессор Фуат Мансуров. В труппе Большого театра проходила стажировку наша певица Рахима Жубатурова. И, наконец, апофеозом дружбы и братства стали обменные гастроли 1978 года – спектакли Большого театра в Алма – Ате и наши ответные выступления на прославленной московской сцене.

                   К новым постановкам были привлечены режиссёры – народный артист РСФСР, заслуженный деятель искусств Казахской ССР, лауреат Государственной премии Чехословакии имени К. Готвальда Георгий Ансимов, заслуженный деятель искусств Украинской ССР Владимир Бегма, главный режиссёр Челябинского театра оперы и балета Георгий Миллер, балетмейстеры – профессор Пётр Гусев, народные артисты СССР Наталья Дудинская и Константин Сергеев, художники – главный художник Ленинградского академического театра оперы и балета имени С. М. Кирова, народный художник РСФСР Иван Севастьянов, московский художник, заслуженный деятель искусств РСФСР, заслуженный артист Казахской ССР Милий Виноградов, заслуженный художник Украинской ССР Владимир Арефьев. Весомый вклад в расширение репертуара театра внёс заслуженный деятель искусств Казахской ССР Борис Рябикин. Театр украшают и находятся в отличной творческой форме признанные мастера оперного и балетного искусства – народные артисты СССР Ришат Абдулин, Ермек Серкебаев, Роза Джаманова, Бибигуль Тулегенова, Рамазан Бапов, народные артисты Казахской ССР Мурат Мусабаев, Нариман Каражигитов, Василий Яковенко, Бахыт Ашимова, Евгений Исаков, Шора Умбеталиев, Раушан Байсеитова, Зарема Кастеева.

                У каждого из этих артистов яркая театральная биография.

                   В труппе постоянно происходит процесс омоложения, смена и преемственность поколений – явление закономерное в нём залог жизнеспособности театра, его творческого тонуса. Уверенно приняла эстафету традиций театра – народные артисты Казахской ССР Рахима Жубатурова, Алибек Днишев, Хорлан Калиламбекова. Высокую художественную ценность создали заслуженные артисты Казахской ССР Тохтар  Адетбекова, Алма Оспанова, Кенес Бейсалиев, Нина Радченко, Людмила Осланова, Гафиз Есимов, Курманбек Мурзабеков, Бахыт Кошмухамбетов, Эдуард Мальбеков,  Майра Кадырова, Бауржан Ешмухамбетов, Фируза Жулимбетова, Лора Мажикеева.

                

                                                                             -14-

  В 1964 году рядом с именем Гарифуллы Курмангалиева на театральных афишах появилось имя его дочери Сауле Курмангалиевой. Унаследовав от отца любовь к театру, верность традициям, она достойно продолжает дело всей его жизни.

                   Плодотворно, с полной отдачей всей своей творческой энергии работают подлинные труженики театра дирижёр Раиса Садыкова, балетмейстер заслуженный деятель искусств Казахской ССР Минтай Тлеубаев, хормейстер заслуженная артистка Казахской ССР Ляйля Айдарбекова, солисты оперной и балетной трупп – Майра Айманова, Рида Свисткова, Артур Амонов, Мансия Каракулова, Кайрат Мажикеев, Мариямгуль Тулегенова, Султан Байсултанов, Гульжан Туткибаева, Гульнара Алиева, Ербол Асылгазинов, Дмитрий Тубольцев, Алла Бураканова, Лейла Акылбекова, Эрий Торопов.

                   Постоянно солисты театра выезжали в зарубежные поездки. Посланцев Казахстана приветствовали все европейские столицы, зрители США, Канады, Бразилии, Кубы, Японии, Китая, Алжира, Египта, Индии, Анголы, Вьетнама, Индонезии, Сирии, Ливана, Монголии.

                   В свою очередь на алма – атинской сцене блистали своим мастерством перуанская певица Имма Суммак,солистка «Метрополитеноперы» Элинор Росс, прима – балерина театра «Ла Скала» Лилиан Кози, солистка будапештского оперного театра Зенаида Палли, Жолт Бенде и Дьердь Раднаи, примадонна Каирской оперы Набила Эриан, артистка Стамбульского театра Йылдыз Тумбул, югославская балетная пара Иванка Лукатели, и Радомир Вучич, солист Пражского театра Франтишек Ливора, представители болгарской оперы – Петя Иванова, Мати Пинкас, Радка Гаева, солистка Варшавской оперы Уршуля Травиньска и другие.

                   В 1985 году административное и художественное руководство театра осуществляет директор театра народный артист Казахской ССР, профессор

                Б. А. Жаманбаев, его первый заместитель народный артист Казахской ССР Василий Яковенко, главный дирижёр, заслуженный деятель искусств Казахской ССР и Башкирской АССР Валерий Руттер, хорошо известный в музыкальных кругах страны своей эрудицией и глубоким прочтением оперных партитур, первый интерпретатор многих оперных и симфонических произведений советских композиторов, главный балетмейстер народный артист республики Заурбек Райбаев, в большой степени определивший своим творчеством качественно новый этап развития современной хореографии, главный художник театра, постоянная участница республиканских, всесоюзных и международных выставок, заслуженный деятель искусств республики Гульфайрус Исмаилова. Хоровой коллектив, не раз доказавший своё умение решать самые трудные и ответственные вокально – сценические задачи, возглавила ученица

                Б. А. Жаманбаева - Ляйля Айдарбекова.

                   Привычным явлением в жизни театра стали зарубежные поездки всей оперной и балетной труппы. Это Германия, Китай, Мальта, Турция.

                   В 1995 году театр после пожара закрыли на реконструкцию. Артистам, как оперы так и балета пришлось нелегко. Спектакли проходили на других площадках города. И, наконец, Новый 2000 год труппа встретила в стенах своего театра.

                        

                                                                                 -15-       

ба                Искусство театра стало верным союзником людей доброй воли в укреплении дружеских, творческих контактов, завоевавший авторитет и признание, внёсший свой вклад в сокровищницу многонационального оперного и балетного искусства нашей страны.

                 Театром оперы и балета имени Абая пройдено шестьдесят восемь лет творческого пути. Впереди новые десятилетия, новые поиски, новые свершения, новые имена.

                                                          Большой театр

                     Первый общедоступный театр в России был построен по указу Петра I на Красной площади в 1702 году. В 1780 году на болотистом берегу реки Неглинной начали возводить каменные стены нового здания театра, ныне здание Государственного Академического Большого театра.

                     В начале XVIII века древний город Москва потерял право называться столицей России, но сохранил и приумножил своё значение культурного центра страны. Здесь из                                                                                                                                 

тен с         старейшего высшего учебного заведения Славяно – греко – латинской академии – вышли знаменитые её питомцы: Ломоносов, Магницкий и другие. Наконец, здесь ещё в середине века был основан университет, ставший средоточием всего передового в области науки и культуры. Именно в университете зародился и один из первых студенческих театров.

                     Первые музыкальные спектакли в Москве давались с 1759 года итальянским антрепренёром Джовани Баттистой Локатели в сооружённом на Красном пруду Большом оперном доме. Но не смотря на сильный состав артистов переведённой из Санкт- Петербурга оперной труппы, владелец театра спустя четыре года объявил себя банкротом.

                     Только в 1766 году москвичи смогли посещать на этот раз русские драматические спектакли в деревянном Головинском театре, содержавшемся полковником Титовым, но вскоре и он обанкротился. Не блестяще шли дела и у последующих антрепренёров Бельмонти и Чинти, дававших с 1769 года представления в наёмном доме генерал – поручика графа Р. И. Воронцова на Знамёнке, где после них держал антрепризу итальянец Гротти. Знаменитый оперный дом несколькими годами позже стал колыбелью московского Большого театра.

                     Из – за отсутствия документальных данных, описаний и иконографического материала сегодня трудно судить о том, как выглядело это сооружение. Имеется лишь упоминание о том , что это было «здание о трёх деревянных стенах и одной каменной», очевидно, лишённое особых архитектурных достоинств..

                     28 марта привилегию на содержание русского театра получил единолично московский губернский прокурор князь П. В. Урусов, до этого разделявший её с Гротти. В силу этой привилегии Урусов, получивший в своё распоряжение Воронцовский театр на Знамёнке, был обязан «построить на свой счёт в пять лет театр со всеми принадлежностями, каменный, с таким внешним убранством, чтобы служить городу

                     

                                                                                16

украшением, и сверх того дом для публичных маскарадов, комедий и опер комических… До постройки дозволить ему театральные представления в том же доме, где они были».

    П. В. Урусов взял себе в компаньоны известного театрального предпринимателя Михаила Маддокса, человека сыгравшего значительную роль в создании самого раннего предшественника здания Большого театра. Менкол Медокс (Михаил Маддокс), англичанин по происхождению, являлся искусным механиком, декоратором и знатоком сценической техники, дававшим «механические представления». Выполняя обязательства, совладельцы приобрели у князя Лобанова – Ростовского землю на Большой Петровской улице в приходе церкви Спаса в Копиях. До завершения новой постройки спектакли шли в оперном доме на Знаменке, вплоть до 26 февраля 1780 года, когда «от неосторожности нижних служителей» театр был уничтожен пожаром.

    30 декабря 1780 года состоялось открытие Петровского театра. Был показан балет «Волшебная лавка». В то время труппа Большого театра насчитывала в своём творческом составе всего 13 актёров , 9 актрис, 4 танцовщицы, 3 танцора с балетмейстером и 13 музыкантов. К этому времени Маддокс, откупивший привилегию у Урусова, стал единственным владельцем театра. Здание было возведено по проекту архитектора Х.ристиана Ивановича Розберга. В газете «Московские ведомости» писалось: «…по мнению лучших архитекторов и одобрению знатоков театра построено и к совершенному окончанию приведено с такой прочностью и выгодностью, что оными превосходит оно почти все знатные европейские театры»

    Было бы несправедливым не сказать, что хотя Розенбергу не удалось во внешнем облике сооружения передать художественный образ театра, столь ярко выраженный в постройках Бове и Кавоса, в целом 3 – х этажное здание театра Маддокса, его лаконичный объём, со сценой и зрительной частью, перекрытыми единой кровлей, был монументален и ярко констрактировал с окружающей его застройкой. Планировочная структура театра, сцена, планировка зрительного зала базировалась на традициях архитектуры итальянского публичного театра второй половины XVIII века. Петровский театр вмещал несколько более 800 зрителей. В партере Петровского театра имелись сидячие места (10 рядов скамеек). Ложи так называемой итальянской системы, были расположены в нескольких ярусах и полностью изолированы друг от друга сплошными перегородками. 110 лож вмещали около 500 зрителей. Зрительный зал напоминал двор – колодец, ограниченный со всех сторон стенами в которых прорезаны окна. Кулуары театра, фойе и другие обслуживающие зрителя помещения занимали не более половины общей площади здания.

    В 1787 году был пристроен к театру обширный ротондальный зал для маскарадов, имевший 40 метров в диаметре и вмещающий во время маскарадов до 2000 человек. Площадка для танцев с двадцатью четырьмя колоннами была отделена от круговой галереи шириной в 3,5 метра, на которую вели две ступени. Оркестранты размещались

                                                                    

                                                                  17

на верхнем балконе. Стены ротонды, завершённые карнизом с модульонами, были расчленены пилястрами, расположенными соответственно колоннам, и обработаны богатым лепным декором в характере раннего классицизма.

    По осведетельствованию архитекторов театр был опасен в пожарном отношении (в чём они оказались правы).

    Петровский театр 22 октября 1805 года  перед представлением оперы «Днепровская русалка» сгорел.

     «С 1805 по 1823 годы на Петровской Театральной площади стояли каменные обгоревшие стены, в которых обитали хищные птицы, а среди их было болото, в котором водилось много лягушек. В летнее время утром и вечером оттуда на далёкое расстояние были слышны их крики» (из воспоминаний А. П. Глушковского – балетмейстера Петровского театра) Но, несмотря на отсутствие сценической площадки, труппа театра продолжала свою деятельность. В течение трёх лет ей пришлось вести кочевой образ жизни, давая спектакли в домашних театрах дворцов московской знати. Только в 1808  году театр получил постоянное пристанище: на Арбатской площади было выстроено деревянное на каменном фундаменте здание, вмещающее до 3 – х тысяч зрителей.

Автором его был знаменитый впоследствии, а в то время ещё совсем молодой архитектор Карл Росси, мастер, чьи зрелые постройки отличались пространственным размахом и умелой скульптурной декорировкой. Арбатский театр просуществовал всего четыре года, так как сгорел при вторжении в Москву наполеоновской армии. Отечественная война 1812 года ещё на десятилетие отодвинула сооружение здания для одного из самых лучших театров страны, располагавшего к этому времени сильным составом исполнителей. После изгнания наполеоновских войск из Москвы театр начал функционировать в доме Апраксина на Знамёнке (ныне улица Фрунзе), вмещавшем в трёх ярусах лож, креслах, местах за креслами партере и галерее 1200 зрителей.

    В 1818 году спектакли возобновились в доме обер – гофмаршала Пашкова и в Манеже на Моховой.

Проектирование Театральной (Петровской)  площади началось в 1813 году. В мае 1816 году проект перепланировки Москвы был утверждён Александром I. По замыслу Бове композиционным центром площади являлось стоящее в глубине здание Большого театра. Московский военный генерал – губернатор Д. В. Голицин 18 апреля 1820 года обратился к президенту Академии художеств А. И. Оленину с просьбой выполнить проект театра силами Санкт – Петербургской академии. Был объявлен конкурс, в котором приняли

участие профессора академии Андрей Михайлов, его младший брат Александр Михайлов, Мельников и академик Беретти. Победитель конкурса Андрей Михайлов (старший), решил здание в виде лаконичного по формам двухъярусного объёма, украсив его

    

18                                                                                                      18

                  должен был вмещать около трёх тысяч зрителей, располагавшихся в партере , ложах и на балконе, вынесенном из плоскости ярусов и поддерживаемом кронштейнами.

                       От проекта до законченной постройки «дистанция огромного размера», и если бы не огромный опыт, талант, высокий художественный вкус и мастерство Бове, лучшего московского зодчего эпохи позднего классицизма, едва ли интересная композиция Михайлова получила бы столь совершенное воплощение. Оба мастера внесли большой вклад в сооружение здания, много лет служившего украшением столицы и являющегося основой и прототипом ныне существующего здания Большого театра.            

                     Большой Петровский театр принял первых зрителей 6 января 1825 года специально написанным прологом «торжество муз» и балетом «Сандрильона». Здание произвело на москвичей ошеломляющее впечатление, о чём мы можем судить по многочисленным высказываниям в печати.          

                     Ранним мартовским утром 1853 года Большой Петровский театр постигла судьба его предшественника. В здании вспыхнул пожар, длившийся три дня с такой силой, что растопился снег на площади. От здания сохранились полуобгоревшие стены и колонны портика. В огне и под завалами погибли декорации, огромное количество костюмов, нотная библиотека – всё, что составляло основу жизни театра.

                     Снова на восстановление здания был объявлен конкурс. В нём приняли участие зодчие К. Тон, А. Никитин и А. Кавос. Победителем оказался архитектор Альберт Кавос. Академик Петербургской академии художеств Альберт Катеринович Кавос (1801 – 1863) родился в семье композитора и дирижёра, «директора музыки» императорских театров Катерино Альбертовича Кавоса.

                     Проект Большого театра Кавоса был представлен на рассмотрение и утверждён 14 мая 1855 года. Архитектор не задавался целью подлинной реставрации сгоревшего здания и был намерен, использовав уцелевшие от пожара основные конструкции Большого Петровского театра, внести в театр ряд существенных изменений, функциональных и художественных. Улучшению акустических свойств способствовала оригинальная конструкция  и облицовка деревом каменных стен. «Вся театральная зала представляет теперь нечто вроде громадного инструмента, сделанного по всем правилам музыкальной акустики. Овал боков зрительного зала обложен сверху до низу деревянной панелью, на два пальца отстоящей от каменной стены,  округлый потолок зала, тоже деревянный, сделан совершенно так, как делаются гитары: он составлен из маленьких кусочков дерева. Вследствие такого устройства, чрезвычайно умно придуманного, малейший звук, произносимый на сцене, ясно слышен в самых отдалённых уголках зала». Акустика Большого театра со временем улучшается, так как дерево высыхает. И сегодня по акустическим свойствам здание является одним из лучших в мире. Печальная участь двух предшественников Большого театра: первый из них просуществовал всего 25 лет, второй немногим больше – убедили Кавоса в необходимости уделить особое внимание противопожарным мероприятиям. Сам Кавос об архитектуре зала писал следующее: «Я постарался украсить зрительный зал как можно более пышно, и в то же время по возможности легко, во вкусе ренессанса, смешанном с византийским стилем. Белый цвет, усыпанные золотом ярко малиновые драпировки внутренности лож,

                                                                                            19

различные на каждом этаже штукатурные арабески, и основной эффект зрительного зала большая люстра из трёх рядов светильников и украшенных хрусталём канделябров – всё это заслужило всеобщее одобрение». Шестиярусный зал Большого театра вмещает более 2000 зрителей. При реконструкции изменился и внешний облик Большого театра. Здание было увеличено по высоте (по сравнению с сгоревшим сооружением) на 2 метра, что позволило разместить в габаритах надстройки обширный декорационный зал.

