77141
ЖИВОПИСЬ РУБЕЖА XIX –ХХ ВЕКОВ
Реферат
Культурология и искусствоведение
С кризисом народнического движения, в 1990-е годы, «аналитический метод реализма XIX века», как его называют в отечественной науке, себя изживает. Многие из художников-передвижников испытывали творческий упадок, ушли в «мелкотемье» развлекательной жанровой картины.
Русский
2015-02-01
334.5 KB
11 чел.
Ильина, Т.В. История искусств. Отечественное искусство: Учебник / Т.В. Ильина 3-е изд., перераб. и доп. М.: Высшая школа, 2003. 407 с., ил. (235 - 273)
ЖИВОПИСЬ РУБЕЖА XIX ХХ ВЕКОВ
Вопросы:
1. Общая характеристика культуры конца XIX начала ХХ века
Кризис передвижничества
С кризисом народнического движения, в 1990-е годы, «аналитический метод реализма XIX века», как его называют в отечественной науке, себя изживает. Многие из художников-передвижников испытывали творческий упадок, ушли в «мелкотемье» развлекательной жанровой картины.
Традиции Перова сохранялись более всего в Московском училище живописи, ваяния и зодчества благодаря преподавательской деятельности таких художников, как С.В. Иванов, КА. Коровин, В.А. Серов и др.
За обновление искусства
Сложные жизненные процессы обусловили многообразие форм художественной жизни этих лет. Все виды искусства живопись, театр, музыка, архитектура выступили
за обновление художественного языка,
за высокий профессионализм.
Для живописцев рубежа веков свойственны иные способы выражения, чем у передвижников, иные формы художественного творчества в образе противоречивых, усложненных и отображающих современность без иллюстративности и повествовательности. Художники мучительно ищут гармонию и красоту в мире, который в основе своей чужд и гармонии, и красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного.
Время ожидания
Это время «канунов», ожидания перемен в общественной жизни породило множество течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов. Но оно породило также универсализм целого поколения художников, выступивших после «классических» передвижников. Достаточно назвать только имена В.А. Серова и М.А. Врубеля. (235)
«Мир искусства»
Большую роль в популяризации отечественного искусства, особенно XVIII века, а также и западноевропейского, в привлечении к выставкам мастеров Западной Европы играли художники объединения «Мир искусства». «Мирискусники», собравшие лучшие художественные силы в Петербурге, издававшие свой журнал, самим своим существованием способствовали консолидации художественных сил и в Москве, созданию «Союза русских художников».
В разных жанрах и видах
Импрессионистические уроки пленэрной живописи,
композиция «случайного кадрирования»,
широкая свободная живописная манера
все это результат эволюции в развитии изобразительных средств во всех жанрах рубежа веков. В поисках «красоты и гармонии» художники пробуют себя в самых разных техниках и видах искусства
от монументальной живописи и театральной декорации
до оформления книги и декоративно-прикладного искусства.
Стиль модерн
На рубеже веков сложился стиль, затронувший все пластические искусства, начиная прежде всего с архитектуры (в которой долго господствовала эклектика) и кончая графикой, получивший название стиля модерн. Явление это не однозначное, в модерне есть и декадентская вычурность, претенциозность, рассчитанные главным образом на буржуазные вкусы, но есть и знаменательное само по себе стремление к единству стиля. Стиль модерн это новый этап в синтезе архитектуры, живописи, декоративных искусств.
В изобразительных искусствах модерн проявил себя:
в скульптуре
текучестью форм,
особой выразительностью силуэта,
динамичностью композиций;
в живописи
символикой образов,
пристрастием к иносказаниям.
2. Жанровая живопись
Появление модерна не означало, что идеи передвижничества умерли к концу века. В 90-х годах развивается жанровая живопись, но развивается она несколько иначе, чем в «классическом» передвижничестве 70 80-х годов. Так, по-новому раскрывается крестьянская тема. (236)
Сергей Коровин
Раскол в сельской общине подчеркнуто обличительно отражает Сергей Алексеевич Коровин (1858 1908) в картине
Абрам Архипов
Безысходность существования в тяжелом изнуряющем труде сумел показать Абрам Ефимович Архипов (1862 1930) в картине
Он достиг этого в большой степени благодаря новым живописным находкам, по-новому понятным возможностям цвета и света.
Сергей Иванов
делают еще трагичнее картину Сергея Васильевича Иванова (1864 - 1910)
Торчащие, как воздетые в крике, оглобли драматизируют действие значительно больше, чем изображенный на переднем плане мертвец или воющая над ним баба. Иванову принадлежит одно из произведений, посвященных революции 1905 году.
Импрессионистический прием «частичной композиции», как бы случайно выхваченного кадра сохранен и здесь: лишь намечена линия домов, шеренга солдат, группа демонстрантов, а на переднем плане, на освещенной солнцем площади, фигура убитого и бегущей от выстрелов собаки. Для Иванова характерны
Николай Касаткин
В 90-х годах XIX века в искусство входит художник, который главным героем своих произведений делает рабочего. В 1894 года появляется картина Н.А. Касаткина (1859 1930)
В 1895 году (237)
3. Историческая живопись
3.1. Андрей Рябушкин.
3.2. Аполлинарий Васнецов
3.3. Филипп Малявин
3.4. Михаил Нестеров
3.1. Андрей Петрович РЯБУШКИН (1861 1904)
Историко-бытовой жанр
На рубеже веков несколько иной путь развития, чем у Сурикова, намечается в исторической теме. Так, например, Андрей Петрович Рябушкин (1861 - 1904) работает скорее в историко-бытовом, чем чисто историческом жанре.
это бытовые сцены из жизни Москвы XVII столетия.
Интерес к 17 веку
Рябушкина особенно привлекал этот век,
Художник эстетски любуется ушедшим миром XVII века, что приводит к тонкой стилизации, далекой от монументализма Сурикова и его оценок исторических событий.
Стилизация Рябушкина
Стилизация сказывается у Рябушкина
Локальные цвета
Рябушкин смело вводит в пленэрный пейзаж локальные цвета, например в «Свадебном поезде...» -
на фоне темных строений и снега, данного, однако, в тончайшей цветовой нюансировке.
Ирония Рябушкина
Пейзаж всегда поэтично передает красоту рукой природы. Правда, иногда Рябушкину свойственно и ироническое отношение в изображении некоторых сторон быта, как, например, в картине
Во фронтально сидящих статичных фигурах с блюдечками в руках читаются размеренность, скука, сонность, мы чувствуем и давящую силу мещанского быта, ограниченность этих людей.
3.2. Аполлинарий Михайлович ВАСНЕЦОВ (1856 1933
Архитектура 17 века
Еще большее внимание уделяет пейзажу в своих исторических композициях Аполлинарий Михайлович Васнецов (1856 1933). Его любимой темой также является XVII век, но не бытовые сцены, а архитектура Москвы.
Картина, возможно, была навеяна вступлением к опере Мусоргского «Хованщина», эскизы декораций, к которой незадолго до этого исполнил Васнецов.
Преподавание в училище
А.М. Васнецов преподавал в пейзажном классе Московского училища живописи, ваяния и зодчества (1901 1918).
Как теоретик он изложил свои взгляды в книге «Художество. Опыт анализа понятий, определяющих искусство живописи» (М., 1908), в которой выступил за реалистические традиции в искусстве. Васнецов явился также учредителем «Союза русских художников». (238)
3.3. Филипп Андреевич МАЛЯВИН (1869 1940)
Новый тип картины
Новый тип картины, в которой совершенно по-особому освоены и переложены на язык современного искусства фольклорные художественные традиции, создал Филипп Андреевич Малявин (1869 1940), в юности занимавшийся в Афонском монастыре иконописью, а затем учившийся в Академии художеств у Репина.
Бабы и девки как символы Руси
Его образы «баб» и «девок» имеют некое символическое значение здоровой почвенной Руси. Картины его всегда экспрессивны, и хотя это, как правило, станковые произведения, но они получают под кистью художника монументально-декоративную трактовку.
Это реалистическое изображение крестьянских девушек, заразительно звонко смеющихся или безудержно несущихся в хороводе, но это реализм иной, чем во второй половине века.
Экспрессивный декоративизм
Малявин соединял в своей живописи экспрессивный декоративизм с реалистической верностью натуре.
3.4. Михаил Васильевич НЕСТЕРОВ (1862 1942)
Тема Древней Руси
К теме Древней Руси, как и ряд мастеров до него, обращается Михаил Васильевич Нестеров (1862 1942), но образ Руси предстает в картинах художника как некий идеальный, почти зачарованный мир, находящийся в гармонии с природой, но навек исчезнувший подобно легендарному граду Китежу.
Самое известное произведение
Это острое ощущение природы, восторг перед миром, перед каждым деревом и травинкой особенно ярко выражены в одном из самых известных произведений Нестерова дореволюционного периода
В раскрытии фабулы картины есть те же стилизаторские черты, что и у Рябушкина, но неизменно выражено глубоко лирическое чувство красоты природы, через которую и передается высокая духовность героев, их просветленность, их чуждость мирской суете.
Образ Сергия Радонежского
До обращения к образу Сергия Радонежского Нестеров уже высказал интерес к теме Древней Руси такими произведениями, как
создав образы высокой одухотворенности и тихой созерцательности.
Самому Сергию Радонежскому он посвятил еще несколько произведений
Религиозная монументальная живопись
М.В. Нестеров много занимался религиозной монументальной живописью:
Росписи всегда посвящены древнерусской теме (так, в Грузии Александру Невскому). В настенных росписях Нестерова много наблюденных
Влияние модерна
В стремлении же художника
проявилось несомненное влияние модерна.
Станковые произведения
Стилизация, в целом столь характерная для этого времени, в большой степени коснулась и станковых произведений Нестерова. Это можно наблюдать в одном из лучших полотен, посвященных женской судьбе,-
нарочито плоскостные фигуры монахинь, «черниц» и «белиц», обобщенные силуэты, как бы замедленный ритуальный ритм светлых и темных пятен фигур и пейзажа с его светлыми березами и почти черными елями. И как всегда у Нестерова, пейзаж играет одну из главных ролей. «Люблю я русский пейзаж, - писал художник, - на его фоне как-то лучше, яснее чувствуешь и смысл русской жизни, и русскую душу». (240)
4. Константин Алексеевич КОРОВИН (1861 1939)
Собственно пейзажный жанр развивается в конце XIX столетия также по-новому. Левитан, по сути, завершил искания передвижников в пейзаже. Новое слово на рубеже веков предстояло сказать К.А. Коровину, В.А. Серову и М.А. Врубелю.
Чисто живописные проблемы
Уже в ранних пейзажах Константина Алексеевича Коровина (1861 1939) решаются чисто живописные проблемы написать
«Концепционный» пейзаж (термин М.М. Алленова), такой, как саврасовский или левитановский, его не интересует. (240)
Для блестящего колориста Коровина мир представляется «буйством красок». Щедро одаренный от природы, Коровин занимался и портретом, и натюрмортом, но не будет ошибкой сказать, что любимым его жанром оставался пейзаж. Он принес в искусство прочные реалистические традиции своих учителей из Московского училища живописи, ваяния и зодчества Саврасова и Поленова, но у него другой взгляд на мир, он ставит другие задачи.
Пленэрная живопись
Он рано стал писать на пленэре, уже в портрете хористки 1883 г. видно самостоятельное развитие им принципов пленэриэма, воплощенных затем в ряде портретов, сделанных
Французские пейзажи
Его французские пейзажи, объединенные названием «Парижские огни», - это уже вполне импрессионистическое письмо, с его высочайшей культурой этюда. Острые, мгновенные впечатления от жизни большого города:
черты, напоминающие пейзажи Мане, Писсарро, Моне.
Коровин темпераментный, эмоциональный, импульсивный, театрализованный, отсюда яркая красочность и романтическая приподнятость его пейзажей
Портрет и натюрморт
Те же черты
сохраняет Коровин и во всех других жанрах, прежде всего в портрете и натюрморте, но также
которой он занимался всю жизнь (241)
Театрально-декорационная живопись
Щедрый живописный дар Коровина блистательно проявился в театрально-декорационной живописи. Как театральный живописец он работал
Коровин поднял театральную декорацию и значение художника в театре на новую ступень, он произвел целый переворот в понимании роли художника в театре и имел большое влияние на современников своими красочными, «зрелищными»
декорациями, выявляющими самое суть музыкального спектакля.
5. Валентин Александрович СЕРОВ (1865 1911)
Одним из самых крупных художников, новатором русской живописи на рубеже веков явился Валентин Александрович Серов. Его
целый этап в русской живописи.
Из музыкальной среды
Серов воспитывался в среде выдающихся деятелей русской музыкальной культуры (отец известный композитор, мать пианистка), учился у Репина и Чистякова, изучал лучшие музейные собрания Европы и по возвращении из-за границы вошел в среду абрамцевского кружка.
Абрамцевский кружок
В Абрамцеве и были написаны упоминавшиеся два портрета, с которых началась слава Серова, вошедшего в искусство со своим собственным, светлым и поэтичным взглядом на мир.
Вера Мамонтова сидит в спокойной позе за столом, перед ней на белой скатерти раскиданы персики. Она сама и все предметы представлены в сложнейшей световоздушной среде. Солнечные блики ложатся на скатерть, на одежду, настенную тарелку, нож. Изображенная девочка, сидящая за столом, находится в органичном единстве со всем этим вещным миром, в гармонии с ним, полна жизненной трепетности, внутреннего движения.
Еще в большей мере принципы пленэрной живописи сказались в портрете кузины художника Маши Симанович, написанном прямо на открытом воздухе. Цвета здесь даны в сложном взаимодействии друг с другом, они прекрасно передают атмосферу летнего дня, цветовые рефлексы, создающие иллюзию скользящих сквозь листву солнечных лучей.
Поэтический реализм
Серов отходит от критического реализма своего учителя Репина к «реализму поэтическому» (термин Д.В. Сарабьянова). Образы Веры Мамонтовой и Маши Симанович пронизаны
Это достигнуто
Отличие от импрессионистов
Но в отличие от импрессионистов Серов
Портреты художественной интеллигенции
Серов часто пишет представителей художественной интеллигенции: писателей, артистов, художников
Все они разные, всех он интерпретирует глубоко индивидуально, но на всех них лежит свет интеллектуальной исключительности и вдохновенной творческой жизни.
Античную колонну, вернее, классическую статую напоминает фигура Ермоловой, что еще более усиливается вертикальным форматом холста. Но главным остается лицо красивое, гордое, отрешенное от всего мелочного и суетного. Колорит решен всего на сочетаниях двух цветов: черного и серого, но во множестве оттенков. Эта правда образа, созданная не повествовательными, а чисто живописными средствами, соответствовала самой личности Ермоловой, которая своей сдержанной, но глубоко проникновенной игрой потрясала молодежь в бурные годы начала ХХ столетия.
Парадный портрет
Портрет Ермоловой парадный. Но Серов такой великий мастер, что, избирая иную модель, в этом же жанре парадного портрета, по сути, при тех же выразительных средствах умел создать образ совсем иного характера.
Так, в портрете княгини Орловой утрирование некоторых деталей
подчеркнутое внимание к роскоши интерьера, переданного лишь фрагментарно, как выхваченный кадр (часть стула, картины, угол стола), позволяют мастеру создать почти гротескный образ высокомерной аристократки.
Гротескность образа
Но та же гротескность в его знаменитом «Петре» -
(Петр в картине просто гигантского роста), позволяющая Серову изобразить стремительное движение царя и нелепо поспешающих за ним придворных, приводит к образу не ироническому, как в портрете Орловой, а символическому, передающему смысл целой эпохи. Художник восхищается неординарностью своего героя.