    Первый спектакль в восстановленном здании – опера Беллини «Пуритане» - состоялся 20 августа 1856 года. С открытием спешили, желая приурочить его к коронации Александра II, и восстановительные работы были проведены в течение всего 16 месяцев. Эта спешка и недостаток отпущенных средств дали о себе знать с первых же дней функционирования Большого театра. В 1890 году в наружных и внутренних стенах Большого театра появились трещины. В 1894 году начались работы по подводке фундаментов под наружные стены и по извлечению прогнивших остатков свай. Сложность работ заставила прекратить спектакли на целый год. После подводки фундаментов под наружные и внутренние стены появление в них трещин прекратилось. Исключение составляли стена зрительного зала и своды коридоров ярусов. Здесь деформации не только не прекратились, но с каждым годом усиливались. В 1902 году во время спектакля произошла значительная осадка стены зрительного зала. Двери в ложи, расположенные в середине, заклинило, публика в антракте не могла выйти, а по окончанию спектакля вынуждена была перебираться через перегородки в крайние к сцене ложи. Но, несмотря на это, никаких серьёзных мер по укреплению здания не применялось.              

                     После установления Советской власти Большой театр в переходит в ведение                                                                         .   Народного комиссариата по просвещению. Началась новая эра в жизни крупнейшего .…театра страны. С первых дней становления Советской власти здание Большого театра     …становится также местом проведения важнейших политических мероприятий. …Состоялось более 30 выступлений Владимира Ильича Ленина.  

                     30 декабря 1922 года в Большом театре на Первом Всесоюзном съезде Советов было провозглашено образование Союза Советских Социалистических республик. В первые годы после Великой Октябрьской социалистической революции театр играл огромную культурно – воспитательную роль. Задачей театра была задача сохранить ценное в репертуаре и создать новые современные спектакли. Директором Большого театра был назначен известный певец Л. В. Собинов. В Большом театре шла напряжённая творческая работа, возобновлялись спектакли, в которые вводились молодые исполнители. С 1919 года театр стал называться академическим.

                     Зимой 1919 года на заседании Совнаркома под председательством В. И. Ленина обсуждалось положение с отоплением государственных театров. Доклад делал представитель Малого Совнаркома Галкин. Он говорил, что на данном этапе Большой и Малый театры не нужны рабоче – крестьянской республике, так как в репертуаре их старые «буржуазные» пьесы и оперы вроде «Травиаты», «Кармен» и «Евгения Онегина», и что балет искусство буржуазное, чуждое пролетариату, что его нужно ликвидировать  

                                                                                          20                                                                   

«.              как класс». Решающая роль в деле сохранения Большого театра принадлежит В. И. Ленину.

                     В 1919 – 1922 гг. в условиях продолжавшейся гражданской войны, несмотря на хозяйственную разруху и тяжёлое экономическое положение страны, мероприятия по сохранению Большого театра и улучшению условий его деятельности уделялось значительное внимание. В 1921 году была создана специальная комиссия, обследовавшая здание Большого театра и выявившая катастрофическое состояние полукольцевой стены зрительного зала, служившей опорой для сводов коридоров ярусов и основных конструкций зрительного зала. Покоящаяся на слабом фундаменте, она не выдержала веса конструкции зала и коридоров и дала трещины по всей высоте шести ярусов. Своды разрушились настолько, что из них начали выпадать кирпичи. Деформация конструкций вызвали перекос барьеров лож, полы лож наклонились. Опасность полного разрушения зрительного зала была настолько очевидна, что к противоаварийным работам пришлось приступить незамедлительно. В августе – сентябре 1921 года были разобраны полы обоих коридоров партера и кирпичные своды заменены сводчатыми перекрытиями из железобетона. Укрепление оснований под кольцевыми стенами зрительного зала велось непрерывно в течение двух лет. Работа была организована таким образом, что не нарушала деятельности театра, ежедневно наполнявшегося более чем двумя тысячами зрителей, создававшими огромную динамическую нагрузку. Посетители спектаклей не подозревали о ведущейся круглосуточно с большим напряжением и риском для жизни строителей работе. К числу важнейших мероприятий следует отнести изготовление и монтаж противопожарного занавеса в 1926 году. Зрительная часть театра могла быть изолирована от сцены в течение нескольких секунд.                                                          

                     В 1930 – х годах в театре почти непрерывно велись работы по улучшению его планировки и укреплению конструкций. В не законченных Кавосом помещениях были созданы репетиционные залы и артистические уборные. Одновременно велись работы и по усовершенствованию сцены. Капитальная её реконструкция была завершена в 1938 году. Во время реконструкции сцены, показ спектаклей прекратили почти на полгода. Одновременно сцена была оснащена новейшей для того времени техникой, механизмами для подъёма декораций, софитами, лифтами. Усовершенствования, значительно облегчив труд технического персонала, намного расширили возможности режиссёров и художников, способствовали яркой зрелищности увидевших в эти годы свет рампы спектаклей.

                     15 апреля 1941 года Большой театр прекратил спектакли вследствие необходимости проведения срочных ремонтных работ. Начавшаяся через два месяца Великая Отечественная война не остановила их выполнение, лишь изменила очерёдность. В октябре коллектив Большого театра был эвакуирован в Куйбышев. Оставшаяся в Москве часть труппы продолжала работать в филиале. Спектакли шли в дневное время и зачастую прерывались воздушными тревогами. Однако театр всегда был полон. Зрители,в основном фронтовики, оказавшиеся на короткое время в столице, горячо принимали классические оперы и балеты. 28 октября в 4 часа дня на здание Большого

                                                                                      -21-                                                                                                                         

атра         театра с фашистского самолёта была сброшена фугасная бомба, пробившая фасадную стену и разорвавшаяся в вестибюле. Взрывной волной были разрушены все лепные декоративные детали главного фасада. От стоявших в нишах скульптур муз остались лишь осколки. Перекрытие вестибюля обрушилось, повредив полы, были сорваны дубовые входные двери и почти все оконные заполнения на главном фасаде и частично на боковых. Здание Большого театра замаскировали и продолжали восстановительные работы, несмотря на то, что температура понизилась до нулевой отметки, а в вестибюле до –10°С. несмотря на трудности военного времени, на отсутствие многих необходимых для реставрации материалов, была произведена позолота орнаментального декора зрительного зала. Полностью были восстановлены и фасады театра. Театр залечил нанесённые войной раны и в сентябре 1943 года открыл сезон оперой «Иван Сусанин», патриотическая тема которой с особой силой прозвучала для зрителей, заполнявших в эти дни возрождённое к жизни здание.   

                     В 1955 году был изготовлен новый занавес, заменивший прежний, изготовленный в1935 году по эскиз народного художника СССР, Ф. Ф. Федоровского с вкомпонованными в орнамент многократно повторяющими историко – революционными датами 1971, 1905, 1917.  на полотнищах нового раздвижного занавеса изображён стяг с надписью «СССР»  

                     Зрителям спектаклей предоставлена возможность ознакомиться в антрактах с материалами по истории лучшего музыкального театра страны. Его возникновение с расцветом русской культуры во 2 – ой половине 18 века, с появлением и развитием профессионального театра. Труппа начала формироваться в 1776 году, когда московский меценат князь Урусов и антрепренёр М. Медокс получили правительственную привилегию на развитие театрального дела. Спектакли давались в доме Р. И. Воронцова на Знамёнке. В 1870 году Медокс построил в Москве на углу улицы Петровки театральное здание, которое стало именоваться Петровским театром. Здесь шли драматические, оперные и балетные спектакли. Это был первый постоянный профессиональный театр в Москве. Его балетная труппа вскоре пополнилась воспитанниками балетной школы московского воспитательного дома (существовала с 1773 года), а затем крепостными актёрами труппы Е. А. Головкиной. Первый балетный спектакль  - «Волшебная лавка» (1780 года, балетмейстер Парадиз). За ним последовали: «Торжество приятностей женского пола», «Притворная смерть Арлекина, или Обманутый Панталон», «Глухая хозяйка» и «Притворная злость любви» - все постановки балетмейстера Ф. Морелли (1782 года); «Деревенские утренние увеселения при пробуждении солнца» (1796 год) – балетмейстер П. Пинюччи; «Медея и Язон» (1800 год, по Ж. Ж. Новеру), «Туалет Венеры» (1802 год) и «Мщение за смерть Агамемнона» (1805 год) балетмейстер Д. Соломони, и другие. Эти спектакли были основаны на принципах классицизма, в комических балетах  («Обманутый мельник», 1973; «Купидоновы обманы», 1795 год) начали проявляться черты сентиментализма. Из танцовщиков труппы выделялись Г. И. Райков, А. М. Собакина и другие.

                     В 1805 году здание Петровского театра сгорело. В 1806 году труппа перешла в ведение Дирекции Императорских театров, играла в различных помещениях.  Её состав     

                                                                                   -22-

                пополнился, были поставлены новые балеты: «Гишпанские вечера» (1809 год), «Школа Пьеро», «Алжирцы, или Побеждённые морские разбойники», «Зефир, или Ветреник, сделавшийся постоянным» (все поставлены в 1812 году), «Семик, или Гулянье в Марьиной роще» (на музыку С. И. Давыдова, 1815 году)  - все постановки И. М. Аблецом; «Новая героиня, или Женщина – казак» (1811году), «Праздник в стане союзных армий на Монмартре (1814 год) – оба на музыку Кавоса, балетмейстер И. И. Вальберх; «Гулянье на Воробьёвых горах» (1815 год), «торжество россиян, или Бивак под Красным» (1816 год) – оба на музыку  Давыдова, балетмейстер А. П. Глушковский; «Казаки на Рейне» (1817 год), «Невское гулянье» (1818 год), «Старинные игрища, или Святочный вечер» (1823 год) – все на музыку Шольца, балетмейстер А. П. Глушковский; «Русские качели на берегах Рейна» (1818 год), «Цыганский табор» (1819 год). «Гулянье в Петровском» (1824 году) – все балетмейстеры И.К. Лобанов. Большинство этих спектаклей представляло собой дивертисменты с широким использованием народных обрядов и характерного танца. Особенно важное значение имели спектакли, посвященные событиям Отечественной войны 1812 года, - первые в истории московской сцены балеты на современную тему. В 1821 году Глушковский создал первый балет по произведению А. С. Пушкина («Руслан и Людмила» на музыку Шольца).                   

                     В 1825 году прологом «Торжество муз». Поставленным Ф. Гюллень – Сор, начались спектакли в новом здании Большого театра (архитектор Бове). Ею же были поставлены балеты «Фенелла» на музыку одноимённой оперы Обера (1836года), «Мальчик- с-  пальчик» («Хитрый мальчик и людоед) Варламова и Гурьянова (1837 год) и другие. В балетной труппе этого времени выделялись  Т. И. Глушковская, Д. С. Лопухина, А. И. Воронина – Иванова, Т. С. Карпакова, К. Ф. Богданов и другие. В 1840 – е  года на балет Большого театра определяющее влияние оказывали принципы романтизма (деятельность Ф. Тальони и Ж. Перро в Петербурге, гастроли М. Тальони, Ф. Эльслер и др.). Выдающиеся танцовщики этого направления – Е. А. Санковская, И. Н. Никитин.        

                     Большое значение для формирования реалистических принципов сценического искусства имели постановки в Большом театре опер «Иван Сусанин» (1842 года ) и «Руслан и Людмила» (1846 года) М. Глинки, содержавшие развёрнутые хореографические сцены, которые играли важную драматургическую роль. Эти идейно – художественные принципы были продолжены в «Русалке» Даргомыжского (1859, 1865 годы), «Юдифи» Серова (1865 года), а затем в постановках опер П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки». В большинстве случаев танцы в операх ставил Ф. Н. Манохин.

                     В 1853 году пожар уничтожил все внутренние помещения Большого театра. Здание восстановлено в 1856 году архитектором А. К. Кавосом .

                     Во второй половине 19 века балет Большого театра значительно уступал петербургскому (здесь не было ни такого талантливого руководителя, как М. И. Петипа, ни таких же благоприятных материальных условий для развития). Огромным успехом пользовался «Крнёк – Горбунок» Пуньи, поставленным Артуром Сен – Леоном в Петербурге и перенесённый в Большой театр в 1866 году; в этом проявилось давнее

                                                                                         -23-

                тяготение московского балета к жанровости, комедийности, бытовой и национальной характерности. Но оригинальных спектаклей создавалось мало. Ряд постановок К. Блазиса («Пигмалион», «Два дня в Венеции») и С. П. Соколова («Папоротни, или Ночь под Ивана Купала», 1867 года) свидетельствовали о некотором спаде творческих принципов театра. Значительным событием стал лишь спектакль «Дон – Кихот» (1869 год), поставленный на московской сцене М. И. Петипа. Углубление кризиса было связано с деятельностью приглашённых из – за границы балетмейстеров В. Рейзингера («Волшебный башмачок», 1871 год; «Кащей», 1873 год; «Стелла», 1875 год)  и И. Хансена («Дева ада», 1879 года). Неудачной оказалась и постановка «Лебединого озера» Рейзингером (1877 года) и Хансеном (1880 года), которые не сумели понять новаторскую сущность музыки Чайковского. В этот период в труппе были сильные исполнители: П. П. Лебедева, О. Н. Николаева, А. И. Собещанская, П. М. Карпакова, С. П. Соколов, В. Ф. Гельцер, позднее – Л. Н. Гейтен, Л. А. Рославлева, А. А. Джури, А. Н. Богданов, В. Е. Поливанов, И. Н. Хлюстин и другие; работали талантливые мимические актёры – Ф. А. Рейсгаузен и В. Ваннер, из поколения в поколение передавались лучшие традиции в семьях Манохиных, Домашовых, Ермоловых. Проведённая в 1882 году Дирекцией императорских театров реформа привела к сокращению балетной труппы и усугубила кризис (особенно проявился в постановках Х. Мендоса – «Индия», 1890 год; «Даита» 1896 год и другие).  

                     Застой и рутина были преодолены лишь с приходом балетмейстера А. А. Горского, деятельность которого (1899 – 1924 годы) ознаменовала в развитии балета Большого театра целую эпоху. Горский стремился освободить балет от дурной условности и штампов. Обогащая балет достижениями современного драматического театра и изобразительного искусства, он осуществил новые постановки «Дон – Кихота» (1900 год), «Лебединое озеро» (1901, 1912 годы) и другие балеты М. Петипа, создал мимодраму «Дочь Гудулы» Симона (по «Собору Парижской богоматери» В Гюго, 1902 год), балет «Саламбо» Арендса (по одноимённому роману Г. Флобера, 1910 года) и другие. К стремлению драматической полноценности балетного спектакля Горский иногда преувеличивал роль сценария и пантомимы, порой недооценивал музыку и действенный симфонический танец. Вместе с тем Горский явился одним из первых  постановщиков балетов на симфоническую музыку, не предназначенную для танца: «Любовь быстра!» на музыку Грига, «Шубертиана» на музыку Шуберта, дивертисмент «Карнавал» на музыку различных композиторов – все поставлены в 1913 году, «Пятая симфония» (1916 году) и «Стенька Разин» (1918 год) на музыку Глазунова. В спектаклях Горского наиболее полно раскрылось дарование Е. В. Гельцер, С. В. Фёдоровой, А. М. Балашовой, В. А. Коралли, М. Р. Рейзен, В. В. Кригер, В. Д. Тихомирова, М. М. Мордкина, В. А. Рябцева, А. Е. Волинина, Л. А. Жукова, И. Е. Сидорова и других.