Разносторонность Серова
Портрет, пейзаж, натюрморт, бытовая, историческая картина; масло, гуашь, темпера, уголь трудно найти
Крестьянская тема
Особая тема в творчестве Серова крестьянская. В его крестьянском жанре нет передвижнической социальной заостренности, но есть
Зимние пейзажи
Особенно изысканны зимние пейзажи с их серебристо-жемчужной гаммой красок. (243)
Историческая тема
Совершенно по-своему Серов трактовал историческую тему: «царские охоты» с увеселительными прогулками Елизаветы и Екатерины II переданы художником именно нового времени, ироничным, но и неизменно восхищающимся красотой быта XVIII века. Интерес к XVIII веку возник у Серова под влиянием «Мир искусства» и в связи с работой над изданием «Истории великокняжеской, царской императорской охоты на Руси».
Влияние модерна
Серов был глубоко думающим художником, постоянно ищущим новые формы художественного претворения реальности. Навеянные модерном представления о плоскостности и повышенной декоративности сказались не только в исторических композициях, но и
Знаменательно, что Серов в конце жизни обращается к античному миру. В поэтической легенде, интерпретированной им свободно, вне классицистических канонов, он хочет найти гармонию, поиску которой художник посвятил все свое творчество. (244)
Эволюция Серова
Трудно сразу поверить, что портрет Веруши Мамонтовой и «Похищение Европы» писал один и тот же мастер, столь многогранен Серов в своей эволюции
6. Михаил Александрович ВРУБЕЛЬ (1856 1910)
Творческий путь Михаила Александровича Врубеля был более прямым, хотя при этом и необычайно сложным.
Юридический факультет
До Академии художеств (1880) Врубель окончил юридический факультет Петербургского университета.
В Киев на реставрацию фресок
В 1884 году он едет в Киев руководить реставрацией фресок в Кирилловской церкви и сам создает несколько монументальных композиций. Он делает акварельные эскизы росписей Владимирского собора. Эскизы не были перенесены на стены, поскольку заказчик был напуган их неканоничностью и экспрессивностью.
Демонической силы стиль
В 90-е годы, когда художник обосновывается в Москве, складывается полный таинственности и почти демонической силы стиль письма Врубеля, который не спутаешь ни с каким другим. Он лепит форму как мозаику, из острых «граненых» кусков разного цвета, как бы светящихся изнутри (245)
Цветовые сочетания не отражают реальности отношения цвета, а имеют символическое значение. Натура не имеет над Врубелем никакой власти. Он знает ее, прекрасно владеет ею, но творит свой собственный фантастический мир, мало похожий на реальность.
Антипод импрессионистам
В этом смысле Врубель антиподен импрессионистам (про которых не случайно сказано, что они то же, что натуралисты в литературе), ибо он никак не стремится к фиксации непосредственного впечатления от действительности. Он тяготеет к литературным сюжетам, которые он толкует отвлеченно, стремясь создать образы вечные, огромной духовной мощи.
Иллюстрации «Демона»
Так, взявшись за иллюстрации к «Демону», он скоро отходит от принципа прямого иллюстрирования
и уже в этом же 1890 году создает своего «Демона»
произведение, по сути, бессюжетное, но образ вечный, как и образы Мефистофеля, Фауста, Дон Жуана.
Образ Демона
Образ Демона центральный образ всего творчества Врубеля, его основная тема.
В 1899 году он пишет
в 1902 году
Демон Врубеля существо прежде всего страдающее. Страдание в нем превалирует над злом, и в этом особенность национально-русской трактовки образа. Современники, как справедливо замечено, видели в его «Демонах» символ судьбы интеллигента-романтика, пытающегося бунтарски вырваться из лишенной гармонии реальности в ирреальный мир мечты, но повергаемого в грубую действительность земного.
Смятение и тревога
Этот трагизм художественного мироощущения определяет и портретные характеристики Врубеля:
исполненных для особняка Е.Д. Дункер, отсутствуют покой и безмятежность. Врубель сам сформулировал свою задачу «будить душу величавыми образами от мелочей обыденности». (246)
Абрамцево
Уже упоминавшийся промышленник и меценат Савва Мамонтов сыграл очень большую роль в жизни Врубеля. Абрамцево связало Врубеля с Римским-Корсаковым, под влиянием творчества которого художник
В Абрамцеве он много занимался монументальной и станковой живописью, он обращается к фольклору: к сказке, к былине, итогом чего явились панно
Скульптуры в майолике
Врубель пробует силы в керамике, делая скульптуры в майолике. Его интересует языческая Русь и Греция, Ближний Восток и Индия все культуры человечества, художественные приемы которых он стремится постигнуть. И каждый раз почерпнутые им впечатления он претворял в глубоко символические образы, отражающие все своеобразие его мироощущения.
Черты модерна
Самые зрелые свои живописные и графические произведения Врубель создал на рубеже веков в жанре пейзажа, портрета, книжной иллюстрации.
в его произведениях этого периода все сильнее заявляют о себе черты модерна.
Театральные декорации
Как и К. Коровин, Врубель много работал в театре. Лучшие его декорации исполнены к операм Римского- Корсакова
и другим на сцене Московской частной оперы, т. е. к тем произведениям, которые давали ему возможность «общения» с русским фольклором, сказкой, легендой. (247)
Универсализм дарования
отличают Врубеля от многих его современников.
Мучительные метания
Творчество Врубеля ярче других отразило противоречия и мучительные метания рубежной эпохи. В день похорон Врубеля Бенуа говорил: «Жизнь Врубеля, какой она теперь отойдет в историю, дивная патетическая симфония, то есть полнейшая форма художественного бытия. Будущие поколения... будут оглядываться на последние десятки лет XIX века, как на «эпоху Врубеля»... Именно в нем наше время выразилось в самое красивое и самое печальное, на что оно было способно».
Эпоха «серебряного века»
С Врубелем мы входим в новое столетие, в эпоху «серебряного века», последнего периода культуры петербургской России, находящейся вне связи
С началом века связан
Но «серебряный век» был бессилен перед надвигающимися трагическими событиями в шедшей к революционной катастрофе России, продолжая пребывать в «башне из слоновой кости» и в поэтике символизма. (248)
7. Виктор Эльпидифорович БОРИСОВ-МУСАТОВ (1870 1905)
Живописный символизм
Если творчество Врубеля можно соотнести с общим направлением символизма в искусстве и литературе, хотя, как всякий большой художник, он и разрушал границы направления, то Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов прямой выразитель живописного символизма и один из первых ретроспективистов в изобразительном искусстве порубежной России.
Мечтатель ретроспективизма
Критики того времени даже называли его «мечтателем ретроспективизма». Умерший накануне первой русской революции, Борисов-Мусатов оказался совершенно глух к новым, стремительно врывающимся в жизнь настроениям. Его произведения это элегическая грусть по старым опустевшим «дворянским гнездам» и гибнущим «вишневым садам», по прекрасным женщинам, одухотворенным, почти неземным, одетым в какие-то вневременные костюмы, не несущие внешних примет места и времени. (248)
Наподобие гобеленов
Его станковые произведения более всего напоминают даже не декоративные панно, а гобелены. Пространство решено предельно условно, плоскостно, фигуры почти бесплотны, как, например, девушки у пруда в картине
погруженные в мечтательное раздумье, в глубокую созерцательность. Блеклые, бледно-серые оттенки цвета усиливают общее впечатление хрупкой, неземной красоты и анемичности, призрачности, которое распространяется не только на человеческие образы, но и на изображаемую им природу.
Блеклая гамма тонов
Не случайно одно из своих произведений Борисов-Мусатов назвал
блеклая гамма голубых, серых, лиловых тонов усиливает призрачность изображенного. (249)
8. «Мир искусства»
8.1. Общая характеристика.
8.2. Константин СОМОВ.
8.3. Александр БЕНУА.
8.4. Лев БАКСТ.
8.5. Евгений ЛАНСЕРЕ.
8.6. Михаил ДОБУЖИНСКИЙ.
8.7. Николай РЕРИХ.
8.8. Борис КУСТОДИЕВ.
8.9. Значение «Мир искусства»
8.10. Графика в годы революции
8.1. Общая характеристика
Эта тоска по ушедшим временам роднила Борисова-Мусатова с художниками «Мира искусства» организации, возникшей в Петербурге в 1898 году и объединившей мастеров самой высокой художественной культуры, художественную элиту России тех лет. «Мирискусники», кстати сказать, не поняли искусства Борисова-Мусатова и признали его лишь под конец жизни художника. (249)
Вечера в доме Бенуа
Начало «Миру искусства» положили вечера в доме А. Бенуа, посвященные искусству, литературе и музыке. Людей, собиравшихся там, объединяла любовь к прекрасному и уверенность, что его можно найти только в искусстве, так как действительность безобразна.
Реакция на передвижничество
Возникнув также как реакция на мелкотемье позднего передвижничества, его назидательность и иллюстративность, «Мир искусства» превратился вскоре в одно из крупных явлений русской художественной культуры.
Почти все известные художники
В этом объединении участвовали почти все известные художники Бенуа, Сомов, Бакст, Е.Е. Лансере, Головин, Добужинский, Врубель, Серов, К. Коровин, Левитан, Нестеров, Остроумова-Лебедева, Билибин, Сапунов, Судейкин, Рябушкин, Рерих, Кустодиев, Петров-Водкин, Малявин, даже Ларионов и Гончарова.
Русские сезоны
Огромное значение для формирования этого объединения имела личность Дягилева, мецената и организатора выставок, а впоследствии импресарио гастролей русского балета и оперы за границей - «Русские сезоны», познакомившие Европу с творчеством Шаляпина, Павловой, Карсавиной, Фокина, Нижинского и др. и явившие миру пример высочайшей культуры формы разных искусств: музыки, танца, живописи, сценографии.
Первые выставки
На начальном этапе формирования «Мира искусства» Дягилев устроил
Журнал «Мир искусства»
Под его редакцией с 1899 по 1904 год издается журнал под тем же названием, состоящий из двух отделов:
Последний религиозно-философского плана, в нем сотрудничали Д. Философов, Д. Мережковский и З. Гиппиус до открытия в 1902 году своего журнала «Новый путь». Тогда религиозно-философское направление в журнале «Мир искусства» уступило место теории эстетики, и журнал в этой своей части стал трибуной других символистов во главе с А. Белым и В. Брюсовым.
Основные положения
В редакционных статьях первых номеров журнала были четко сформулированы основные положения «мирискусников» об автономии искусства, о том, что проблемы современной культуры это исключительно проблемы художественной формы и что главная задача искусства воспитание эстетических вкусов русского общества, прежде всего через знакомство с произведениями мирового искусства.
Знакомство с мировым искусством
Нужно отдать им должное: благодаря «мирискусникам» действительно по-новому было оценено английское и немецкое искусство, а главное, открытием для многих стала живопись русского XVIII века и архитектура петербургского классицизма.
Критика как искусство
«Мирискусники» боролись за «критику как искусство», провозглашая идеалом критика-художника, обладающего высокой профессиональной культурой и эрудицией. Тип такого критика воплощал одни из создателей «Мир искусства» А.Н. Бенуа. (250)
Международная выставка
«Мирискусники» страивали выставки. Первая была и единственной международной, объединившей, помимо русских, художников Франции, Англии, Германии, Италии, Бельгии, Норвегии, Финляндии и пр. В ней приняли участие как петербургские, так и московские живописцы и графики. Но трещина между этими двумя школами петербургской и московской наметилась уже почти с первого дня.
Последняя пятая выставка
В марте 1903 года закрылась последняя, пятая выставка «Мира искусства», в декабре 1904 года вышел последний номер журнала «Мир искусства».
Выставка в парижском салоне
Последним его значительным делом в изобразительном искусстве была грандиозная историческая выставка русской живописи от иконописи до современности в парижском Осеннем салоне 1906 года, экспонированная затем в Берлине и Венеции (1906 1907). В разделе современной живописи основное место занимали «мирискусники». Это был первый акт всеевропейского признания «Мира искусства», а также открытия русской живописи XVIII начала ХХ века в целом для западной критики и настоящий триумф русского искусства.
Вторичное объединение
В 1910 году была предпринята попытка вновь вдохнуть жизнь в «Мир искусств» (во главе с Рерихом). В среде живописцев в это время происходит размежевание. Бенуа и его сторонники порывают с «Союзом русских художников», с москвичами, и выходят из этой организации, но они понимают, что вторичное объединение под названием «Мир искусства» не имеет ничего общего с первым. (251)
До начала 1920-х годов
Бенуа с грустью констатирует, что «не примирение под знаменем красоты стало теперь лозунгом во всех сферах жизни, но ожесточенная борьба». К «мирискусникам» пришла слава, но «Мира искусств», по сути, уже не было, хотя формально объединение существовало до начала 20-х годов (1924) при полном отсутствии цельности, на безграничной терпимости и гибкости позиций, примиряя художников от Рылова до Татлина, от Грабаря до Шагала.
Как здесь не вспомнить импрессионистов? Содружество, которое когда-то рождалось в мастерской Глейра, в «Салоне отверженных», за столиками кафе Гербуа и которому предстояло оказать огромное влияние на всю европейскую живопись, также распалось на пороге своего признания.
Графика и театр
Второе поколение «мирискусников» менее занято проблемами станковой картины, их интересы лежат
в обеих сферах они произвели настоящую художественную реформу.
Крупные индивидуальности
Во втором поколении «мирискуников» были и крупные индивидуальности (Кустодиев, Судейкин, Серебрякова, Чехонин, Григорьев, Яковлев, Шухаев, Митрохин и др.), но художников-новаторов не было вовсе, ибо с 1910-х годов «Мир искусства» захлестывает волна эпигонства. Поэтому при характеристике «Мира искусства» речь пойдет в основном о первом этапе существования этого объединения и его ядре Бенуа, Сомове, Баксте.
8.2. Константин Андреевич СОМОВ (1869 1939)
Ведущий художник
Ведущим художником «Мира искусства» был Константин Андреевич Сомов (1869-1939). Сын главного хранителя Эрмитажа, окончивший Академию художеств и изъездивший Европу, Сомов получил блестящее образование. Творческая зрелость пришла к нему рано, но, как верно замечено исследователем (В.Н. Петров), в нем всегда сказывалась некоторая раздвоенность борьба между мощным реалистическим чутьем и болезненно-эмоциональным мироощущением.
Анемичная женская красота
Сомов, каким мы его знаем, проявился
где он создает поэтическую характеристику хрупкой, анемичной женской красоты декадентского образца, отказываясь от передачи реальных бытовых примет современности. Он облачает модели в старинные костюмы, придает их облику черты тайного страдания, грусти и мечтательности, болезненной надломленности.
Серия графических портретов
Сомову принадлежит серия графических портретов его современников интеллектуальной элиты
в которых он употребляет один общий прием: на белом фоне в некой вневременной
сфере рисует лицо, сходство в котором достигается не через натурализацию, а смелыми обобщениями и метким отбором характерных деталей. Это отсутствие примет времени создает впечатление статичности, застылости, холодности, почти трагического одиночества.
Тема прошлого XVIII века
Раньше всех в «Мире искусства» Сомов обратился к темам прошлого, к интерпретации XVIII века
явившись предшественником версальских пейзажей Бенуа. Он первый создает ирреальный мир, сотканный из мотивов дворянско-усадебной и придворной культуры и собственных сугубо субъективных художественных ощущений, пронизанных иронией. Историзм «мирискусников» был бегством от действительности. Не прошлое, а его инсценировка, тоска по невозвратимости его вот основной их мотив. Не истинное веселье, а игра в веселье с поцелуями в аллеях таков Сомов.