                     В конце 19 начала 20 веков балетными спектаклями Большого театра дирижировали И. К. Альтани, В. И. Сук, А. Ф. Арендс, Э. А. Купер, в оформлении спектаклей участвовали театральный декоратор К. Ф. Вальц, художники К. А. Коровин, А. Я. Головин и другие.

                     Великая Октябрьская социалистическая революция открыла перед Большим театром

                                                                                         -24-

                новые пути и определила его расцвет как ведущего оперно – балетного коллектива в художественной жизни страны. В годы гражданской войны труппа театра, благодаря вниманию Советского государства, была сохранена. В 1919 году Большой театр вошёл в группу академических театров. В 1921 – 1922 годах спектакли Большого театра давались также в помещении Нового театра. В 1924 году открылся филиал Большого театра (работал до 1959 года). Перед балетной труппой с первых лет Советской власти встала одна из важнейших творческих задач – сохранить классическое наследие, донестиего до нового зрителя. В 1919 году впервые в Москве был поставлен «Щелкунчик» (балетмейстер Горский), затем – новые постановки «Лебединого озера» (Горский, при участии В. И. Немировича – Данченко,1920 год), «Жизели» (Горский 1922 год), «Эсмеральды (В. Д. Тихомиров, 1926 год). «Спящей красавицы» (А. М. Мессерер и А. И. Чекрыгин, 1936 год) и другие. Наряду с этим Большой театр стремился к созданию новых балетов – ставились одноактные произведения на симфоническую музыку («Испанское капричио» и «Шехерезада», балетмейстер Л. А. Жуков, 1923 год и другие), делались первые эксперименты по воплощению современной темы (детский балет  - феерия «Вечно живые цветы» на музыку Асафьева и другие., балетмейстер Горский, 1922 год; аллегорический балет «Смерч» Бера, балетмейстер К. Я. Голейзовский, 1927 год), развитию хореографического языка («Иосиф Прекрасный» Василенко, балетмейстер Голейзовский,1925 год; «Футболист» Оранского, балетмейстер Л. А. Лащилин и И. А. Моисеев, 1930 год и другие). Этапное значение приолбрёл спектакль «Красный мак» (балетмейстер Тихомиров и Л. А. Лащилин, 1927 год), в котором реалистическое раскрытие современной темы было основано на претворении и обновлении классических традиций. Творческие поиски театра были неотделимы от деятельности артистов – Е. В. Гельцер, М. П. Кандауровой, В. В. Кригер, М. Р. Рейзен, А. И. Абрамовой, В. В. Кудрявцевой, Н. Б. Подгорецкой, Л. М. Банк, Е. М. Ильющенко, В. Д. Тихомирова, В. А. Рябцева, В. В. Смольцова, Н. И. Тарасова, В. И. Цаплина, Л. А. Жукова и других.      

                     1930 - е годы в развитии балета Большого театра ознаменовались крупными успехами в воплощении историко – революционной темы ( «Пламя Парижа»  балетмейстер В. И. Вайнонен, 1933 год) и образов литературной классики («Бахчисарайский фонтан», балетмейстер Р. В. Захаров, 1936 год).  В балете восторжествовалонаправление, приближающее его к литературе и драматическому театру. Повысилось значение режиссуры и актёрского мастерства. Спектакли отличались драматургической целостностью развития действия, психологической разработкой характеров. В 1936 – 39 годах балетную труппу возглавлял Р. В. Захаров, работавший в Большом театре в качестве балетмейстера и оперного режиссёра до 1956 года. Были созданы спектакли на современную тему – «Аистёнок» (1937 год) и «Светлана» (1939 год) Клебанова (оба – балетмейстеры А. И. Радунский, Н. М. Попко и Л. А. Поспехин), а также «Кавказкий пленник» Асафьего (по А. С. Пушкину, 1938 год) и «Тарас Бульба» Соловьёва – Седого (по Н. В. Гоголю, 1941, оба  - балетмейстер Р. В. Захаров), «Три толстяка» Оранского (по Ю. К. Олёше, 1935 года, балетмейстер И. А. Моисеев) и другие. В эти годы в Большом

                                                                                     -25-

т               театре расцвело искусство М. Семёновой, О. В. Лепешинской, А. Н. Ермолаева,  М. М. Габовича, А. М. Мессерера, началась деятельность С. Н. Головкиной, М. С. Боголюбской, И. В. Тихомирновой, В. А. Преображенского, Ю. Г. Кондратова,  С. Г. Кореня и других. В оформлении балетных спектаклей участвовали художники В. В. Дмитриев, П. В. Вильямс, высокого дирижёрского мастерства достиг в балете Ю. Ф. Файер.       

                     Во время Великой Отечественной войны Большой театр был эвакуирован в Куйбышев, но часть труппы оставшаяся в Москве (возглавлялась М. М. Габовичем), вскоре возобновила спектакли в филиале театра. Наряду с показом старого репертуара был создан новый спектакль «Алые паруса» Юровского (балетмейстеры А. И. Радунский, Н. М. Попко, Л. А. Поспехин), поставлен в 1942 году в Куйбышеве,а в 1943 году перенесённый на сцену Большого театра. Бригады артистов неоднократно выезжали на фронт.  

                     В 1944 – 64 (с перерывами) балетную труппу возглавлял Л. М. Лавровский, Были поставлены: «Золушка» (Р. В, Захаров, 1945год), «Ромео и Джульетта» (Л. М. Лавровский, 1946 год), «Мирандолина» (В. И. Вайнонен, 1949 год), «Медный всадник» (Р. В. Захаров, 1949 год), «Красный мак» (Лавровский, 1949 год), «Шурале» (Л. В. Якобсона, 1955 год), «Лауренсия» (В. М. Чабукиани, 1956 год) и другие. Неодгократно обращался Большой театр и к возобновлению классики – «Жизель» (1944 год) и «Раймонда» (1945 год) в постановке Лавровского и др. в послевоенные годы гордостью сцены Большого театра стало искусство Г. С. Улановой, танцевальные образы которой покоряли своей лирико – психологической выразительностью. Выросло новое поколение артистов; среди них М. М. Плисецкая, Р. С. Стручкова, М. В. Кондратьева, Л. И. Богомолова, Р. К. Карельская, Н. В. Тимофеева, Ю. Т. Жданов, Г. Т. Фарманянц, В. А. Левашов, Н. Б. Фадеечев, Я. Д. Сех, и другие.   

                    В середине 1950 годах в постановках Большого театра стали ощутимы отрицательные последствия увлечения балетмейстеров односторонней драматизацией балетного спектакля (бытовизм, преобладание пантомимы, недооценка роли действенного танца), что особенно сказалось в спектаклях «Сказ о каменном цветке» Прокофьева (Лавровский,1954 год), «Гаяне» (Вайнонен, 1957 год), «»Спартак» (И. А. Моисеев, 1958 год).

Тттт              Новый период начался с конца 50 – х годов. В репертуар театра  были включены этапные для советского балетного спектакля  Ю. Н. Григороча – «Каменный цветок» (1959 год) и «Легенда о любви» (1965 год). В постановке Большого театра расширился круг образов и идейно – нравственных проблем, возросла роль танцевального начала, более разнообразными стали формы драматургии, обогатилась хореографическая лексика, стали проводиться интересные поиски в воплощении современной темы. Это проявилось в постановках балетмейстеров: Н. Д. Касаткиной и В. Ю. Василёва – «Ванина Ванини» (1962 год) и «Геологи» («Героическая поэма»,1964 год) Каретникова; О.Г. Тарасовой и А. А. Лапаури – «Подпоручик Киже» на музыку С. Прокофьва (1963 год); К. Я Голейзовского – «Лейли и меджнун» Баласаняна (1964 год); Лавровского – «Паганини» на музыку Рахманинова (1960 год) и «Ночной город» на музыку «Чудесного                 

                                                                                          -26-

                мандарина» Бартока (1961 года).        

                     В 1961 году Большой театр получил новую сценическую площадку – Кремлёвский Дворец съездов, что способствовало более широкой деятельности балетной труппы. Наряду со зрелыми мастерами  - Плисецкой, Стручковой, Тимофеевой, Фадеечевым и другими – ведущее положение заняла талантливая молодёжь, пришедшая в Большой театр на рубеже 50 – 60 годов: Е. С. Максимова, Н. И. Бессмернова, Н. И. Сорокина, Е. Л. Рябинкина, С. Д. Адырхаева, В. В. Васильев, М. Э. Лиепа, М. Л. Лавровский, Ю. В. Владимиров, В. П. Тихонов и другие.

                     С 1964 года главный балетмейстер Большого театра – Юрий Николаевич Григорович, закрепивший и развивший прогрессивные тенденции в деятельности балетной труппы. Почти каждый новый спектакль Большого театра отмечен интересными творческими поисками. Они проявились в «Весне священной» (балетмейстеры Касаткина и Василёв, 1965 год), «Кармен – сюита» Бизе – Щедрин (балетмейстер Альберто Алонсо, 1967 год), «Асели» Власова (балетмейстер О. М. Виноградов, 1967 год), «Икаре» Слонимского (В. В. Васильев, 1971год), «Анне Карениной» Щедрина (балетмейстер М, М. Плисецкая, Н. И. Рыженко, В. В. Смирнов – Голованов, 1972 год), «Любовью за любовь» Хренникова (В. Боккадоро, 1976 год), «Чипполино» К. Хачатуряна (балетмейстер Г. Майоров, 1977), «Эти чарующие звуки…»на музыку Корелли, Торелли, Рамо, Моцарта (балетмейстер В. В. Васильев, 1978 год), «Гусарская балада» Хренникова (балетмейстер О. М, Виноградов и Д. А. Брянцев), «Чайка» Щедрина (М. М. Плисецкая, 1980 год), «Макбет» Молчанова (балетмейстер В. В. Васильев, 1980 год) и другие. Выдающееся значение в развитии советского балета приобрёл спектакль «Спартак» (балетмейстера Ю. Н. Григоровича,1968 года; Ленинская премия 1970 год). Григоровичем поставлены балеты на темы русской истории («Иван Грозный» на музыку Прокофьева в оранжировке М. И. Чулаки,1975 год) и современности («Ангара» Эшпая, 1976 год), синтезировавшее и обобщившие творческие поиски предшествующих периодов в развитии советского балета. Спектаклям Григоровича свойственны идейно – философская глубина, богатство хореографических форм и лексики, драматургическая целостность, широкое развитие действенного симфонического танца. В свете новых творческих принципов Григоровичем были осуществлены и постановки классического наследия: «Спящая красавица» (1963, и 1973 годы), «Щелкунчик» (1966 года), «Лебединое озеро» (1969 года). В них достигнуто более глубокое прочтение идейно – образных концепций музыки П. И. Чайковского («Щелкунчик» целиком поставлен заново, в других спектаклях сохранена основная хореография М. И. Петипа и Л. И. Иванова и в соответствии с нею решено художественное целое).     

                     Балетными спектаклями Большого театра дирижировали Г. Н. Рождественский, А. М. Жюрайтис, А. А. Копылов, Ф. Ш. Рындин, Э. Г. Стенберг, А. Д. Гончаров, Б. А. Мессерер, В. Я. Левенталь и другие. Художник всех спектаклей , поставленных Григоровичем, - С. Б. Вирсаладзе. В балетной труппе (на 1 сентября 1980 года) 246 человек; в их числе – народных артистов СССР Н. И. Бессмертнова, Е, С. Максимова, М. М. Плисецкая, Н. В. Тимофеева, В. В. Васильев, М. Л. Лавровский, М. Э Лиепа; народные артисты РСФСР С. Д. Адырхаева, Н. И. Сорокина, Ю . К. Владимиров,     

                                                                                                               -27-

                  народный артист Северо –Осетинской АССР А. Г. Закалинский, заслуженный артист РСФСР Б. Б. Акимов, В. Л. Антонов, А. Ю. Богатырёв, М. М. Габович, Т. Н. Голикова, В. М. Гордеев, М. К. Леонова (Григорьева), Г. В. Козлова,  В. С. Лагунов, Н. В. Павлова, Ю. В. Папко, С. Н. Радченко, Е. Л. Рябинкина, Л. И. Семеняка; заслуженные артисты УССР Н. Л. Семизорова, артисты И. С. Прокофьева, А. А. Михальченко, И. Н. Пяткина, В. В. Анисимов, Б. Е. Барановский, В. Н. Барыкин, Ю. Ю. Ветров, В. С. Ворохобко, В. И. Деревянко, А. Ю. Кондратов, А. Л. Лазарев, В. В. Романенко, М. Л. Цивин и другие. Балетмейстеры  - репетиторы народная артистка СССР Г. С. Уланова, Р. С. Стручкова, М. В. Кондратьева, народные артисты РСФСР Р. К. Карельская, Г. Б. Ситников, В. Л. Никонов, заслуженный деятель искусств РСФСР Л. А. Поспехин, Н. Р. Симачёв. Педагоги балета – народный артист СССР А. М. Мессерер, народный артист РСФСР Ш. Х. Ягудин, заслуженный артист РСФСР М. Н. Самохвалова (Володина), Г. П. Петрова. Педагоги- репетиторы по работе с солистами – народная артистка СССР М. Т. Семёнова, Н. Б. Фадеечев, Народный артист РСФСР В. А. Левашов. Балетмейстеры производственной практики – заслуженная артистка РСФСР Т. П. Ветрова, заслуженная  деятель искусств РСФСР Е. Г. Чикваидзе.   

                     Искусство балета Большого театра выражает гуманистическую сущность и высоту художественной культуры. Оно оказывает влияние на творчество хореографов многих стран, восторженно принимается во всём мире. Балетная труппа Большого театра гастролировала по Советскому Союзу и за рубежом: в Австралии (1959, 1970, 1976 годах), Австрии (1959, 1973 годах), Аргентине (1978 году), АРЕ (1958, 1961годах), Великобритании (1956, 1960, 1963, 1965,1969, 1974 годах), Бельгии (1958, 1977 годах),  Болгарии ( 1964 году), Бразилии 91978 году), Венгрии (1961, 1965, 1979 годах), ГДР (1954, 1955, 1956, 1958 годах), Греции (1963, 1977, 1979 годах), Дании (1960 году), Италии (1970, 1977 годах), Канаде (1959, 1972, 1979 годах), Кубе (1966 году), Китае (1959 году), Ливане (1971 году), Мексике (1961, 1973, 1974, 1976 годах), Монголии (1959 году), Польше (1949, 1960, 1980 годах), Румынии (1964 году), Сирии (1971 году), США                                          

                ( 1959, 1962, 1963, 1966, 1968, 1973, 1974, 1975, 1979 годах), Тунисе (1976 году), Турции                                                                                       (                (1960 году), Филиппинах (1976 году), Финляндии (1957, 1958 годах), Франции (1954,                                                       ,                1958, 1971, 1972, 1973, 1977, 1979 годах), Чехословакии (1959, 1975 годах), Швейцарии                                                                          1                (1964 году), Югославии (1965, 1979 годах), Японии (1957, 1961, 1970, 1973, 1975, 1978, 1980         годах).

                       В здании Большого театра отмечаются значительные события общественно – политической жизни, юбилеи выдающихся деятелей культуры прошлого. Здесь не раз выступал В. И. Ленин, происходили партийные съезды, торжественные заседания, посвященные празднованию годовщин Великой Октябрьской социалистической революции.     

                                                     Список балетов Большого театра

                                                       (в скобках фамилии балетмейстеров)

                  1918. «Раймонда» (Горский возобновил); «Стенька Разин» на муз. Глазунова (Горский).                                                                                                                                                                                                                                                                                        

  1.  «Щелкунчик» (Горский)  
  2.  «Лебединое озеро» (Горский)

                                                 –28-

  1.  «Петрушка» (Рябцев); «Танец Саломеи» на музыку Штрауса (Горский), «Воинственный танец» на музыку Равеля (Рябцев), «Волшебное зеркало» Корещенко (Горский возобновил)
  2.  «Жизель» (горский возобновил) «Лебединое озеро» (Горский возобновил) «Увника и Петроний» на музыку Шопена (Горский возобновил), «Безделушки» Моцарта (Горский ), «Вечно живые цветы» на музыку Асафьева и других (Горский).
  3.  «Баядерка» Минкуса, в новом переложении Асафьева (Горский, Тихомиров), «Грот Венеры», балетные сцены из оперы «Тайгейзер» Вагнера (Горский), «Испанское капричио» на музыку Римского – Корсакова (Жуков), «Шахерезада» (Жуков),
  4.  «Фея кукол» (Жуков, спектакль Хореографического училища); «Карнавал» на сборную музыку (Рябцев), «Спящая красавица» (Тихомиров по Петипа); «Миллионы Арлекина» Дриго (Рябцев), «Коппелия» (Горский).
  5.  «Сильфида» (2 – ой акт) Шнейцхоффера (Тихомиров по Ф. Тальони), «Теолинда» на музыку Шуберта (Голейзовсий), «Иосиф Прекрасный» (Голейзовский).
  6.  «Эсмеральда» (Тихомиров, по Петипа).
  7.  «Красный мак» (Тихомиров, Лащилин); «Смерч» Бера (Голейзовский).
  8.  «Карнавал» (отрывок из балета «Нойя») Василенко (Голейзовский)

1930. «Футболист» Оранского (Лащилин, И. А. Моисеев).