Галантные празднества
Другие работы Сомова это пасторальные и галантные празднества
полные едкой иронии, душевной опустошенности, даже безысходности. Любовные сцены из XVIII начала XIX века даны всегда с оттенком эротики. Последнее особенно проявилось в его фарфоровых статуэтках, посвященных как бы одной теме призрачной погоне за наслаждениями.
Графические работы
Сомов много работал как график, он оформил
Книга как единый организм со своим ритмическим и стилевым единством была поднята им на необычайную высоту. Сомов не иллюстратор, он «иллюстрирует не текст, а эпоху, пользуясь литературным приемом как трамплином»,- писал о нем А.А. Сидоров, и это очень верно.
8.3. Александр Николаевич БЕНУА (1870 1960)
Идейный вождь
Идейным вождем «Мира искусства» был Александр Николаевич Бенуа необычайно разносторонний талант. Живописец, график-станковист и иллюстратор, театральный художник, режиссер, автор балетных либретто, теоретик и историк искусства, музыкальный деятель, он был, по выражению А. Белого, главным политиком и дипломатом «Мира искусства».
Из высшего слоя интеллигенции
Происходивший из высшего слоя петербургской художественной интеллигенции (композиторов и дирижеров, архитекторов и живописцев), он учился сначала на юридическом факультете Петербургского университета. (253)
Первая Версальская серия
Как художника его роднят с Сомовым стилизаторские тенденции и пристрастие к прошлому «Я упоен Версалем, это какая-то болезнь, влюбленность, преступная страсть... Я совершенно переселился в прошлое...». В версальских пейзажах Бенуа слились историческая реконструкция XVII века и современные впечатления художника, его восприятие французского классицизма, французской гравюры.
Отсюда
1-я версальская серия 1896 1898 годов под названием
Вторая Версальская серия
Во второй версальской серии (1905 1906) ирония, которая свойственна и для первых листов, окрашена почти трагедийными нотами
Мышление Бенуа мышление театрального художника по преимуществу, который прекрасно знал и чувствовал театр.
Природа воспринимается Бенуа в ассоциативной связи с историей (виды Павловска, Петергофа, Царского Села, исполненные им в технике акварели).
Русская серия
В серии картин из русского прошлого, исполненных по заказу московского издательства Кнебель (иллюстрации к «Царским охотам»), в сценах дворянской, помещичьей жизни XVIII века. Бенуа создал интимный образ этой эпохи, хотя и несколько театрализованный (254)
Бенуа-иллюстратор
Бенуа-иллюстратор (Пушкин, Гофман) целая страница в истории книги. В отличие от Сомова Бенуа создает иллюстрацию повествовательную. Плоскость страницы для него не самоцельна.
Иллюстрации к «Пиковой даме»
Иллюстрации к «Пиковой даме» были скорее законченными самостоятельными произведениями, не столько «искусство книги», по определению А.А.Сидорова, сколько «искусство в книге».
Оформление «Медного всадника»
Шедевром книжной иллюстрации явилось графическое оформление «Медного всадника» (1903, 1905, 1916, 1921 1922, тушь и акварель, имитирующие цветную гравюру на дереве). В серии иллюстраций к великой поэме главным героем становится архитектурный пейзаж Петербурга,
на фоне которого еще ничтожнее кажется фигура Евгения. Так Бенуа выражает трагический конфликт между судьбами российской государственности и личной судьбой маленького человека
И во всю ночь безумец бедный,
Куда стопы ни обращал,
За ним повсюду Всадник Медный
С тяжелым топотом скакал.
Театральный художник
Как театральный художник Бенуа оформлял спектакли «Русских сезонов», из которых самым знаменитым был балет «Петрушка» на музыку Стравинского, много работал в Московском Художественном театре, впоследствии почти на всех крупных европейских сценах. (255)
Критик и историк искусства
Деятельность Бенуа художественного критика и историка искусства, обновившего вместе с Грабарем методы, приемы и темы русского искусствознания, это целый этап в истории искусствоведческой науки см.
8.4. Лев Самуилович БАКСТ (1866 1924)
Известность в Европе
Третьим в ядре «Мира искусства» был Лев Самуилович Бакст, прославившийся как театральный художник и первым среди «мирискусников» приобретший известность в Европе. Он пришел в «Мир искусства» из Академии художеств, затем исповедовал стиль модерн, примыкал к левым течениям в европейской живописи.
Портреты Бакста
На первых выставках «Мира искусства» он экспонировал ряд живописных и графических портретов (Бенуа, Белого, Сомова, Розанова, Гиппиус, Дягилева), где натура, предстоящая в потоке живых состояний, преображалась в некое идеальное представление о человеке-современнике.
Марка журнала
Бакст создал марку журнала «Мир искусства», ставшую эмблемой дягилевских «Русских сезонов» в Париже.
Тяга к античности
В графике Бакста отсутствуют мотивы XVIII века и усадебные темы. Он тяготеет к античности, причем к греческой архаике, толкованной символически. Особым успехом пользовалась у символистов его картина
Страшное грозовое небо, молния, освещающая пучину моря и древний город, - и над всей этой вселенской катастрофой господствует архаическая кора с загадочной застывшей улыбкой. (256)
Театрально-декорационная работа
Вскоре Бакст целиком ушел в театрально-декорационную работу, а его декорации и костюмы к балетам дягилевской антрепризы, исполненные с необычайным блеском, виртуозно, артистично, принесли ему мировую славу. В его оформлении шли спектакли с Анной Павловой, балеты Фокина. Художник делал декорации и костюмы
8.5. Евгений Евгеньевич ЛАНСЕРЕ (1875 1946)
Книжная графика
Из первого поколения «мирискусников» более молодым по возрасту был Евгений Евгеньевич Лансере, в своем творчестве затронувший все основные проблемы книжной графики начала ХХ века иллюстрации
Литографии Петербурга
Лансере создал ряд акварелей и литографий Петербурга
Исторические композиции
Архитектура занимает огромное место в его исторических композициях
Можно сказать, что в творчестве Серова, Бенуа, Лансере был создан новый тип исторической картины она лишена фабулы, но при этом прекрасно воссоздает облик эпохи, вызывает множество историко-литературных и эстетических ассоциаций.
70 рисунков и акварелей
Одно из лучших созданий Лансере 70 рисунков и акварелей
которые Бенуа считал «самостоятельной песней, прекрасно ввязывающейся в могучую музыку Толстого». В советское время Лансере стал видным художником-монументалистом. (257)
8.6. Мстислав Валерианович ДОБУЖИНСКИЙ (1875 1957
В графике Мстислава Валериановича Добужинского представлен не столько Петербург пушкинской поры или XVIII века, сколько современный город, который он умел передать с почти трагической выразительностью
равно как и человека обитателя таких городов
одинокий, на фоне унылых домов печальный человек, голова которого напоминает череп. Урбанизм будущего внушал Добужинскому панический страх.
Иллюстрации Добужинского
Он много работал и в иллюстрации, где самым замечательным можно считать его цикл рисунков тушью
Работа в театре
Добужинский работал также в театре, оформлял у Немировича-Данченко «Николая Ставрогина» (инсценировка «Бесов» Достоевского), тургеневские пьесы «Месяц в деревне» и «Нахлебник».
8.7. Николай Константинович РЕРИХ (1874-1947).
Особое место в «Мире искусства» занимает Николай Константинович Рерих. Знаток философии и этнографии Востока, археолог-ученый, Рерих получил прекрасное образование сначала дома, затем на юридическом и историко-филологическом факультетах Петербургского университета, потом в Академии художеств, в мастерской Куинджи, и в Париже в студии Ф. Кормона. Рано обрел он и авторитет ученого. (258)
Интерес к Древней Руси
Его роднила с «мирискусниками» та же любовь к ретроспекции, только не к XVII XVIII векам, а к языческой славянской и скандинавской древности, к Древней Руси; стилизаторские тенденции, театральная декоративность
Ближе всего Рерих был связан с философией и эстетикой русского символизма, но его искусство не укладывалось в рамки существовавших направлений, ибо оно в соответствии с мировосприятием художника обращалось как бы ко всему человечеству с призывом дружеского союза всех народов. Отсюда особая эпичность его полотен.