1931. «Комедианты» Глиэра (А. И. Чекрыгин).

1932. «Шопениана (Чекрыгин, по Фокину), «Щелкунчик» (Чекрыгин и Монахов, по          .          Горскому), «Саламбо» (Моисеев), «Тщетная предосторожность» (Долинская, по      .          Горскому).

1933. «Пламя Парижа» (Вайнонен), «Раймонда» (Долинская , по Горскому); «Дионис»   .     .          Шеншена, «Шопен» Рогаль – Левицкого, «Чарда» Бера (всё – Голейзовского)

1934. «Жизель» (Монахов, по Петипа).

1935. «Три толстяка» Оранского (И. А. Моисеев), «Светлый ручей» Шостаковвича (Ф. В.  .          Лопухов).

1936. «Бахчисарайский фонтан» (Захаров), «Спящая красавица» (А. М. Мессерер, А. И.   .              .         Чекрыгин).

1937. «Лебединое озеро» (Мессерер, Долинская, по горскому); «Аистёнок» («Дружные .  .         сердца») Клебанова (Радунский, Попко, Поспехин, выпускной спектакль .            .                 .         Хореографического училища).

1938. «Кавказский пленник» (Захаров).

1939. «Щелкунчик» (Вайнонен); «Светлана « Клебанова (Радунский, Попко, Поспехин).

1940. «Дон – Кихот» (Захаров, по Горскому, с отдельными номерами  Голейзовского).

1941 «Тарас Бульба» Соловьёва – Седого (Захаров).

1942. «Алые паруса» Юровского (Радунский, Попко, Поспехин), «Коппелия»   .   .  .                         .         (Долинская, Жуков, по Горскому), «Шопениана» (Смольцов, по Фокину).

1943. «Тщетная предосторожность» (Мессерер, по Горскому), «Баядерка» (И. В.                               .         Смольцов, по Фокину).

1944. «Жизель» (возобновил Лавровский по Петипа, Коралли, Перро).

                                                                       -29-

1945. «Раймонда» (Лавровский, с фрагментами постановок Петипа и Горского),                  .         «Золушка» (Захаров).

1946. «Шопениана» (Фокин, возобновил Лавровский); «Барышня – крестьянка»                   .          Асафьева (Захаров), «Ромео и Джульетта» (Лавровский); «Снегурочка» на музыку                                   .          Чайковского (В. А. Варковицкий, спектакль Хореографического училища).

1947. «Пламя Парижа» (Вайнонен).

1948. «Конёк – Горбунок» (Никитина, Радунский, Поспехин, по Горскому), «Аистёнок»               .          («Дружные сердца»), новая редакция (Радунский, Попко, Поспехин).

1949. «Мирандолина» (Вайнонен) , «Коппелия» (Долинская, Радунский, по Горскому),

          «Медный всадник» (Захаров), «Красный мак», новая редакция (Лавровский; с 1957 .          название «Красный цветок»).

1952. «Спящая красавица» (Мессерер и Габович), «Фадетта» (Лавровский).

1954. «Сказ о каменном цветке» Прокофьева (Лавровский).

1955. «Шурале» Яруллина (Якобсон).

1956. «Лауренсия» (Чабукиани), «Лебединое озеро» (Мессерер).

1957. «Гаянэ» (Вайнонен), «Красный цветок» (Лавровский).

1958. «Спартак» (И. А. Моисеев), «Шопениана» (Фокин, возобновил Е. Н. Гейденрейх).

1959. «Вечер одноактных балетов» - «Времена года» Глазунова, «Петя и волк» на музыку

         Прокофьва, «Танцевальная сюита» на музыку Шостаовича (Варламов), «Каменный

         Цветок» (Григорович), «Тропою грома» (К. М. Сергеев).

1960. «Крнёк – Горбунок» Щедрина (Радунский), «Паганини» на музыку Рахманинова

         (Лавровский), «Пламя Парижа» (Вайнонен, возобновил).

1961. «Лесная песня» Жуковского (Лапвури, Тарасова), «Ночной город» Бартока ( на

          музыку балета «Чудесный мандарин», Лавровский), «Страницы жизни»

          Баланчивадзе (Лавровский).

1962. «Русские миниатюры» на музыку Алябьева, Глинки, Лядова, Даргомыжского и

          Чайковского (Варковицкий), «Ванина Ванини» Каретникова (Василёв и

           Касаткина), «Скрябиниана» на музыку Скрябина (Голейзовский), «Спартак»

          (Якобсон).

1963. «Подпоручик Киже» Прокофьева (Лапаури, тарасова), «Испанское капричио» на

          музыку Римского – Корсакова (Гонсалес, Камалетдинов), «Спящая красавица»

         (Григорович, по Петипа); «Класс – концерт» на музыку Глазунова, Лядова,

         Ляпунова, Рубенштейна, Шостаковича (музыкальная композиция А. Д. Цейтлина)

         (Мессерер).   

1964. «Героическая поэма» («Геологи») Каретникова (Василёв и Касаткина), «Жар –

        птица» (Фокин, возобновил Власов и Симачёв), «Петрушка» (Фокин,  возобновил

        Боярский); «История солдата» («Сказка о солдате и чёрте) Стравинского (Суве),

        «Лейли и Меджнун» (Голейзовский).

1965. «Легенда о любви» (Григорович), «Весна Священная» (Василёв и Касаткина);

         «Цветик – семицветик» Крылатова (Тарасова, спектакль Хореографического

         училища).

1966. «Щелкунчик» (Григорович), «Вальпургиева ночь» (Лавровский).

                                                                          -30-

1967. «Асель» Власова (Виноградов), «Кармен – сюита» (Альберта Алонса); «Прелюдия»

          на музыку Баха (Василёв и Касаткина), «Видение розы» (Фокин, возобновил

          Лиепа).

1968. «Спартак» (Григорович).

1969. «Лебединое озеро» (Григорович, с использованием фрагментов Иванова и Петипа),

         «Снежная королева», опера – балет Раухвергера (Мессерер).

1971. «Икар» Слонимского (Васильев).

1972. «Анна Каренина» (Плисецкая, Рыженко, Смирнов – Голованов); «Русская сказка»

          на музыку чулаки (Дементьев, спектакль Хореографического училища).

1973. «Озарённость» Пахмутовой (Рыженко, Смирнов – Голованов), «Моцарт и Сальери»

          на музыку Моцарта и Сальери (Боккадоро), «Гибель розы» (фрагмент) на музыку

          Малера (Пти), «Спящая красавица» (Григорович, по Петипа).

1975. «Иван Грозный» (Григорович).

1976. «Любовью за любовь»Хренникова (Боккадоро), «Ангара» Эшпая (Григорович),

         «Икар» Слонимского (Васильев, новая редакция).

1977. «Чипполино» К. Хачатуряна (Майоров), «Калина красная» Светланова (Петров),

          «Подпоручик Киже» (Лапаури, Тарасова, возобновлённый).

1978. «Эти чарующие звуки…» на музыку Корели, Торелли, Рамо, Моцарта (В. В.

          Васильев), «Паганини» (Лавровский),

1979. «Ромео и Джульетта» Прокофьева (Григорович).

1980. «Гусарская баллада» Хренникова (Виноградов и Брянцев), «Чайка» Щедрина

          (Плисецая), «Маккбет» (Васильев).

                                            Список литературы:

1. Московский Большой театр 1825 – 1925 (Сборник стстей и материалов). М., 1925 года

2. Глушковский А. П. Воспоминание балетмейстера, М. – Л., 1940 год.

3. Государственный академический Большой театр Союза ССР сборник статей М., 1947 год.

4. Вальберх И. И. Из архива балетмейстера М.- Л., 1948 год.

5. Шавердян А. И., Большой театр Союза ССР, М., 1958 год.

6. Грошева Е. А., Большой театр в прошлом и настоящем, М., 1962 год.

7. Красовская В., Русский балетный театр от возникновения до середины XIX века Л.-

   М., 1958 года.

8. Красовская В., Русский балетный театр начала XX века часть 1 – 2, Л., 1971 – 1972 годы.

  1.  Либсон В. Я., Кузнецова А. И. Большой театр СССР М., Стройиздат 1982 год.
  2.   Казахский Государственный ордена Ленина Академический театр оперы и балета имени Абая, Алматы «Онер» 1984 год.

       

                                                   -31-               

          Балетный театр Соединённых Штатов Америки

     В XVII веке в Америке театра ещё не было. Балет Соединённых Штатов Америки начал свою жизнь сравнительно недавно. По мере того как росли города, в Америку стали приезжать на гастроли театральные, в том числе  и балетные, труппы из других стран. Они давали представления в Нью-Йорке, Филадельфии, Александрии, Бостоне. В 1839 году в Америке гастролировал брат Марии Тальони Поль с женой, затем Жан Петипа с сыном Мариусом. Большую любовь американского зрителя к балетам пробудила своими танцами Фанни Эльслер. Она танцевала в балетах «Тщетная предосторожность» и «Швейцарская молочница». После успехов Эльслер гастроли европейских артистов стали постоянными. В начале XX века особый успех выпал на долю знаменитой русской балерины Анны Павловой. Труппа Сергея Дягилева, студии и школы М. Мордкина и М. Фокина ближе познакомили американцев с классическим балетом. Таким образом, балетные театры США своим появлением обязаны русским педагогам и балетмейстерам М. Мордкину, А. Соколовой, М. Фокину, Дж. Баланчину; и формирование эстетического идеала хореографического искусства в начале XX века в Америке проходило под непосредственным влиянием русского классического балета.

    С середины XIX века в Америке становятся популярными музыкальные комедийные представления с танцами, предшественники современных мюзиклов. Параллельно с этим шло развитие танца модерн. Первыми хореографами, для которых главным стал танец модерн, были известные американские танцоры Руфи Сен – Денис и Тед Шоун. Они стремились в танце передать чувства и мысли современного человека, используя для этого пластику танцев Индии, Египта, Японии. Руфи Сен – Денис и Тед Шоун основали в Лос – Анжелесе школу, которая называлась «Денишоун». В отличие от Айседоры Дункан они не отвергали классический танец, а использовали его выразительные возмо-жности. В свою систему они включили и отдельные находки и приёмы Дельсарта, Жака – Далькроза, Айседоры Дункан. Поставленные ими танцы сопровождала серьёзная музыка.

    Продолжателями идей школы «Денишоун» стали выдающиеся американские балетмейстера Марта Грэхэм и Дорис Хемфри.

    Марта Грэхэм  - ученица школы «Денишоун», танцовщица и балетмейстер, сторонни- ца  танца модерн. Её  исполнительская и балетмейстерская манера отличалась ярким рисунком и в оформление спектакля – движущиеся декорации, символическую бутафорию, разговорный диалог и многое другое. Она создавала свои композиции на музыку известных композиторов – Скрябина, Дебюсси, Равеля, Онеггера, Франка, или на музыку, специально написанную для неё современными американскими композиторами. Темы её постановок – библейские легенды или античные мифы и сказания, древнегреческие трагедии, которым придавалось современное звучание. Символические образы древних сказаний помогали воплощать сложные жизненные и философские проблемы. Марта Грэхэм создала свою систему преподавания, свою систему

                                                                     

                                                                      -32-

педагогических приёмов и организовала школу современного танца. Лучший её балет – «Весна в Аппалачских горах» на музыку А. Копленда.   

    Дорис Хэмфри, продолжая линию своих учителей из школы «Денишоун», разработала технику лёгких быстрых движений, навыки контроля за движением. Многие танцы                                                                               

Хэмфри были в ложногреческом стиле, танцевала она под самую разнообразную музыку: классическую, современную. Использовала шумы и выразительные звуки, крики, гудение. Дорис Хэмфри тоже организовала свою школу. Как педагог она отличалась умением открыть в ученике индивидуальность. Её лучшие ученики – Хосе Лимон и Сибилла Ширер.

    Балетмейстер Агнес Де Миль особенно популярна в Америке. Свои постановки она строила на американском танцевальном фольклоре. Её балет «Родео» и мюзикл «Оклахома!» имели в этом плане историческое значение, поскольку народному американскому танцу были приданы в них театральные формы. Танец в интерпретации Агнес Де Миль из развлекательного превратился в сценическое действие, стал раскрывать характеры героев, создавать настроение спектакля, развивать линию действия. В её репертуаре социальная драма «Четыре Марии», трагедия «Легенда Фолл – Ривер», комедия «Три девы и дьявол», танцевальный спектакль «Репетиция». На творчество Агнес Де Миль оказал большое влияние автор психологических балетов Антони Тюдор. Это особенно сказалось в балете «Легенда Фолл – Ривер».

    Одно из значительных мест в истории американской современной хореографии занимает Джон Батлер. Он добился больших творческих удач в различных жанрах: в классическом балете, в танце модерн, в опере, оперетте, в музыкальных спектаклях. Стиль работы Джона Батлера включает в себя и технику классического танца, и технику танца модерн. Своё начальное хореографическое образование он получил в штате Миссисипи, затем в училище в Нью – Йорке, брал уроки у Марты Грехем, танцевал в балетах Агнес Де Миль. В 1955 году он организовал свой танцевальный коллектив. Джон Батлер использует в своей работе и фольклор. Примером могут служить такие постановки, как «Кармина Бурана», «Времена года в аду».

    Балетмейстер Джером Роббинс тоже ставит и классические балеты, и танец модерн. Использует он и джаз – танец. Его постановки отличаются глубиной эмоциональных переживаний, социальной направленностью, а также  оригинальностью танцевальных форм, умением использовать в танце естественные движения человека. Не случайно Джером Робинс считается блестящим стилистом современного американского балета. Среди его постановок «Вестсайдская история», «Матросы на берегу» на музыку Л. Бернстайна, «Фанфары» на музыку Б. Бриттена, «свадебка» И. Стравинского, балет «Движения», идущий без музыкального сопровождения, « Танцы на вечеринке».

    Роберт Джофри – хореограф и педагог, в прошлом блестящий солист. Он много экспериментирует. Так, в балете «Астарта» он использует киноэкран, электронную музыку. Мигающие огни, действие переносит в зрительный зал или за кулисы. Очень интересно им поставлен балет « Гамелан».

                                                                  

                                                             -33-     

    Алвин Николаис тяготеет к мистическим балетам . В его балете «Тотем» показывается цепь магических заклинаний и зарождение колдовства. Работы Николаиса наполнены поэтической таинственностью, мрачной грустью. Он остро чувствует время и                                                                       

пространство, широко использует техническое и актёрское мастерство танцоров,                                                                        

флюоресцентное освещение, световые эффекты. Но Николаис не ограничивается только постановкой балетов, он пишет статьи, преподаёт в университетах, сочиняет музыку.

    К третьему поколению американских хореографов относятся балетмейстеры Хосе Лимон и Алвин Эйли.

    Хосе Лимон был известный американский танцовщик и хореограф. Он родился в Мексике, но с 7 лет жил в США. Увлёкшись танцами, Хосе Лимон поступил в школу Дорис Хемфри и Чарлза Вейдмана. Протанцевав в их труппе почти 10 лет, он пробует ставить собственные хореографические номера. Вернувшись из армии в 1945 году, Хосе Лимон организовал свою  танцевальную труппу. Его эстетическое кредо  заключается в таких его словах: «В форме, близкой к ритуалу, танец может показать и великие трагедии всего человечества, и огромные порывы одного человека. Никогда искусство не

Было так необходимо людям, как в наши дни. Подобно искусству таких великих мастеров, как Джотто, танец должен воздействовать на людей, чтобы они становились лучше». Сначала Хосе Лимон работал с Дорис Хэмфри, а с 1958 года возглавил свой коллектив. Наиболее популярные его постановки: «Павана мавра», «Плач по Иньясио Санчесу Мехиас» на стихотворение Ф. Гарсиа Лорки и музыку Нормана  Ллойда и «Император Джонс» по сюжету Ю. О’Нила на музыку бразильского композитора

Э. Вила Лобоса. В них с большим мастерством хореограф раскрывает хореограф раскрывает психологическое состояние героев. Особый интерес в творчестве Хосе Лимана представляет мужской танец. Это сближает его с Тедом Шоуном. Их обоих волновала проблема мужского танца. Отвергая всякую манерность и изнеженность, Лимон создаёт мужественный, атлетический стиль. Здесь следует назвать его композицию о легендарных вождях индейцев «Не воспетые».