Пантеистический мистицизм
После 1905 года в творчестве Рериха нарастают настроения пантеистического мистицизма. Исторические темы уступают место религиозным легендам
Русские сезоны
Огромное влияние на Рериха имела русская икона: его декоративное панно
экспонировалось при исполнении фрагментов того же названия из оперы Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» в парижских «Русских сезонах». (259)
8.8. Борис Михайлович КУСТОДИЕВ (1878 1927)
Стилизация народного лубка
Во втором поколении «Мира искусства» одним из одареннейших художников был Борис Михайлович Кустодиев, ученик Репина, помогавший ему еще в работе над «Государственным Советом». Кустодиеву тоже свойственна стилизация, но это стилизация народного лубка. Отсюда яркие праздничные «Ярмарки», «Масленицы», «Балаганы», отсюда его картины из мещанского и купеческого быта, переданные с легкой иронией, но не без любования этими краснощекими полусонными красавицами за самоваром и с блюдцами в пухлых пальцах
8.9. Значение «Мир искусства»
В объединении «Мир искусства» участвовали также
Эстетическое движение
«Мир искусства» явился крупным эстетическим движением рубежа веков,
Жанры мирискусников
«Мирискусники» создали
со своими собственными стилевыми признаками (отчетливые стилизаторские тенденции, преобладание графических приемов над живописными, чисто декоративное понимание цвета и пр.). Этим определяется их значение для отечественного искусства.
Слабые стороны «Мира искусства»
Слабые стороны «Мира искусства» сказались прежде всего
Недолгий срок
Камерность «Мира искусства», его чистый эстетизм определили и недолгий исторический срок его жизни в эпоху грозных трагических предвестий надвигающейся революции. Это были лишь первые шаги на пути творческих исканий, и очень скоро «мирискусников» обогнали молодые.
8.10. Графика в годы революции
380 сатирических журналов
Для некоторых «мирискусников», однако, настоящим переворотом в мировоззрении явилась первая русская революция. Мобильность и доступность графики вызвала ее особую активность в эти годы революционной смуты. Возникло огромное число сатирических журналов (подсчитано 380 наименований с 1905 по 1917 г.).
Журнал «Жупел»
Cвoeй революционно-демократической направленностью выделялся журнал «Жало», но наиболее крупные художественные силы группировались вокруг «Жупела» и его приложения «Адская почта». Неприятие самодержавия объединило либерально мыслящих художников самых разных направлений.
Карикатура Билибина
В одном из номеров «Жупела» Билибин помещает карикатуру «Осел в 1/20 натуральной величины»: в рамке с атрибутами власти и славы, где обычно помещали изображение царя, нарисован осел.
Карикатура Лансере
Лансере в 1906 году печатает карикатуру»Тризна»: царские генералы в мрачном застолье слушают не поющих, а орущих солдат, стоящих навытяжку.
Рисунок Добужинского
Добужинский в рисунке «Октябрьская идиллия» остается верен теме современного города, только в этот город врываются зловещие приметы событий:
Карикатуры Кустодиева
Кустодиев исполнил ряд карикатур на царя и его генералов и исключительные по остроте и злой иронии портреты царских министров Витте, Игнатьева, Дубасова и пр., которых он так хорошо изучил, помогая Репину в работе над «Государственным Советом». Достаточно сказать, что Витте под его рукой предстает шатающимся клоуном
Карикатуры Серова
Но самыми выразительными в революционной графике тех лет следует признать рисунки ВА. Серова. Его позиция была совершенно определенной во время революции 1905 года. Революция вызвала к жизни целый ряд карикатур Серова:
Николай II с ракеткой под мышкой раздает георгиевские кресты усмирителям
на поле в снопы уложены винтовки. (261)
Самая знаменитая в этом ряду композиция
Здесь в полной мере проявились гражданская позиция Серова, его мастерство, наблюдательность и мудрый лаконизм рисовальщика. Серов изображает начало атаки казаков на демонстрантов 9 января 1905 года.
Название как бы заключает в себе всю горькую иронию ситуации: русские солдаты подняли оружие на свой народ. Так было и так это трагическое событье виделось не только Серову из окна его мастерской, но и (позволим себе выразиться фигурально) из глубины либерального сознания русской интеллигенции в целом.
На стороне революции
Русские художники, сочувствовавшие революции 1905 года, не знали, на пороге каких катаклизмов отечественной истории они стоят. Встав на сторону революции, они предпочли, условно говоря, террориста-бомбиста (из наследников нигилистов-разночинцев, «с их навыками политической борьбы и идеологической обработки широких слоев общества», по верному определению одного историка) городовому, стоящему на охране порядка. Они не ведали, что «красное колесо» революции сметет не только ненавистное им самодержавие, но и весь уклад русской жизни, всю русскую культуру, которой они служили и которая была им дорога.
9. Союз русских художников
9.1. Основатели московские художники.
9.2. Игорь Грабарь.
9.3. Константин Юон.
9.4. Станислав Жуковский.
9.5. Аркадий Рылов.
9.6. Значение «Союза»
9.1. Основатели московские художники
В 1903 году, как уже говорилось, возникло одно из самых крупных выставочных объединений начала века «Союз русских художников». В него вошли на первых порах почти все видные деятели «Мира искусства» Бенуа, Бакст, Сомов, Добужинский, Серов, участниками первых выставок были Врубель, Борисов-Мусатов.
Инициаторы московские художники
Инициаторами создания объединения явились московские художники, связанные с «Миром искусства», но тяготившиеся программным эстетством петербуржцев. Лицо же «Союза» определили преимущественно московские живописцы передвижнического направления, выученики Московского училища живописи, ваяния и зодчества, наследники Саврасова, ученики Серова и К. Коровина.
Члены «Союза»
Многие одновременно выставлялись и на передвижных выставках. Экспонентами «Союза» были разные по мироощущению художники: С. Иванов, М. Нестеров, А Архипов, братья Коровины, Л. Пастернак. Организационными делами ведали А.М. Васнецов, С.А Виноградов, В.В. Переплетчиков. Столпы передвижничества В.М. Васнецов, Суриков, Поленов состояли его членами. Лидером «Союза» считался К. Коровин. (262)
Национальный пейзаж
Национальный пейзаж, любовно написанные картины крестьянской России один из основных жанров художников «Союза», в котором своеобразно выразил себя «русский импрессионизм» с его преимущественно сельскими, а не городскими мотивами.
9.2. Игорь ГРАБАРЬ (1871 1960)
Пейзажи И.Э. Грабаря
Так, пейзажи И.Э. Грабаря (1871 1960)
своеобразная параллель на русской почве импрессионистическому пейзажу французов
В автомонографии Грабарь вспоминает об этом пленэрном пейзаже: «Зрелище снега с ярко-желтой листвой было столь неожиданно и в то же время столь прекрасно, что я немедленно устроился на террасе и в течение трех дней написал... картину».
Интерес Грабаря к разложению видимого цвета на спектральные, чистые цвета палитры роднит его и с неоимпрессионизмом, с Ж. Сера и П. Синьяком
Игра красок в природе, сложные колористические эффекты становятся предметом пристального изучения «Союзников», творящих на полотне живописно-пластический образный мир, лишенный повествовательности и иллюстративности.
При всем интересе к передаче света и воздуха в живописи мастеров «Союза» никогда не наблюдается растворение предмета в световоздушной среде. Цвет приобретает декоративный характер.