    В труппе Хосе Лимона было всего 16 человек. Среди его артистов знаменитые американские танцовщики и танцовщицы: Паулина Конер, Карла Максуэлл, Клей Тальяферро, Гари Мастерс, Эдуард Десото и другие.

    Для женской группы Хосе Лимон поставил «Танцы для Айседоры», «Орфей», «Карлотта»ю бессюжетный танцевальный номер «Хореографическое подношение» на музыку И. С. Баха он поставил в честь Дорис Хэмфри.

    Большим успехом пользуется работа и современного американского хореографа Алвина Эйли. В его «Американском театре танца» всего 15 танцовщиков. Они бережно сохраняют музыкально – танцевальное наследие американских негров. Репертуар театра составляют постановки, кроме Алвина Эйли, также Т. Битти, Д. Холдера, Л. Хортона и других хореографов, которые хорошо знают негритянский фольклор.

    Алвин Эйли родился в штате Техас. В детские годы он часто слушал странствующих негритянских певцов – исполнителей блюзов и спиричуэлс. Естественно, на всём творчестве Алвина Эйли ощущается влияние негритянского вокального, музыкального и танцевального фольклора. Учился Алвин Эйли в Лос – Анджелесе в студии Лестера

                                                                           -34-

Хортона. Здесь он продолжал свои занятия и тогда, когда поступил в Калифорнийский университет на факультет иностранных языков. Алвин Эйли сначала танцевал и ассистировал Хортону. Но после внезапной смерти Хортона в 1953 году, он стал балетмейстером и художественным руководителем коллектива. В творчестве Эйли воплотились основные идеи Лестера Хортона. Это – ясность хореографического рисунка, доступность содержания и формы постановок, глубокое уважение к национальным традициям всех народов, составляющих население США. Его первые работы «Оплакивание утра» и «По заветам святого Франциска» сразу принесли популярность молодому балетмейстеру. В то же время он берёт уроки у Марты Грэхэм, Дорис Хэмфри, Чарлза Вейдмана, Анны Соколовой. Расставшись с ансамблем Хортона, Алвин Эйли уезжает в Нью – Йорк. Здесь он организует «Американский театр танца». Несмотря на то что в своей работе Эйли использует классический танец, приёмы драматического театра, он остаётся ярким представителем американского танца модерн. Репертуар постановок театра Алвина Эйли очень разнообразен по стилю, по форме, настроению, музыке, хореографии. Это балеты «Икар» и «Сотворение мира». Танцевальные композиции «Псалмы», «Безмолвие», «Путешествие» и другие.

     Среди американских балетмейстеров особое место занимает Джордж Баланчин. Начиная с 1925 года, он поставил свыше 100 балетов. Классический танец Джордж Баланчин (Баланчивадзе) изучал в Петербургском театральном училище, занимаясь в классе А. Андрианова. Баланчин создал неоклассический стиль в балете. Он признаёт в балете сюжет и драматургию. Хотя среди его балетов библейская легенда «Блудный сын» и романтическая «Сомнамбула», однако  он считает, что танец не должен быть связан с сюжетом или сложной структурой тематического спектакля. Любую самую нетанцевальную музыку, утверждает он, можно воплотить в танце. Баланчин поражает зрителя интересными рисунками, линиями танцев, движениями танцующих, масштабностью всего происходящего, его постановки: «Серенада» на музыку П. И. Чайковского, «Шотландская симфония» на музыку Ф. Мендельсона, «Тема с вариациями», «Хрустальный дворец», «Орфей», «Пульчинелла», «Свадебка», «Поцелуй феи» и другие  - тому доказательство.

    Труппа Джорджа Баланчина воспитана на единых художественных принципах. Артисты обладают свободой и гибкостью в технике классического танца, ориентируются в танцевальной музыке, ощущая ритм, дух и мелодическую основу каждого движения, умеют пластически воплощать все оттенки сложнейших музыкальных партитур балетов Баланчина. Поэтому так разнообразен почерк этого балетмейстера. В его хореографической палитре сложные образы, наполненные глубокой человеческой мыслью и удивительной поэзией, неистощимой фантазией и изобретательностью. Его творчество повлияло на рождение крупных артистических индивидуальностей, таких как Аллегра Кент, Виолет Верди, Жак д’Амбуаз, Артур Митчелл, умеющих передавать в пластике и сложные философские образы, и романтическую одухотворённость хореографа, и причудливость его разнообразных танцевальных рисунков, композиций, отдельных движений.

                                                                 

                                                                   -35-

    Репертуар балетных трупп США многообразен. В него входят классические спектакли, ультрасовременные  балеты мюзиклы, сюжетные и бессюжетные концертные номера. Большой популярностью пользуется и танец модерн.  Но если в 30 – е годы XX века он занимал главное место в хореографии Америки, то после второй мировой войны танец модерн утратил эту свою позицию. В него активно входит фольклор. Танец модерн                                                                    

используют как выразительное средство и в классических балетах , и в мюзиклах, и в кино.         

   

                      Английский балетный театр                          

    Английский балетный театр имеет свои специфические традиции. Восходящие к маскам XVI века. Большое влияние на танцевальную культуру Англии всех эпох оказало творчество В. Шекспира, пьесы которого становятся основой многих балетных спектаклей. Объединяясь с искусством комедии масок, они влияют на рождение английской пантомимы. Последняя, проникая в балет, усиливает его выразительные возможности: мимическую игру, специфические балетные трюки, быстрые смены декораций, «волшебные» превращения. Передовые представители хореографического искусства того времени развивали и совершенствовали пластические возможности и технику мимической игры, обогащая балет национальными красками и ритмами, национальными традициями высокой и старинной театральной культуры. Комические и гротесковые персонажи, живая народная тематика, контрасты реальности и фантастики, натурализма и аллегории создавали условные формы бытовых фольклорных плясок. Они органично вливались в театрализованные представления того времени.

    В конце XVIII и начале XIX веков на сцене английского театра танцевали преимущественно знаменитости Франции, Италии и многих других европейских стран. Засилие иностранных  мастеров танца на лондонской балетной сцене тормозило развитие национальной исполнительской школы. Задержал развитие английского балета и кризис балетного искусства второй половины XIX века. В это время балеты шли в мюзик – холлах или существовали как дивертисменты.

    Перелом в английском балетном искусстве произошёл после приезда в Лондон дягилевской антрепризы «Русский балет» и прекрасной русской балерины Анны Павловой, которая открыла там свою балетную школу. Её балетная школа, а также школы Н. Легата и М. Рамбер становятся базой для создания не только небольших балетных коллективов, но первых балетных трупп.

    Восстановление балетного искусства происходит с возрождения традиций английского сценического танца. В балетах английских хореографов – Антони Тюдора, Нинет де Валуа, Роберта Хелпмена, Фредерика Аштона – наиболее выпукло проявились традиции английской пантомимы, национальной литературы и национального английского театра, сатирической живописи и карикатуры. Среди национальных балетов Англии «Иов» Нинет де Валуа, «Фасад» и «Уиндина» Ф. Аштона, «Гамлет» и «Чудо в Горбалсе» Р. Хелпмена, «Ананасная Пол» и «Ромео и Джульетта» Дж. Кранко.

                                                                        -36-

    Выдающимися артистами балета Англии являются Марго Фонтейн, Алисия Маркова, Майкл Сомс, Надя Нерина и другие.

 

      

                                  Французский балетный театр

    Балет Франции как старейший в Европе оказал самое большое влияние на развитие хореографического искусства других стран мира. Ему пришлось пережить все фазы  жизни – рождение балетного жанра, его расцвет, умирание и возрождение. Франция дала миру таких балетмейстеров, как Ж. Ж. Новер, Ж. Доберваль, Ф. Тальони, Ж. Перро, М. Петипа, Ш. Дидло, А. Сен – Леон. Балет Франции сформировал целые династии исполнителей – Вестрисов, Гарделей, Тальони, Петипа. Здесь появились балеты, ставшие балетной классикой, - «Сильфида», «Жизель», «Тщетная предосторожность», «Эсмеральда», «Коппелия». Франции обязаны своим рождением романтические балеты, которые вплоть до второй половины XIX века шли на сценах европейских театров.  

     Во второй половине XIX века французский балетный театр переживает глубокий кризис. Балет как жанр практически перестаёт существовать. Первое десятилетие XX века всколыхнуло творческие силы французского балета. И это сделали гастроли русских артистов в Париже, возглавляемые С. Дягилевым, так называемые  Русские сезоны. Французский зритель увидел классические балеты  «Жизель» и «Лебединое озеро», постановки Михаила Фокина, Вацлава Нижинского, Леонида Мясина, Брониславы Нижинской, Джорджа Баланчина, возглавлявшего впоследствии американский балет. В труппе Дягилева танцевал и Сергей Лифарь – будущий руководитель и балетмейстер балетной труппы Парижской Оперы. Здесь начинали свой путь многие французские исполнители.

    На основе труппы Дягилева был создан и «Русский балет Монте – Карло», который просуществовал до1951 года, меняя названия в зависимости от балетмейстеров, возглавлявших этот коллектив.

    Среди многочисленных существующих сегодня балетных трупп по – прежнему основное место занимает труппа национального оперного театра – Парижской Оперы – «Гранд – опера». Это государственная балетная труппа. Такая же труппа есть при театре «Комическая опера». Остальные – частные. Среди них: «Балет Парижа», «Балет Жанин Шарра», «Балет Мориса Бежара», «Балет XX  века», «Современный балет Парижа» и другие. Есть и провинциальные муниципальные театры в Бордо, Лионе, Марселе, Ницце, Страсбурге.

    Основание современных частных балетных школ тоже связано с именами русских артистов: Л. Егоровой, О. Преображенской, М. Кшесинской, А. Волининым.  Государственная балетная школа одна – это балетная школа при «Гранд – Опера». В ней учились почти все звёзды современного французского балета: Иветт Шовире, Лиан Дейде, Франческа Зюмбо, Патрик Бара, Гилен Тесмар, Ноэлла Понтуа и другие.

    Своеобразно и очень индивидуально творчество французских балетмейстеров XX столетия.

                                                                 -37-

    Крупнейшим из хореографов довоенного поколения является Сергей Лифарь. Его творчество связано со стилем «неоклассицизм». С. Лифарь строил свои балеты на слиянии классического танца с новой пластикой и символикой. Однако очень часто его балеты носили отвлечённый, абстрактный характер, отличались надуманностью. Сергей Лифарь поставил более 100 балетов. Среди них - «Федра», «Торжествующий Давид», средневековая легенда «Жоан из Цариссы» и другие.

    Балетмейстеры Франции 50 – 60 –х годов Ролан Пти, Морис Бежар, Жанин Шарра, Мишель Декомбе после второй мировой войны создают свои балетные коллективы.

    Ролан Пти – очень популярный балетмейстер как во Франции, так и в других странах мира. Его балеты отличаются разнообразием тем, чёткостью характеров и образов, тонкостью передачи духовной жизни людей разных сословий, сочетанием виртуозной техники классического танца с выразительностью актёрской игры и ясностью действия на сцене . Балеты Ролана Пти не только жанрово многообразны, они – и это главное – национальны по форме. Например, пародийный – «траур в 24 часа», драматический –«Пожирательница бриллиантов», романтичный – «Волк», комедийный – «Бал прачек», трагические – «Кармен» и «Собор Парижской богоматери».

    Морис Бежар, бельгиец по национальности, в своём творчестве использует музыку, пение, танец, создаёт своеобразные синтетические спектакли, передающие различные психологические состояния человека. Балеты Мориса Бежара остро современны. Это – «Симфония для одного человека», «Круг», «Весна священная», «Зелёная королева», «Байка про лису», «Свадебка», «Фауст», «Бахти» и «девятая симфония» на музыку

Л. Бетховена.

    Искусство Пьера Лакотта – это скорее всего реставрация старинных спектаклей, шедевров ранних балетных эпох. П. Лакотт обновляет партитуры романтических композиций, возобновляет художественную гармонию классического искусства танца. К таким балетам относится балеты «Сильфида» и «Натали, или Швейцарская молочница». Оба этих балета были поставлены в первой половине XIX века Филиппо Тальони.

    Современный балет Франции сохраняет отточенную манеру французской школы, её виртуозный блеск и музыкальность, благородство форм и пластичность линий, изящество и элегантность. Репертуар 70 – х годов составляли классические балеты, психологические с элементами современной пластики и акробатики: «Сильфида», «Жар-птица», «Капричио», «Волк», «Концерт соль мажор», «Собор Парижской богоматери», «Хрустальный дворец», «Послеполуденный отдых фавна», «Блудный сын» и др.

                                                                         38

                                   Балетный театр Дании

   

Археологические раскопки дают сведения о ритуальных танцевальных представлениях в Дании относящихся к IXV вв. до н. э. В культуре средневековья танцы также занимали важное место: их изображения сохранились на фресках церквей. В XVI веке танцевальные сцены включались в «школьные драмы». Придворный балет получил развитие в XVII веке. В 1634 году к свадьбе наследной принцессы был поставлен спектакль А. фон Кюкельсоном. В 1722 – 28 годах в Копенгагене  Л. Хольберг создал первый датский придворный театр, где балетные артисты участвовали в комедиях – балетах Мольера. С 1723 года по 1728 год в Копенгагене работает Ж. Ланде. В 1748 году Хольберг организовал в Копенгагене  Королевский театр (до 1800 года назывался также Городской ), где был балетный ансамбль. Датский балет формировался внутри драматического театра и его связь продолжалась до середины XIX века. В 1754 году А. Камо организовал при театре танцевальные классы, которые в 1771 году П. Лораном были реорганизованы в школу, которая продолжает существовать как постоянное учебное заведение.

    Важное значение для развития Датского балета имела деятельность итальянца В. Галеотти. В Королевском театре (1775 – 1816). Последователь Гаспаро Анджолини, он ставил монументальные действенные балеты, в том числе на сюжеты Шекспира и Вольтера. Музыку ко многим из них писал композитор К. Шалль («Лагерта», 1801; «Ромео и Джульетта»1811). Из спектаклей, сочинённых Галеотти, сохранился комический балет «причуды Купидона и Балетмейстера» Лолле (1786). Галеотти воспитал первое поколение датских артистов (А. Фрёлих, М. Бьёрн, М. Шалль) в1792 году в театр пришёл ученик Ж. Ж. Новера. Антуан Бурнонвиль, возглавивший труппу в 1815 – 1823 годах. Наибольший подъём в истории Датского балета связан с творчеством его сына Августа Бурнонвиля, который руководил Королевским датским балетом в 1829 – 1877 годах. Благодаря деятельности Августа Бурнонвиля балет оказался ведущим в театральном искусстве Дании. Изменилось отношение к профессии балетного арт иста, ранее неуважительное. Школа Августа Бурнонвиля (т. е. его метод преподавания), особенно в сфере мужского танца, стала и остаётся до сих пор одной из ведущих. Хореограф много работал с известными датскими композиторами Н. В. Гаде и И. П. Э. Хартманом. Расцвет Датского балета совпал с эпохой романтизма. Август Бурнонвиль воспитал несколько поколений датских артистов балета. Его ученица Люсиль Гран завоевала мировую известность. В середине XIX века определились основные черты исполнительской манеры датчан: мастерство пантомимы, унаследованная от педагогов французской школы, чистота стиля классического танца, никогда не приносящая в жертву показной виртуозности, а также высокое искусство мужского танца, деградировал к концу XIX века во многих странах Европы.  

    В период общего кризиса балетного жанра в Европе балет Дании стойко оберегал свои традиции, свои национальные интересы, заветы школы Августа Бурнонвиля. Так сохранились специфические черты датского романтического балета. Все звёзды датского балета – ученики Бурнонвиля или артисты, воспитанные на его репертуаре.