Декоративное чувство цвета
«Союзники» в отличие от петербуржцев графиков «Мира искусства» в основном живописцы, обладающие повышенным декоративным чувством цвета. Прекрасный пример тому картины Ф.А. Малявина. (263)
9.3. Константин ЮОН (1875 1958)
Архитектура старой Москвы
Среди участников «Союза» были художники, близкие «мирискусникам» самой темой творчества. Так, К.Ф. Юона (1875 1958) привлекал облик старинных русских городов, панорама старой Москвы. Но Юон далек от эстетского любования мотивами прошлого, призрачным архитектурным пейзажем. Это не версальские парки и царскосельское барокко, а архитектура старой Москвы в ее весеннем или зимнем обличье.
Картины природы полны жизни, в них ощущается натурное впечатление, от которого прежде всего отталкивался художник
9.4. Станислав Юлианович ЖУКОВСКИЙ (1873 1944)
Тонкие изменчивые состояния природы переданы в пейзажах еще одного участника «Союза» и одновременно члена Товарищества передвижных выставок С.Ю. Жуковского (1873 1944):
Част у него и мотив заброшенной усадьбы.
9.5. Аркадий РЫЛОВ
В картине живописца петербургской школы, верного члена «Союза русских художников» А.А. Рылова (1870 - 1939)
мастеру удалось передать как бы само дыхание свежего ветра, под которым колышутся деревья и раздуваются паруса. В ней ощущаются какие-то радостные и тревожные предчувствия. Сказались здесь и романтические традиции его учителя Куинджи.
9.6. Значение «Союза»
Разные направления
В целом «Союзники» тяготели не только к пленэрному этюду, но и к монументальным картинным формам. К 1910 году, времени раскола и вторичного образования «Мира искусства», на выставках «Союза» можно было увидеть
До 1923 года
«Союз русских художников», с его твердыми реалистическими основами, сыгравший значительную роль в отечественном изобразительном искусстве, имел определенное воздействие и на формирование советской живописной школы, просуществовав до 1923 года. (264)
10. «Голубая роза»
10.1 Русские символисты.
10.2 Павел КУЗНЕЦОВ.
10.3 Мартирос САРЬЯН.
10.4 Николай САПУНОВ и Сергей СУДЕЙКИН
10.1. Русские символисты
Единственная выставка
Годы между двумя революциями характеризуются напряженностью творческих исканий, иногда прямо исключающих друг друга. В 1907 году в Москве журналом «Золотое руно» была устроена единственная выставка художников последователей Борисова-Мусатова, получившая название «Голубая роза». (264)
Близость к символизму
Ведущим художником «Голубой розы» стал П. Кузнецов. Вокруг него еще в годы обучения сгруппировались М. Сарьян, Н. Сапунов, С. Судейкин, К. Петров-Водкин, А. Фонвизин, скульптор А. Матвеев. Ближе всего «голуборозовцы» к символизму, что выразилось прежде всего в их «языке»:
Символизм в литературе
В русском искусстве символизм скорее всего сформировался в литературе, в самые первые годы нового века уже звучали такие имена, как А. Блок, А Белый, В. Иванов, С. Соловьев.
Живописный символизм
Отдельные элементы «живописного символизма» проявились и в творчестве Врубеля, о чем уже говорилось, Борисова-Мусатова, Рериха, Чюрлёниса.
В живописи Кузнецова и его сподвижников оказалось немало точек соприкосновения с поэтикой Бальмонта, Брюсова, Белого, только они приобщались к символизму через оперы Вагнера, драмы Ибсена, Гауптмана и Метерлинка.
Выставка как синтез искусств
Выставка «Голубой розы» представляла некий синтез: на ней выступали поэты-символисты, исполнялась современная музыка.
Воздействие стилистики модерна
Эстетическая платформа участников выставки сказалась и в последующие годы, и название в этой выставки стало нарицательным для целого направления в искусстве второй половины 900-х годов. На всей деятельности «Голубой розы» лежит также сильнейший отпечаток воздействия стилистики модерна
10.2. Павел Варфоломеевич КУЗНЕЦОВ (1878 1968)
Концепция «прекрасной ясности»
В произведениях Павла Варфоломеевича Кузнецова (1878 1968) отражены основные принципы «голуборозовцев». В его творчестве воплощена неоромантическая концепция «прекрасной ясности» (выражение поэта М. Кузмина).
Панно-картина
Кузнецов создал декоративное панно-картину, в котором стремился
Монументальные формы живописи
Отсюда стремление к монументальным формам живописи, мечтательно-созерцательной, очищенной от всего мгновенного, общечеловеческие, вневременные ноты, постоянное желание передать одухотворенность материи. (265)
Равномерное распределение света
Отсюда и прием равномерного распределения света по всей поверхности холста как одна из основ кузнецовской декоративности. Серов говорил, что природа у П. Кузнецова «дышит». Это прекрасно выражено в его Киргизской (Степной) и Бухарской сюитах, в среднеазиатских пейзажах.
как пишет исследователь творчества Кузнецова А. Русакова, - это образ мечтательного степного мира, покоя, гармонии. Изображенная женщина не конкретное лицо, а киргизка вообще, знак монгольской расы.
Образ патриархальной идиллии
Высокое небо, безбрежная пустыня, пологие холмы, шатры, стада овец создают образ патриархальной идиллии. Извечная, недосягаемая мечта о гармонии, о слиянии человека с природой, которая во все времена волновала художников
Обращение к традициям
Кузнецов изучал приемы древнерусской иконописи, раннего итальянского Возрождения. Это обращение к классическим традициям мирового искусства в поисках своего большого стиля, как верно замечено исследователями, имело принципиальное значение в период, когда нередко вообще отрицались какие-либо традиции.
10.3. Мартирос Сергеевич САРЬЯН (1880 1972)
Экзотика Востока
Экзотика Востока Ирана, Египта, Турции претворена в пейзажах Мартироса Сергеевича Сарьяна (1880 1972). Восток был естественной темой для художника-армянина. Сарьян создает в своей живописи
причем живописное решение всегда построено на контрастных соотношениях цвета, без нюансов, в резком теневом сопоставлении
Цветовые контрасты
Заметим, что ориентальные произведения Сарьяна с их цветовыми контрастами появляются раньше работ Матисса, созданных им после путешествия в Алжир и Марокко.
Обобщенный образ
Образы Сарьяна монументальны благодаря
это, как правило, обобщенный образ Египта ли, Персии, родной Армении, сохраняющий при этом жизненную естественность, как будто написан с натуры.
Декоративные полотна
Декоративные полотна Сарьяна всегда жизнерадостны, они отвечают его представлению о творчестве: «...произведение искусства само результат счастья, то есть творческого труда. Следовательно, оно должно разжечь в зрителе пламя творческого горения, способствовать выявлению присущего ему от природы стремления к счастью и свободе».
Поэтический образ
Кузнецов и Сарьян разными путями создавали поэтический образ красочно-богатого мира,
В период «Голубой розы» их объединял также
Импрессионистические восприятие действительности художникам «Голубой розы» свойственно не было.
10.4. Николай САПУНОВ и Сергей СУДЕЙКИН
«Голуборозовцы» много и плодотворно работали в театре, где тесно соприкоснулись с драматургией символизма. Н.Н. Сапунов (1880 1912) и С.Ю. Судейкин (1882 1946) оформляли драмы М. Метерлинка, один Сапунов Г. Ибсена и блоковский «Балаганчик».
Эту театральную фантастику, ярмарочно-лубочную стилизацию Сапунов перенес и в свои станковые произведения,
11. «Бубновый валет» и «Ослиный хвост»
11.1. «Бубновый валет»
11.1. «Ослиный хвост»
11.1. «Бубновый валет»
В 1910 году ряд молодых художников П. Кончаловский, И. Машков, А. Лентулов, Р. Фальк, А. Куприн, М. Ларионов, Н. Гончарова и другие объединились в организацию «Бубновый валет»,
Против символизма и эстетизма
«Бубновый валет» фактически просуществовал до 1917 года. Как постимпрессионизм, в первую очередь Сезанн, явился «реакцией на импрессионизм», так «Бубновый валет» выступил против смутности, непереводимости, тончайших нюансов символического языка «Голубой розы» и эстетского стилизма «Мира искусства».
Вещность мира
«Бубнововалетовцы», увлеченные материальностью, «вещностью» мира, исповедовали
Натюрморт любимый жанр
Не случайно натюрморт становится излюбленным жанром «валетовцев», как пейзаж любимым жанром членов «Союза русских художников».
Илья Машков
Илья Иванович Машков (1881 1944) в своих натюрмортах
в полной мере выражает программу этого объединения.
Петр Кончаловский
Как Петр Петрович Кончаловский (1876 1956) в портретах
Против голуборозовцев
Тонкость в передаче смены настроений, психологизм характеристик, недосказанность состояний, дематериализация живописи «голуборозовцев», их романтическая поэзия отвергаются «валетовцами». Им противопоставляется
Кончаловский и Машков
Упрощение формы
«Бубнововалетовцы» допускают такие упрощения в трактовке формы, которые сродни
Тяга к примитивизму
Тяга к примитивизму (от латинского primitivus первобытный, первоначальный) проявилась у разных художников, подражавших упрощенным формам искусства так называемых примитивных эпох первобытных племен и народностей в поисках обретения непосредственности и целостности художественного восприятия.
От кубизма и футуризма
«Бубновый валет» черпал свои восприятия
как в картине
у А.В. Лентулова (1884 1943).
Аристарх Лентулов
Лентулов создал очень выразительный образ, построенный на мотиве старой архитектуры, гармония которой нарушена нервным, острым восприятием современного человека, обусловленным индустриальными ритмами.
Роберт Фальк
Портреты Р.Р. Фалька (1886 1958), остававшегося верным кубизму в понимании и трактовке формы (недаром говорят о «лирическом кубизме» Фалька), разработаны в тонких цветопластических гармониях, передающих определенное состояние модели.
Александр Куприн
В натюрмортах и пейзажах А.В. Куприна (1880 1960) проявляется иногда эпическая нота, прослеживается тенденция к обобщению
справедливо именуется исследователями «поэмой, воспевающей орудия труда живописца». Декоративное начало у Куприна сочетается с аналитическим проникновением в натуру. (269)
11.2. «Ослиный хвост»
11.2.1. Михаил ЛАРИОНОВ (1881 1964)
Искусство вывески
Крайнее упрощение формы, прямая связь с искусством вывески особо ощутима у М.Ф. Ларионова (1881 1964), одного из основателей «Бубнового валета», но уже в 1911 году порвавшего с ним и организовавшего новые выставки:
«Ослиный хвост»
и «Мишень».
Жанровая картина
Ларионов пишет пейзажи, портреты, натюрморты, работает как театральный художник дягилевской антрепризы, затем обращается к жанровой картине, его темой становится
быт провинциальной улицы,
солдатских казарм. (269)
Книга «Лучизм»
Формы плоскостны, гротескны, как бы нарочито стилизованы под детский рисунок, лубок или вывеску. В 1913 году Ларионов опубликовал свою книгу «Лучизм» - по сути, первый из манифестов абстрактного искусства, подлинными создателями которого в России являлись В. Кандинский и К. Малевич.
11.2.2. Наталья ГОНЧАРОВА (1881 1962)
Крестьянская тема
Художница Н.С. Гончарова (1881 1962), жена Ларионова, развивала те же тенденции в своих жанровых картинах, в основном на крестьянскую тему.
Примитивизм
В рассматриваемые годы в ее творчестве,
более декоративном и красочном, чем искусство Ларионова,
монументальном по внутренней силе и лаконизму,
остро ощущается увлечение примитивизмом. Характеризуя творчество Гончаровой и Ларионова, часто употребляют термин «неопримитивизм».
В эти годы им близки по художественному мировосприятию, поискам выразительного языка А. Шевченко, В. Чекрыгин, К. Малевич, В. Татлин, М. Шагал. Каждый из этих художников (исключение составляет лишь Чекрыгин, который умер очень рано) скоро нашел свой собственный творческий путь. (270)
12. Искусство предреволюционных лет
12.1. Марк ШАГАЛ.
12.2. Павел ФИЛОНОВ.
12.3. Зинаида СЕРЕБРЯКОВА
12.4. Кузьма ПЕТРОВ-ВОДКИН
12.1. Марк ШАГАЛ
1887 1985 (98)
Впечатления витебского быта
М.З. Шагал (1887 1985) создавал фантазии, преобразованные из скучных впечатлений местечкового витебского быта и трактованные в наивно-поэтическом и гротескно-символическом духе. (270)
Экспрессионизм и примитивизм
Шагал оказывается близок как западному экспрессионизму, так и народному примитивному искусству
Союз молодежи
Многие из названных выше мастеров, близких «Бубновому валету», входили в петербургскую организацию «Союз молодежи», сложившуюся почти одновременно с «Бубновым валетом» (1909). Помимо Шагала в «Союзе» экспонировались П. Филонов,
Ю. Анненков, Н. Альтман, Д. Бурлюк, А. Экстер и др. Главенствующую роль в нем играл Л. Жевержеев.
Так же, как «валетовцы», члены «Союза молодежи» выпускали теоретические сборники. Вплоть до распада объединения в 1917 году «Союз молодежи» не имел определенной программы, исповедуя и символизм, и кубизм, и футуризм, и «беспредметничество», но каждый из художников имел собственное творческое лицо.
12.2. Павел ФИЛОНОВ
Наиболее сложен для характеристики П.Н. Филонов (1883 1941). Д. Сарабьянов правильно определил творчество Филонова как «одинокое и уникальное». В этом смысле он справедливо ставит художника в один ряд с А. Ивановым, Н. Ге, В. Суриковым, М. Врубелем.
Близость к футуризму
Тем не менее фигура Филонова, появление его в русской художественной культуре 10-х годов ХХ века закономерны. Своей ориентацией на «своеобразное саморазвивающееся движение форм» (Д. Сарабьянов) Филонов ближе всего футуризму, но проблематикой своего творчества далек от него. Скорее он ближе неживописному, а поэтическому фугуризму Хлебникова с его поисками первоначального значения слова.
Саморазвитие форм
«Нередко начиная писать картину с какого-нибудь одного края, передавая формам свой творческий заряд, Филонов сообщает им жизнь, и они затем уже будто не по воле художника, а своим собственным движением развиваются, видоизменяются, обновляются, растут. Это саморазвитие форм у Филонова поистине поразительно» (Д. Сарабьянов). (271)
Различные группировки
Искусство предреволюционных лет в России отмечено необыкновенной сложностью и противоречивостью художественных исканий, отсюда сменяющие друг друга группировки со своими программными установками и стилистическими симпатиями.
Но наряду с экспериментаторами в области абстрактных форм в русском искусстве этого времени одновременно продолжали работать
12.3. Зинаида СЕРЕБРЯКОВА
Существовала также мощная струя неоклассицистического течения, примером которого может служить творчество активного члена «Мира искусства» в его «втором поколении» З.Е. Серебряковой (1884 1967). В своих поэтических жанровых полотнах
Серебрякова исходит из высоких национальных традиций русского искусства, прежде всего Венецианова и еще далее древнерусского искусства
12.4. Кузьма ПЕТРОВ-ВОДКИН
Наконец, блестящим свидетельством жизненности национальных традиций, великой древнерусской живописи является творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878 1939), художника-мыслителя, ставшего впоследствии виднейшим мастером искусства уже советского периода. В знаменитом полотне
художник прибегнул к изобразительной метафоре. Как было верно замечено, юноша на ярко-красном коне вызывает ассоциации с излюбленным в народе образом Георгия Победоносца («святого Егория»), а обобщенный силуэт, ритмизированная, компактная композиция, насыщенность звучащих в полную силу контрастных цветовых пятен, плоскостность в трактовке форм приводят на память древнерусскую икону.
Гармонически-просветленный образ создает Петров-Водкин в монументальном полотне
в котором также ощущается его ориентация на традиции отечественного искусства, приводящие мастера к подлинной народности. (273)
PAGE 1