                                                                39   

    После Августа Бурнонвиля труппу возглавляли его ученики.

    Реформа Михаила Фокина, оказав влияние на балет всех стран Европы, имела также значение и для Датского балета. В 1925 – 1926 годах с приездом М. Фокина в Данию были включены в репертуар «Шопениана», «Петрушка», «Половецкие пляски». В 1930 – 1931 годах в труппе Королевский датский балет работал Джорд Баланчин.

    Важным этапом в развитии Датского балетного театра был период, когда труппу возглавил Х. Ландер !1931 – 1951 годы). Как и его предшественники, Х. Ландер бережно сохранял национальные спектакли, их стиль. Одновременно вводил в репертуар забытые или ранее не ставившиеся произведения балетной классики («Лебединое озеро» в отрывках, 1938 год; новая редакция «Жизели», 1946 год; «Щелкунчик», 1949 год).

    Датский балет в наше время не так изолирован, как раньше. Многие его артисты и балетмейстеры выезжают в другие страны на гастроли. В 1973 году Королевский датский балет был на гастролях в СССР. В Данию  приглашаются иностранные специалисты. Репертуар Королевского балета Дании состоит из балетов Августа Бурнонвиля, спектаклей мирового классического наследия, образцов европейских и американских современных балетмейстеров, а также спектаклей, сочетающих национальные традиции датского балета с современной пластикой.    

                                                                        

                             Немецкий балетный театр

 Возникновение немецкого балетного театра датируется XVII веком. При княжеских и герцогских дворах ставились первые спектакли: «Балет Эринии» в Штудгарте, «Балет об Орфее и Эвридике» в Дрездене. Для их постановок приглашались французские и итальянские балетмейстеры, композиторы, исполнители, музыканты. Вместе с этим в XVII веке начинает развиваться национальная хореография. Например, в Гамбурге в 1678 году был открыт первый общедоступный оперный театр. В шедших на его сцене оперных спектаклях было много вставных танцевальных номеров.

    В Лейпциге  во время ярмарок ставились также балетные спектакли.

    В XVIII веке в Германии работали многие известные европейские балетмейстера и танцовщики, в том числе великий французский балетмейстер Ж. Ж. Новер. Именно он поставил впервые в Германии сюжетные балеты «Смерть Геркулеса»  (1762)  и «Медея и Язон» (1763).  Примадонной берлинского балета была итальянская танцовщица Б. Кампа нини. Балеты ставились также в театрах Берлина, Дрездена, Мюнхена, Лейпцига, Гамбурга.

     В XIX  веке в Германии гастролировала М. Тальони, Ф. Эльслер, Л. Гран, Ф. Черрито.

    В начале XX века в Германии расцветает экспрессивно-пластический танец, или, как его ещё называли, «выразительный».

    В период фашистской диктатуры в Германии более всего были распространены развлекательные постановки.

Разгром фашизма во второй мировой войне и установление в стране народной демократии способствовали подъёму культуры. В послевоенные годы в ГДР были

                                                                       40

организованы балетные коллективы, которые могли ставить многоактные балеты. В 1948 году в Берлине балетмейстеры Т. Гзовская и Д. Шпис поставили балет «Ромео и Джульетта».

    Много лет балетную труппу берлинского оперного театра возглавляла Лило Грубер.

    В 1965 году при берлинской «Комише опер» Том Шиллинг организовал балетный коллектив. Сейчас это один из лучших коллективов в ГДР. В нём Т. Шиллинг поставил балеты: «Абраксас» Эгка, «Ундина» Хенце, «Золушка» и «Ромео и Джульетта» Прокофьева, «Море» на музыку Дебюсси, «матч на музыку Маттуса, «Чёрнные птицы» Катцера и другие.

    Балетные школы в Берлине, Дрездене, Лейпциге и Театральный институт готовят исполнителей для балетных групп и ансамблей танца ГДР. Многие солисты и балетмейстеры приезжали учиться в Советский Союз, например: У. Коллийн, Э. Бишоф, Т. Кремке. Советские специалисты передавали свой опыт немецким. Всё это способствовало возникновению в ГДР своеобразной оригинальной хореографии.

    В современных постановках немецкие балетмейстеры используют классический танец в сочетании с «Выразительным» немецким танцем.

                                                                           

                                  Балетный театр Польши.    

    Народные танцы у поляков зародились в далёкой древности ( VVII вв.). музыка, песня и танец составляли существенную часть бытовых и культовых обрядов (весенние хороводы, свдебные танцы, праздники урожая и другие). В средние века в Польше танцевальные сценки входили во многие народные игрища, а в XVI веке в интермедии, которые ставились при дворе в Кракове. С танцевальным фольклором связаны польские народные танцы – полонез, мазур, оберек, краковяк. Сценический танец в Польше начал формироваться в 1 – й половине XVII века. Первый балетный спектакль «Освобождение Руджера с острова  Альцыны» был показан в 1628 году в королевском дворце в Варшаве. Вскоре, в 1643 году, в Варшаве был открыт театр, где, кроме итальянских и французских опер, ставились балеты на темы из жизни польских королей: «Балет во время коронации короля Яна III», «Балет Королевы». Постановщиками были иностранные балетмейстеры, но в танцах принимали участие и польские придворные. Первая балетная школа в Польше была открыта в 1728 году при дворе графа А. Тызенхауза. Из учеников этой школы, крестьян, была образована первая польская труппа при дворе Станислава Августа Понятовского. Хореографами были француз Ф. Леду, австриец Д. Курц. С этой труппой они ставили балеты ж. Ж. Новера и первый национальный балет «Ванда – королева Польши».

    В XVIII веке начинают работать первые польские балетмейстеры – Е. Валиньский, Ф. Шлянцовский, Ю. Межиньская.

    Много лет в Варшаве проработал, возглавляя польскую труппу, французский балетмейстер М. Пион. Он сумел высоко поднять культуру танцевальной техники, провёл необходимые реформы в балетной школе.

                                                                         41

    В 40 – х годах XIX века в Варшаве ставит свои романтические балеты Ф. Тальони. Тогда же начинал свою творческую деятельность первый крупный польский балетмейстер Р. Турчинович, поставивший «Жизель», «Пахиту», «Эсмеральду» и другие балеты. Большое влияние на развитие в Польше исполнительского балетного искусства оказали гастроли М. Тальони и К. Гризи. Среди польских балетмейстеров и исполнителей в середине XIX века особенно выделяются Р. Турчинович и его жена К. Турчинович, Т. Гвоздецкая, К. Стефаньская, братья Тарновские.

    Во второй половине XIX века, несмотря на засилье иностранных балетмейстеров на варшавской сцене, появляются польские национальные балеты «Окрестность под Кельце» Я. Стефана и «пан Твардовский» А. Зонненфельда.  В середине XIX века устанавливаются связи русского и польского балета. В Россию приезжают работать польские артисты: Ф. Кшесинский с детьми, Ф. Нижинский, М. Рутковская и другие. Матильда Кшесинская, Вацлав и Бронислава Нижинские стали солистами петербургского театра.

    В начале XX  века в Польше гастролируют русские балетные артисты: А.. Павлова, Н. Легат, Т. Карсавина, Н, Богданова, А, Бекефи, ставят балеты Л. Иванов, М. Фокин.

    Жизнь балетного театра Польши оживляется после первой мировой войны, когда Польша стала независимым государством. В Варшавском «Театре Вельки» были поставлены балеты польских композиторов: «Байка», Роговского, «Свитезянка» Моравского, «Свадьба в Ойцуве» на музыку Курпиньского и Дамсе, «Пан Твардовский» Зонненфельда, реорганизуется балетная школа в Варшаве, создаются новые балетные коллективы.

    В 20 – 30-е годы в Польше развивается свободный и экспрессивно – пластический танец.

    После второй мировой войны и фашистской оккупации в Польше не осталось ни одной балетной труппы. С образованием Польской Народной Республики начинается возрождение польского балета. Формируются балетные труппы в Познани, Гданьске, Бытоме, Вроцлаве, вновь в Варшаве открылся «Театр Вельки». Польским артистам помагают расти советские специалисты – хореографы: Н. Дудинская, К, Сергеев, Н. Конюс, А. Соболь, А, Чичинадзе, Е. Чанга и другие.

    Польский балет в послевоенный период пережил в своём развитии три этапа: обращение к национальным балетам на основе народных танцев и сюжетов, освоение балетов классического наследия и, наконец , поиски новых тем и сюжетов в новой художественной форме. В последний период появляются одноактные балеты, выражающие общечеловеческие идеалы, конфликты и устремления; поставлены такие известные балеты, как «Весна священная», «Жар – птица», «Орфей» И. Стравинского, «Дивертисмент» на музыку Б. Бартока. Репертуар театра пополнился произведениями современных советских композиторов («Гаяне», «Спартак», «Лауренсия», «Каменный цветок» и другие), а также балетами классического наследия (Эсмеральда», «Дон – Кихот).

 

                                                                   -42-

                                       Балетный театр Румынии.

    Балет Румынии сочетает в себе традиции европейского балетного театра и национального танцевального фольклора. Многовековое османское иго было причиной того, что профессиональное танцевальное искусство начало развиваться в Румынии довольно поздно. Только в конце  XVIII – начале XIX века зрители Румынии через спектакли немецкой, итальянской, французской оперы познакомились со сценическим танцем: танцевальные дивертисменты включались в некоторые оперные спектакли.

    В 1833 году в Бухаресте было организовано «Филармоническое общество» и при нём первая в стране балетная школа, которой руководили французские танцовщики супруги Дюпор. Они не ограничивались преподаванием только классического танца, их ученики танцевали и народные танцы.

    В середине XIX века в Бухаресте и Яссах были открыты национальные театры  и консерватории, что послужило толчком к развитию румынского театральног искусства, в том числе и балетного. Первый национальный балет «Золотая дама» Виста был поставлен в Бухаресте в 1869 году американской балериной А. Мейвуд и румынским хореографом  Г. Мочану, который организовал первую фольклорную танцевальную труппу и гастролировал с ней в Европе и Америке.

    Долгое время в Румынии не было постоянной балетной труппы, Только в 1885 году небольшая труппа была создана при национальном театре в Бухаресте. Начиная с 20 – х годов нашего века в Румынии работали две постоянные балетные труппы – в Румынской опере в Бухаресте и в оперном театре Клужа. В 30 – е годы создаются такие классические балеты с национальной тематикой, как «На рынке» Жоры, «Свадьба в Карпатах» Константинеску.

    После освобождения страны от фашизмва и провозглашения республики начинается новый период в жизни балетного театра Румынии. Создаются балетные труппы при оперных театрах в Тимишоаре, в Яссах, Брашове, Галаце, Констанце. Основной балетный коллектив – труппа Румынской оперы в Бухаресте. Репертуар этих театров состоит из балетов классического наследия и национальных спектаклей.

    Румынскими балетмейстерами Н. Якобеску, М. Павеличем, Т. Кекаисом, Б. Белогом, А. Мезинческу, О. Дановским и другими были поставлены национальные балеты: «Белый арап» и «Кэлин» А. Мендельсона, «Гайдуки» Жери, «Возвращение из глубины моря» Жоры, «Пламя» Кириака, «Свадьба» Поповича и другие.

    Становлению румынского балета, освоению румынскими артистами академической школы классического танца помогали советские хореографы и артисты балета М. Габович, Л. Лавровский, И. Смирнов, А. Шелест. Многие румынские артисты и балетмейстеры учились в Советском Союзе.

                                                               

                                                              -44-

                                Молдавский театр оперы и балета.

    Хореографический фольклор молдавского народа очень богат. В молдавских танцах сохранились черты античной танцевальной культуры. В тог же время в них отразилась многовековая история молдавского народа. Народные танцы оказали влияние на развитие молдавского национального балета, вошли как составной элемент во многие спектакли.

    Профессиональное танцевальное искусство в Молдавии начпало складываться лишь в Советское время. В 1936 году при молдавской хоровой капелле была организована хореографическая группа, которая в 1945 году выделилась в ансамбль народного танца Молдавской ССР (с 1958 года «Жок»).

    В 1948 году силами хореографической группы музыкально – драматического театра и оперной студии при консерватории были поставлены балеты «Барышня – крестьянка

Б. Асафьева и «Мирандолина» Василенко.

    В1952 году при музыкальном училище имени Няги было организовано Отделение народного танца, воспитанники которого принимали участие в спектаклях музыкально – драматического театра.  Впоследствии они вошли в состав труппы Молдавского театра оперы и балета и драмы имени А. С. Пушкина, созданного в 1955 году на основе Молдавского музыкально – драматического театра. В 1957 году он разделился на Молдавский театр оперы и балета и Молдавский музыкально – драматический театр имени А. С. Пушкина.

    Рождение молдавского  театра  оперы и балета  произошло  в 1957 году. Первый балетный спектакль – «Бахчисарайский фонтан» Б.Асафьева был поставлен в 1957 году. Уже на следующий год были поставлены два спектакля «Тщетная предосторожность» и «Штраусиана», которые сыграли значительную роль в профессиональной подготовке артистов балета.

    В первые годы работы театр уделял большое внимание созданию национальных спектаклей. Заметным явлением в культурной жизни республики стали спектакли «Рассвет» Загорского и «Сломанный меч» Лазарева. Оба спектакля были поставлены в 1960 году,  и оба были показаны на Декаде молдавской литературы и искусства в Москве.
    Участие в декаде плодотворно сказалось на творческом росте труппы, под руководством балетмейстера В. А. Варковицкого, С. В. Дрёчина, педагогов – репетиторов Н. А. Камковой, А. Н. Ермолаева.
    Балетная труппа постоянно повышала общую танцевальную культуру, техническое и актёрское мастерство.

    Балетная труппа гастролировала в Румынии (1957), в Болгарии (1971).

    Каждый год репертуар театра пополнялся новыми названиями: «Лебединое озеро», «Эсмеральда», «Тропою грома», «Лауренсия», «Жизель»,»Спящая красавица», «Каменный цветок», «Доктор Айболтт», «Шопениана», «Пахита» и другие.

                                                               -45-

                        Грузинский театр оперы и балета.

    Тбилисский  ордена Ленина академический театр оперы и балета имени  З.П. Палиашвили – крупнейший музыкальный театр Грузии. Создан в 1851 году.  Возникновение же балетного театра в Грузии связано с выступлениями в 1852 – 53 небольшой труппы под руководством балетмейстера Ф. Н. Манохина, приезжавшей из Петербурга. Ставились сцены из балетов «Сильфида» Шнейцхоффера и «Дева Дуная» Адана.

    В 1873 – 98 годах балетные спектакли давались редко, так как сгорело здание театра.

    С начало XX  века балетному театру стало уделяться серьёзное внимание. На гастроли приезжала императорская балетная труппа, Варшавский балет, Московский балет, а также артисты Е. В, Гельцер, Т. П. Карсавина, М. Ф. Кшесинская, М.М, Мордкин, М.М. и.В. П. Фокины и другие. Особенным успехом пользовались «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Раймонда», «Испытание Дамиса», - привлёкшие единством музыки и хореографии, драматургической завершённостью. Эти черты русского музыкально – хореографического искусства  в дальнейшем широко использовалось создателями грузинского национального балета. В дореволюционное время грузинские танцовщики выступали лишь эпизодически. Ни студия грузинского танца А. Алексидзе (1902 – 1934), ни Школа пластики и танца, основанная в 1915 году И. Роинишвили, не смогли осуществить подготовку национальных балетных кадров. И только хореографическая студия, основанная в 1916 году М.М. Перини стала готовить и выпускать артистов балета. В 1920 году хореографическая студия была реорганизована в балетную школу при театре оперы и балета. Среди выпускников этой студии был и Вахтанг Чабукиани. В 1935 году образована Тбилисская хореографическая школа. С 1951 года  - Тбилисское хореографическое училище.

    Подлинное развитие национального балета началось после Октябрьской революции 1917 года. А Баланчивадзе  ставит балет «Сердце гор». Интенсивное развитие, расцвет грузинской хореографии, связаны с деятельностью Вахтанга Чабукиани, возглавлявшего труппу с 1941 года. Под руководством В. Чабукиани в театре выросли новые национальные кадры артистов. Среди его постановок многочисленные классические и грузинские балеты, в том числе «Синатле», «Отелло»,  «Гамлет» и другие. Большой вклад в развитие театрального искусства внёс художник С. Б. Вирсаладзе.

    С 1973 года балетную труппу возглавляет заслуженный деятель искусств Грузинской ССР Г. Д. Алексидзе. Для балетмейстерского искусства Г. Д. Алексидзе характерно использование творческого опыта советской хореографии - Ф. В. Лопухова и достижений зарубежного балета, стремление к максимальному слиянию музыки и хореографии. Среди его постановок: одноактные балеты «Чакона» на музыку Баха, «Безделушки» на музыку Моцарта, «Хореографическая сюита» Тактакишвили, «Классическая симфония» на музыку Прокофьева, «Вальпургиева ночь», а также  балеты «Коппелия», «Щелкунчик» и другие.

    Репертуар театра постоянно пополняется классическим и национальным репертуаром.    

 

                                                          -46-

                            Таджикский театр оперы и балета

    Таджикский театр оперы и балета  ордена Ленина академический имени С. Айни, создан в 1940 году в Душанбе на базе Таджикского музыкального театра, организованного в 1936 году.

    Богатый и разнообразный  таджикский танцевальный фольклор стал основой для быстрого развития  \балетного театра в Таджикистане. В 1936 году, при организованном в Душанбе Таджикском музыкальном театре, была создана балетная труппа, которая постоянно увеличивалась, так как в неё входили участники художественной самодеятельности, артисты театров Самарканда и Бухары. Наряду с изучением таджикского танца велись занятия по классическому балету и характерному танцу под руководством приехавших из Москвы балетмейстеров А. Н. Исламовой и А. И. Проценко. Активное изучение национального танцевального искусства, русской хореографической культуры и танцев древних народов определило первые успехи Таджикского балета. В 1939 году труппа показала «Вечер балета». В 1941 году, в дни Декады таджикского искусства и литературы в Москве театр показал свой первый балетный спектакль «Две розы» («Ду гуль») Ленского. В этом этапном спектакле, посвящённом разгрому басмачества в Таджикистане в конце 20-х – начале 30-х годов были использованы движения народного танца, разработаны новые формы таджикской хореографии – массовые танцы, групповые пляски с участием одной женщины и нескольких мужчин, танец «квартет» и другое.

    Во время войны театр ставит балеты: «Тщетная предосторожность» (1943), «Бахчисарайский фонтан» (1945), затем «Лебединое озеро» (1947) и «Золушка» (1949) году.

    Дальнейшее развитие балетного театра связано с деятельностью первых таджикских балетмейстеров Г. Валамат-заде и А. Азимовой, окончивших балетмейстерское отделение ГИТИСа. Значительно расширился репертуар, были созданы новые национальные балеты «Источник счастья» Книппера (1950), «Голубой ковёр» Вольберга (1958) и другие, в которых были сделаны попытки сочетать элементы классических и народных танцев. Заметным явлением были также постановки балетов «Красный мак» (1950),  «Доктор Айболит» (1952), «Лауренсия» (1952), «Эсмеральда» (1953) году. Этапными стали спектакли «Лейли и Меджнун» (1947), и «Дильбар» (1954) Ленского. В этих балетах продолжились поиски гармоночного сочетания классической хореографии с грациозными движениями таджикского танца, создания действенных и богатых по рисунку массовых народных танцев.

    С приходом в Таджикский театр выпускников Ленинградского хореографического училища (1958 – 1961) годы, начался новый этап в жизни балетного театра республики.

    Многообразный, обширный материал способствовал раскрытию дарований нового поколения артистов Таджикского балетного театра. Рост мастерства ртуппы определила работа советских балетмейстеров К. Я. Голейзовского, Н. Г. Конюс , А. И. Проценко, Л. А. Серебровской, В. Х. Пяри и другие, которые принесли в балетный театр

                                                          -47-

реалистические традиции русского балета, достижения современной хореографии, значительно подняли профессиональный уровень солистов и кордебалета.

    С 1961 года в Душанбе работает хореографическая школа (директор и педагог народная артистка СССР Л. Захидова). При Душанбинском музыкальном училище также организовано  отделение классического танца. Солистка Душанбинского театра оперы и балета Малика Сабирова удостоина высочайшего звания – народной артистки СССР. Её партнёр народный артист Таджикской ССР М.Бурханов.

    В 1977 – 78 труппа театра гастролировала за рубежом.

                               Белорусский театр оперы и балета

    Истоки хореографического искусства Белоруссии – в старинных обрядах, хороводах, где танец был тесно связан с песней, элементами театрализации. В выступлениях первых профессиональных артистов – скоморохов, известных на территории Белоруссии с XII века, танец занимал большое место. Зачаточные формы хореографического искусства содержались в представлениях школьного театра народной драмы. В XVIIIXIX веках крепостные балетные труппы имелись в некоторых городах (Гродненский театр Тизенгауза, Слонимский театр Огинского, Шкловский театр Зорича и другие) и имениях крупных помещиков (театры князей Радзивилов и других). В 40-е годы XIX века белорусские артисты входили в состав частной балетной труппы М. Пиона.

    Национальный балетный театр в Белоруссии возник после Великой Октябрьской социалистической революции. В 1-м Белорусском  государственном театре в Минске, основанном в 1920 году, ныне театр имени Янки Купалы, наряду с хором и оркестром имелась небольшая группа артистов балета, которая под руководством балетмейстера К. А. Алексютовича осуществила постановку балетов  «Коппелия»; «Очарованный лес» Дриго (оба были поставлены в1922 году) и другие. В 1930 году в Минске была организована Государственная студия оперы и балета, ставшая основой открытия Белорусского Большого театра оперы и балета.   

    Белорусский театр оперы и балета академический Большой был  открыт в Минске в 1933 году.  Первый балет был поставлен в 1933 году  - «Красный мак» Глиера. В 30-е годы в репертуаре театра появилось несколько значительных балетных спектаклей: «Коппелия» (1935), «Лебединое озеро» (1938), «Бахчисарайский фонтан» (1939) и другие.

    В Минске в 1939 году было открыто театральное училище с хореографическим отделением.

    В 1939 году композитор М. Е. Крошнер и балетмейстер А. Н. Ермолаев и Ф. В. Лопухов создали первый национальный балет «Соловей», посвященный борьбе белорусского народа за свободу, ставший этьапным в развитии Белорусского балета.в нём впервые путём слияния классического и национального танца были созданы национальный хореографический язык, живые и яркие образы людей из народа. Поиски

                                                          -48-

национального своеобразия продолжены белорусскими балетмейстерами в спектаклях, посвященных современности, - «Мечта» (1961) и «Альпийская баллада» (1967), «Свет и тени» Вагнера (1963), в которых художественной убедительностью раскрывались черты нового человека, претворялись общечеловеческие по звучанию темы. Важным этапом в жизни Белорусского театра стала постановка балетов «Князь – озеро» Золоторёва (1949), «Подставная невеста» г. Вагнера (1958). Репертуар театра постоянно обогащался лучшими русскими классическими, советскими и балетами.

    Произведения белорусской хореографии нашли воплощение на сценах театров других республик и городов: «Соловей» - в Одесском, «Избранница» - В Новосибирском, «Альпийская баллада» в Челябинском театрах, «Тиль Уленшпигель» в театре имени Кирова и театре имени Франко. А также за рубежом был поставлен «Тиль Уленшпигель» в Финской государственной опере в Хельсенки.

    Большой вклад в развитие балетного искусства Белоруссии внесли балетмейстера  -

Р. В. Захаров, А. Н. Ермолаев, Ф. В. Лопухов, К. Я. Голейзовский, В. И. Вайнонен, Н М. Стуколкина.

    С 1945 года в Минске работает Белорусское хореографическое училище с 8-ми летним обучением.  

 

                       Украинские балетные театры.

    Своими истоками Украинский балет восходит к народному хореографическому творчеству, к музыкальным интермедиям XVIIXVIII веков.

    Первые профессиональные балетные спектакли на Украине были поставлены в 1780 году в Харьковском театре, где балетная труппа из 20 человек, под руководством, бывшего петербургского танцовщика П. И. Иваницкого показывала сюжетные дивертисменты, в которых впервые использовались элементы украинских народных плясок.

    В 1801 году труппа Д. И. Ширая показала в Киеве балет «Венера и Адонис», а в 1805 – 1809 годах эта труппа, состоящая из 40 крепостных артистов, постоянно давала спектакли во вновь открытом Киевском городском театре.

    С 1816 года профессиональная  балетная труппа под руководством И. Ф. Штейна  в Харькове ставила балеты  «Волшебная флейта», «Принцесса Каррарская», «Пигмалион»»; «Цыганы» по поэме А. С. Пушкина.

    В 1818 году открылся театр в Полтаве, для которого драматург И. П. Котляревский  создал «малороссийскую оперу» - «Наталка Полтавка», в постановке этого произведения впервые на профессиональной сцене появились украинские танцы.  

    С 1840-х годов на Украине часто гастролировали мастера русского и иностранного балета.

    После Октябрьской революции1917 года в Киевском оперном театре  балетную труппу возглавляли М. П. Фроман и Мордкин, который поставил «Жизель», «Вальпургиеву ночь» и дивертисмент.

                                                               -49-

    В 1925 году на базе постоянной оперной антрепризе, существовавшей с 1880 года, был открыт первый национальный театр оперы и балета в Харькове (Украинская государственная опера), балетная труппа которого, возглавляемая Баланоти, начала свою деятельность постановкой «Лебединого озера». С самого начала деятели советского украинского балета осваивали русское классическое наследие и изучали национальную хореографию. С 1934 года театр носит звание академического, в 1944 году ему присвоено имя Лысенко Н. В., в1960 году он награждён орденом Трудового Красного Знамени. С 1945 года при театре работает балетная школа.

    В 1926 году было создано Объединение театров  Харькова, Киева и Одессы под руководством режиссёра И. М. Лапицкого. Харьковский коллектив, руководимый балетмейстером М. Ф. Моисеевым, первый на Украине поставил советский балет «Красный мак».

    С 1926 года на Украине начали работать выпускники Ленинградского хореографического училища, ученицы А. Я, Вагановой: -  К. Г. Васина, Н. Н. Виноградова, Н. В. Верикундова; балетмейстеры – И. Н. Герман, Р. В. Захаров, Ю. П. Ковалёв, К. А. Муллер. Первые украинские балерины В. С. Дуленко и А. В. Ярыгина также учились в Ленинграде, а А.. М. Соболь – в Москве.

    Отечественные традиции воплощения балетной классики на украинской сцене утверждали балетмейстера Л. А. Жуков и М. Р. Рейзен (Театр имени Шевченко в Киеве), В. А. Рябцев, А. М. Мессерер, К. Я. Голейзовский (Театр имени Лысенко в Харькове),

Ф. В. Лопухов в Днепропетровском театре.

    В 1928 году открылась Первая передвижная украинская опера, балетную труппу которой, возглавил П. К. Йоркин. В 1929 году открылась Вторая передвижная опера, где главным балетмейстером был Ю П. Ковалёв и Третья передвижная опера, на сцене которой, главным балетмейстером был Ф. И. Пинно.

    В 1932 году Первая передвижная опера была реорганизована в стационарный Днепропетровский театр оперы  и балета, функционировавший до 1941 года, Вторая передвижная опера стала основой Луганского театра оперы и балета, Третья – Винницкого театра оперы и балета, которые также работали до 1941 года. В послевоенные годы коллектив не возобновил работу, и его артисты вошли в составы балетных трупп Донецкого, Харьковского и Одесского театров. В 1974 году в Днепропетровске было построено новое, современное здание Театра оперы и балета и создана балетная труппа из 70-ти артистов. К открытию театр подготовил «Лебединое озеро» (балетмейстер Л. В. Воскресенская, и Т. И Васильева).

    В 1934 году столица Украинской ССР была переведена из Харькова в Киев. Киевскую балетную труппу, увеличенную до 80 человек, возглавил Л. А. Жуков, поставивший «Красный мак», «Дон – Кихот», «Лебединое озеро» и создавший при театре группу исполнителей украинских народных плясок под руководством М. А. Соболя. В 1936 году танцевальные картины в операх «Запорожец за Дунаем» и «Наталка Полтавка» в постановке Вирского, Болотова и Верховинца, получили высокую оценку в Москве на

1-й Декаде украинского искусства и литературы. В 1941 году театр эвакуировался в Уфу, с 1942 года работал в Иркутске, где объединился с коллективом Харьковского театра.

                                                                -50-

В 1926 году театру присвоено звание академического, в 1936 году награждён орденом Ленина, с 1939 года носит имя Т. Г. Шевченко, в 1968 году награждён также орденом Трудового Красного Знамени. Труппа неоднократно гастролировала за рубежом. В 1964 году на 2-м международном фестивале балета в Париже труппа театра была отмечена Золотой звездой.

    В 1940 году, на территории Западной Украины,  открылся оперно – балетный театр в Львове, балетная труппа которого начала деятельность постановкой  «Красного мака». Великая Отечественная война прервала работу труппы над постановкой балета «Лилеи», премьера, которого состоялась в 1946 году (балетмейстер В. И. Вронский). Это было значительным событием в жизни театра. Большую роль в становлении балетной труппы сыграла работа К. Я. Голейзовского над оригинальным воплощением «Бахчисарайского фонтана» (1949), а также постановкой русской балетной классики: «Лебединое озеро» (1947), «Спящая красавица» (1952), «Раймонда» (1953). В 1966 году театру присвоено звание академического и имя И. Я. Франко.

    В годы Великой Отечественной войны оперные театры Киева и Харькова объединились в Иркутске, где труппой руководил С. Н. Сергеев, а театры Одессы и Днепропетровска  - в Красноярске, где труппой руководил В. И. Вронский.

   Сегодня в республике работают шесть оперно – балетных театров; при Харьковском, Одесском, Донецком, и Львовском театрах имеются 4-х годичные балетные школы. В Киеве на основе хореографического отделения театрального техникума (1934 – 1941) в 1938 году создано республиканское Киевское хореографическое училище.       

                           Киргизский театр оперы и балета

    

    История не сохранила развитых форм киргизского народного танца, хотя в эпосе «Манас», легендах и сказаниях упоминаются старинные пляски «бий» и «шапартепмей». Элементы, родственные танцам, содержатся в народных играх «Кыз- -оюн», «Жоолук», «Таштамай», «Ак – чолмок», «Жашынмак» и другие. После Великой Октябрьской революции начался процесс изучения народных танцев. В 1926 году во Фрунзе была организована киргизская музыкально – драматическая студия, реорганизованная в 1936 году в Музыкально – драматический театр. В 1937 году в Музыкально – драматическом театре была поставлена первая музыкальная драма «Алтын кыз», в которой имелись танцевальные сцены, исполнявшиеся артистами балета. В 1938 году из участников художественной самодеятельности была сформирована балетная труппа под руководством балетмейстера Н. С. Холфина. В 1940 году поставлен первый киргизский балет «Анар» Власова и Фере. В основу сценария этого балета положен популярный в национальном фольклоре сюжет о всепобеждающей силе любви над патриархальными обычаями и неограниченной властью феодалов. Балет насыщен бытовыми сценами, ярким этнографическим материалом, живописными картинками народной жизни.

    В 1942 году, на основе Музыкально – драматического театра был создан киргизский театр оперы и балета имени  А. Малдыбаева. Ядро балетной труппы составили артисты,

                                                               -51-

обучавшиеся в Ленинградском хореографическом училище, которые определили в дальнейшем творческие достижения киргизской хореографии. Среди лучших спектаклей: «Чолпон» Раухваргера (1944); вторая редакция в 1953 году, третья – в 1958 году; «Весна в Ала - Тоо» Власова и Фере (1955), «Куйручук» Молдасанова и Окунева (1960); 2-я редакция в 1965 году, 3-я в 1977 году; «Асель» Власова (1967), «Бессмертие» Нурымова (1972) для этих работ характерны плодотворное овладение классическими формами балетного искусства, реализм, поиски пластических средств для выражения особенностей духовного склада жизни народа. В совершенствовании мастерства артистов важную роль сыграли также постановки балетов: «Соперницы», «Тщетная предосторожность» (1939), «Коппелия» (1940), «Лауренсия» (1941), «Волшебная флейта» Дриго (1943), «Раймонда» (1947), «Бахчисарайский фонтан» (1948) и другие. В 1939 году театр награждён орденом Ленина, ему присвоено звание академического в 1959 году. За балет – ораторию  «Материнское поле» в 1976 году присуждена Государственная премия СССР. В 1978 году театру было  присвоено имя А. Малдыбаева.  

                                    Узбекский театр оперы и балета

    Узбекский народ с древних времён имел развитую танцевальную культуру как в фольклорной форме, так и в профессиональной – узбекский классический танец. Это оказало огромное влияние на развитие современного балетного искусства Узбекистана. Его формированию способствовали деятели русской музыкальной культуры. В 1909 году известный артист Юсуп Кизык Шакарджанов, показав в Петербурге труппе Мариинского театра ферганский классический танец «Катта-уйин», имел возможность познакомиться с балетными спектаклями, которые произвели на него большое впечатление. Ученица Шакарджанова – прославленная создательница и исполнительница узбекского сценического танца Тамара Ханум сыграла огромную роль в организации и становлении музыкального балетного театра в республике.

    После Октябрьской революции 1917 года началось активное развитие профессионального хореографического искусства, возрождение узбекского классического танца. В 1918 году в Ташкенте силами русских артистов и музыкантов была организована Русская государственная опера (с1929 года  - Театр оперы и балета имени Свердлова), при которой существовала небольшая балетная труппа, выступавшая

В операх и с отдельными номерами в концертах. Её первыми самостоятельными работами были «Лебединое озеро» и «Шехеразада» (балетмейстер М. Ф. Моисеев, оба балета были поставлены в 1925 году).

    В 1926 году по инициативе певца и театрального деятеля М. Кари – Якубова и Тамары Ханум была организована 1-я Узбекская государственная передвижная концертно – этнографическая труппа (в 1929 году преобразована в Узбекский музыкально – драматический театр), при которой Тамара Ханум создала танцевальную студию, где преподавали классический танец. В студии кроме Ханум, работали московский педагог и

                                                               -52-

балетмейстер К. А. Бек, артисты Театра оперы и балета имени Сверджлова Егоров и Губская. В 1933 году в Ташкенте была организована балетная школа, где классический танец преподавали артисты Театра имени Свердлова Е. К. Обухова, в прошлом артистка петербургского Мариинского  театра. В 1940 году Губская и Егоров силами учащихся поставили балет «Аистёнок».

    В 1933 году в Узбекском музыкально – драматическом театре был поставлен первый национальный балет – пантомима «Пахта» Рославца (балетмейстер Бек и У. А. Камилов) – опыт создания многоактного спектакля средствами народной хореографии. В 1939 году был показан национальный балет – «Шахида» Таля (балетмейстер А. Томский, Камилов и М. Т. Тургунбаева).

    В 1939 году на базе Узбекского музыкально – драматического театра открылся Узбекский государственный театр оперы и балета. В 1940 году театр поставил национальный балет, надолго вошедший в его репертуар, - «Гуляндом» Брусиловского (балетмейстер Арбатов, Ханум, Камилов, Губская) и «Сердце гор» Баланчивадзе (балетмейстер Е. Н. Барановский). В 1943 году по инициативе балетмейстера Ф. В. Лопухова был поставлен балет «Акбиляк» Василенко, где в главной партии птицы Семург выступила Измайлова.

    В первое послевоенное десятилетие в развитии узбекского балета были достигнуты значительные успехи. При театре балетмейстер Йоркин (возглавлял труппу с 1944 года) создал балетную студию. Учащиеся студии и выпускники балетной школы составили ядро труппы. В 1945 году был поставлен 3-й акт «Лебединого озера», в 1947 году – «Коппелия». В 1947 году было основано Узбекское хореографическое училище, выпускники которого впоследствии составили основную часть трупп Театра имени Навои, а позже Самаркандского театра. В 1948 – 1951 годах при Московском хореографическом училище работала узбекская балетная студия (педагоги М. А. Кожухов и Н. И. Тарасов), которую окончили многие известные артисты узбекского балета. В 1948 году Узбекский театр оперы и балета и Театр оперы и балета имени Свердлова слились и стали называться Театром имени А. Навои. Балетная труппа укрепилась. Приход в труппу в 1954 году первых выпускников Узбекского хореографического училища позволил существенно обновить её состав и внести в репертуар новые классические балеты («Жизель», 1957 год; «Шопениана», 1960 год и другие). К началу 70-х годов вырос профессиональный уровень труппы. В её репертуар прочно вошли балеты классического наследия («Дон – Кихот», «Лебединое озеро», «Жизель», «Шопениана, «Корсар») и советские балеты («Бахчисарайский фонтан», «Барышня и хулиган», «Доктор Айболит», «Анна Каренина» и другие), были созданы новые национальные балеты: «Тановар» Козловского (1971, балетмейстер Н. С. Маркарьчнц), «В долине легенд» Мусаева (1977, балетмейстер Ю.В. Папко и Ю. Скотт).

    В 1978 году Бернара Кариева создала творческую группу Молодой балет театра Навои, экспериментирующую в области языка национально – классического танца.

    В 1964 году в республике был создан Самаркандский театр оперы и балета. Его организатором и первым художественным руководителем был узбекский композитор и дирежёр народный артист СССР М. А. Ашрафи. Труппа театра создала несколько новых

                                                               -53-

национальных балетов: «Дракон и солнце» Зейдмана (1967 год, балетмейстер Т. К. Дусметов), «Самаркандская легенда» Мушеля (1970 год, балетмейстер А. М, Муминов), «Сказание о Рустаме» Ашрафи (1977 год, балетмейстер С. Ш. Бурханов).

                              Тема №  Болгарский балетный театр

    Развитие профессионального балетного театра началось в XX веке. Освободившись от османского господства, болгарский народ восстанавливаетфольклорные традиции страны, начинает знакомиться с профессиональным сценическим танцем. Первые фольклорные концерты состоялись в 1900 – 1908 годах. Их инициаторами были учителя гимнастики Р. Колева и П. Радоев, фольклористы – хореографы А. Димитров и Х. Грибов.

    В 1908 году в Болгарии был открыт оперный театр «Болгарское оперное товарищество». Во главе театра встали А. Димитров, Р. Колева, П. Радоев, который в 1914 году основал детскую балетную школу, просуществовавшую более 10 лет. Учащиеся этой школы давали балетные представления и пропагандировали профессиональное хореографическое искусство.

    В 20-е годы в Софии, гастролировали русские балетные артисты: Мария Юрьева и Елизавета Андерсон, Викторина Кригер и другие. И болгарский зритель имел возможность познакомиться с русской балетной школой.

    Но правящая прфашистски настроенная буржуазия боялась влияния советской культуры. Гастроли русских артистов были прекращены. Их влиянию были противопоставлены тенденции немецкого танцевального модернизма, немецкая танцевальная школа Р. фон Лабана, Жака-Далькроза, сестёр Визенталь.

    Создание Софийского оперного театра явилось новым шагом в укреплении профессионального болгарского балетного искусства. Софийской балетной труппой и балетной школой руководил с 1927 года по1944 год ученик бывшей балерины Мариинского театра Е. Н. Эдуардовой – Анастас Петров. Он понимал, что театру нужны творческие индивидуальности, поэтому его педагогический метод сочетал развитие технических данных и артистического мастерства у будущих артистов балета, а основу балетного спектакля он видел в логическом построении сюжетного действия. Его постановки отличались жанровым и стилевым разнообразием. Он ставил классические балеты: «Коппелия», «Раймонда», «Жизель», «Лебединое озеро», «Эсмеральда»; балеты с сюжетной и танцевальной основой болгарского фольклора: «Змей и Яна», «Орфей и Родопа».

    Вторая мировая война задержала развитие болгарского балетного театра. Правда, в эти годы А. Петров ставит «Поэт – принц» на музыку Ф. Шопена, «Тамара» на музыку М. Балакирева. Но незначительность содержания, преобладание пантомимы над танцем не сделали их художественным достижением балетмейстера. Скорее, они выражали момент кризиса в творчестве А. Петрова, поскольку в них он обращался к решённым  старым проблемам. Однако главное заключалось в том, что А. Петров заложил                                                               

                                                            -54-

фундамент болгарского балета, создал профессиональную труппу, определил пути развития национального балетного театра на основе слияния классического танца с народным.

    В 1944 году в Болгарии был установлен народно – демократический строй. Народное правительство сразу же открыло оперно – балетные театры в Старо – Загоре, Пловдиве, Варне, Русе. Советские балетмейстеры и педагоги  помогали становлению балетных трупп. Так, Н. А. Анисимова поставила «Бахчисарвйский фонтан», Н. С. Холфин – «Соперницы», «Доктор Айболит», «Шехеразада», «Красный мак», Ф. И. Балабина – «Спящую красавицу».

    Постановки советских балетмейстеров помогали формированию исполнительского и балетмейстерского национального искусства. Например, Н. С. Холфин поставил болгарский балет «Гайдукская песня» на музыку А. Райчева.

   Молодое поколение балетмейстеров 60-70 годов сохранило традицииболгарского театра.сюжетно выстраивая спектакль,хореографы добиваются отчётливой драматургии, высокой театральности. Среди их постановок:»Дафнис и Хлоя», «Петрушка», (балетмейстер Б. Ковачёв), «апполон Мусагет», «Агон», «Скифская сюита» (балетмейстер П. Луканов), «Мадарский всадник» (балетмейстер И. Немечек), «Папесса Иоанна» (балетмейстер В. Борковский).

    Болгарский балет воспитал новое поколение балетмейстеров. Среди них М. Димова, М. Арнаудова, Н. Кираджиева, они проявляют особый интерес к новым спектаклям, идеям и приёмам реалистического балета, к балетам на национальной основе.

                         Тема №18 Балетный театр Венгрии

    С профессиональным балетным искусством Венгрия знакома с XVIII века, с того времени, когда там гастролировали иностранные артисты: Ж. Ж. Новер, С. Вигано, М. Медина и другие. Попытки же создания национального венгерского балета относятся к 90-м годам XIX века. Странствующие труппы, танцовщики – любители пропагандировали национальное венгерское танцевальное искусство.

    Венгерский оперный театр открыт в 1884 году, но раньше там выступали преимущественно иностранные артисты. Это задержало рост национальных кадров. Тем не менее, в 90-е годы в Будапеште были поставлены первые национальные балеты: «Чардаш», Стояновича, «Виора» Сабодаша, «День и ночь» Тота и Меца.

    В конце XIX века в Венгрии с огромным успехом гастролировалабалетная труппа Мариинского театра, а в 1912 – 1913 годах в Будапеште выступала труппа Анны Павловой и «Русский балет» Сергея Дягилева. Искусство А. Павловой, В. Нижинского, Т. Карсавиной, постановки М. Фокина способствовали распространению классического танца, усиливали интерес к профессиональному хореографическому искусству.

    Первая мировая война приостановила дальнейшее развитие венгерского национального балета. Только в 1917 году балетмейстеры О. Зёбиш, и Брада поставили балет «Деревянный принц» на музыку Б. Бартока. Это было крупным событием в

                                                            -55-

культурной жизни Венгрии. В 20-30 годы происходило формирование национальных кадров балетмейстеров, в венгерском оперном театре работали О. Сентпал, Э. Галафреш, А. Гобье, Р. Кёллинг, А. Миллш, Р. Брада. Работа этих балетмейстеров способствовала развитию венгерского исполнительского искусства.

    В 30-е годы XX века венгерский балет поднимается на более высокий художественный уровень. В 1936 году в Будапешт из эмиграции вернулся педагог Ференц Надаши. Он воспитал целую плеяду солистов и создал крепкий балетный ансамбль. Сам он, ученик Э. Чеккети и Н. Легата, сумел сочетать в балете итальянский и русский классический стиль. Среди его учеников – Жужа Кун, Габриэлла. Лакатош, Виктор Рона, Адель Орос, Ференц Хаваш, Вера Сумрак и другие.

    Известный венгерский балетмейстер Д. Харангозо начал свою деятельность в 30-е годы нашего века. Его реалистические балеты «Сцена в корчме» Хубаи, «Чудесный мандарин» Б. Бартока, «Деревянный принц», «Хитрые студенты», «Платочек», «Лудаш Матьи» подняли венгерский балет на уровень европейского хореографического искусства.

   Освобождение Венгрии в 1945 году отфашизма открыло перед национальным балетом новые перспективы. Деятельность советских педагогов и балетмейстеров способствовало этому. В. Вайнонен поставил балет «Щелкунчик», А. Мессерер – «Лебединое озеро», Р. Захаров «Бахчисарайский фонтан». Л. Лавровский – «Жизель», В. Чабукиани «Лауренсия». Много лет в Венгрии работала педагогом и репетитором О. В. Лепешинская, а венгерские танцовщики совершенствовали своё мастерство в Московском и Ленинградском хореографических училищах. Многие венгерские педагоги и балетмейстеры учились в ГИТИСе в Москве.

   Репертуар балетных трупп Венгрии разнообразен. В него входят классические балеты и соаременные, многоактные и одноактные, отечественные и зарубежные. Среди современных балетмейстеров особой популярностью пользуется Ласло Шереги. Он начал ставить свои первые танцы в оперных спектаклях, а первым его балетом стал «Спартак» А. И. Хачатуряна.Ласло Шереги поставил много балетов. Среди них: «Деревянный принц», «Чудесный мандарин», «Девушка возрождённая танцем», «Сильвия», «Секейская прядильня».

   В венгерском оперном театре ставят балеты и европейские хореографы – Ж. Шарра, М. Бежар. Балетмейстеры Венгрии Ш. Тот, И. Марко, И. Экк, организовали труппу «Венгерский Печский балет», своеобразную творческую лабораторию, в постановах которой используется не только классический танец, но и элементы пантомимы, танца модерн, эстрадного танца, акробатики и цирка.

     Тема № 19 Чехословацкий балетный театр.

   Балет Чехословакии стал развиваться с открытия в 1883 году Чехословацкого национального театра.


 

А также другие работы, которые могут Вас заинтересовать

52440. Сім чудес України 682.5 KB
  2010 рік Мета: розширити знання учнів про Україну як державу в якій ми живемо; ознайомити дітей з історично відомими місцями України; формувати і розвивати патріотичні почуття учнів любов та повагу до рідної землі; виховувати почуття громадянськості й гордості за свою Батьківщину за історичне минуле українського народу; розвивати пізнавальний інтерес до минулого і сьогодення.Симоненко ; на мультимедійному екрані фотозображення семи чудес України і напис Сім чудес України . Раді вітати вас на виховному заході Сім чудес України .Усок виконує...
52441. Мій Чугуїв – мій рідний край. Віртуальна подорож 62 KB
  Ми вирушаємо Звучить мелодія пісні На нашій Україні Учень: На Слобожанском вольном крае Где встарь шумели ковыли Тяжёлый колос наливая Пшеница гнётся до земли. Ось що розповідають про ті часи 1 – й учень...
52442. Cities. Towns. Villages. Sightseeings 32 KB
  Завдання: 1 контроль навичок аудіювання читання письма та усного мовлення; 2 навчити учнів використовувати набуті знання вміння та навички в писемній та усній мові; 3 виховувати в учнів інтерес до цікавих визначних місць світу. Основна частина уроку: Контроль навичок письма і засвоєння тематичної лексики: Now children we’ll check up your knowledge of themticl vocbulry. Dicttion trnsltion: напрямок територія мальовничий архітектура визначний краєвид маршрут навколишній довідкове бюро річкова гавань nd now 2 numbers turn...
52443. Подорож. Опис міста. Подорож по місту 42.5 KB
  Children, when people want travel they need a lot of information: they way of traveling, the things they have to take with them, some information about country they want to go to. That’s why we shall speak about it.
52444. Місто моєї мрії 50 KB
  Well done Some people cll “home†flt or house where they live others men ntive city. Tody we hve the finl lesson on the topic “CITY†we will try to show our guests everything we hve lredy lernt. nd some minutes before the end of the lesson you will work in groups nd mke group projects “THE CITY OF MY DREMâ€. Now look t the poster nd tell me wht plces cn we see in ny town or city hospitl bnk n institute school shop stdium museum thetre cinem etc b LISTENING Now listen to the text nd guess wht cities...
52448. Laughter and Humour in Our Life 47.5 KB
  Objectives: Revise the key words of the unit “Lughterâ€; To discuss the helth nd socil benefits of humour nd lughter; Develop listening nd speking skills; Give presenttions bout some British or mericn Comedins; Listen to rdio interview nd do Multiple choice nd True or Flse sttement tests; Develop the students’ sense of humour. The theme of our tody’s lesson is:†Lughter nd Humour in Our Lifeâ€. We re going to figure out the helth nd socil benefits of humour nd lughter hve tlk bout some British nd mericn comedins develop our sense of...